Un bon festival c’est souvent comme un grand film, il vous laisse heureux et exténué, joyeusement nostalgique et doucement mélancolique, riche d’émotions et de réflexions, souventcontradictoires , et il faut souvent un peu de recul pour appréhender ces multiples réflexions et émotions qu’il a suscitées, pour découvrir quelles images auront résisté à l’écoulement du temps, aux caprices de la mémoire, à ce flux et flot d’informations ininterrompues. C’est donc délibérément une semaine après cette joyeuse tornade d’émotions, d’images, de rencontres, de retrouvailles et parfois de rendez-vous manqués (parfois cinématographiques, en ayant vu une vingtaine de films dont 17 films de la compétition sur 22 et en ayant manqué 4 films figurant au palmarès) que j’ai décidé d’établir le bilan de ce 65^ème Festival de Cannes avant de revenir, dans les semaines qui viennent, sur les films les plus marquants de cette édition.

Même s’il était forcément difficile, voire impossible, de rivaliser avec l’édition 2011 (pour moi, la meilleure en 12 ans avec notamment « Melancholia » sans aucun doute un de mes plus grands chocs cinématographiques), quoiqu’en disent certains observateurs, cette édition 2012, si elle nous a proposé un cinéma particulièrement morose et pessimiste mais aussi des œuvres exprimant une quête d’amour(s) effrénée et souvent désespérée fut, comme chaque année, le révélateur ou la confirmation de grands films et auteurs et le reflet clairvoyant et souvent terrible de la société, une société en perte et quête de repères.

Ecrire ce bilan c’est un peu mettre le mot fin sur 11 jours dont je rechigne à m’éveiller mais c’est aussi s’y replonger un peu, oublier un temps la réalité, retourner dans cette « bulle au milieu du monde dans laquelle on se réfugie, on se cache blottie contre un siège rouge dans le noir d’une grande salle » pour reprendre les propos de Bérénice Béjo à la clôture. Si cette bulle nous isole du monde, nous plonge dans une irréalité étourdissante, et cette année n’a pas dérogé à la règle, en revanche elle nous a aussi paradoxalement ramenés à ce monde, ses doutes, ses désespoirs, une parenthèse enchantée qui a mis en lumière les ombres d’un monde désenchanté, des films dans lesquels les sursauts de l’histoire (« Après la bataille ») mais surtout la crise étaient présents au premier plan ou en arrière-plan (« Killing them softly ») avec des personnages anesthésiés en quête d’une ivresse (« L’ivresse de l’argent »), de désirs (« Cosmopolis »), d’un rêve (« Reality ») ou parfois simplement d’un quotidien meilleur mais surtout d’amour(s). Un monde enragé « à en perdre la raison », avide d’amour(s), qui a du mal à communiquer, symboliquement enfermé dans l’habitacle aseptisé et clinique d’une voiture (« Holy motors », « Cosmopolis »). Des œuvres pessimistes dont la mort était bien souvent la seule issue et paradoxale respiration. Des œuvres qui s’opposaient aussi dépeignant tantôt un monde sur papier glacé, glaçant, glacial, tantôt des êtres de chair et de sang, ou « de rouille et d’os ». Tantôt des œuvres formellement radicales et des œuvres plus classiques (« Sur la route », « Mud »…). Ou des œuvres qui montraient des mondes qui s’opposaient : deux Egypte dans « Après la bataille », « Trois mondes » dans le film éponyme de Catherine Corsini. Subtile alliance et confrontation de force et de fragilité, de glamour et de cinéma d’auteur que résumait si bien l’affiche de cette 65^ème édition. Marilyn, les yeux baissés, comme une invitation douce et langoureuse au rêve. A la fois sophistiquée et simple. Fragile et complexe. Moderne et intemporelle. Elégante et à fleur de peau. Le symbole idéal pour le Festival de Cannes qui concilie si bien ces beaux paradoxes. Et puis Marilyn souffle une bougie, une manière de nous rappeler que ce festival, un autre mythe, fête ses 65 ans, et qu’il découvre et célèbre le cinéma d’aujourd’hui aussi bien que celui d’hier.

Comme souvent les films cannois ont aussi affectionné la mise en abyme comme l’avaient fait les magnifiques « Etreintes brisées », « The Artist », « Minuit à Paris » les années précédentes et cette année « Holy motors » et « Vous n’avez encore rien vu ». Le film d’Alain Resnais m’a autant éblouie et fascinée que celui de Leos Carax m’a agacée (mais je suis minoritaire, je l’admets, combien de journalistes ai-je entendu crier au génie, rares sont en revanche ceux ayant été capables de m’expliquer les raisons de leur admiration), le premier m’a semblé aussi généreux que le second m’a parue égocentrique. Et puis le documentaire de Gilles Jacob qui s’attarde sur la géographie des visages était aussi une mise en abyme d’une mise en abyme puisqu’il raconte le 60^ème anniversaire du Festival et la projection de « Chacun son cinéma » dont chaque segment avait pour sujet la salle de cinéma. Projeté à l’occasion de l’anniversaire du festival qui célébrait cette année ses 65 ans, il a donné lieu au plusimprobable et magnifique générique du festival, un de ces moments cannois qui retiennent le temps et font que cinéma et réalité se rejoignent dans une joyeuse, émouvante et troublante confusion (une projection suivie d’un dîner signé Pierre Gagnaire avec un générique tout aussi impressionnant auquel j’ai eu le grand plaisir d’être conviée).

Si je devais moi aussi m’attarder sur la géographie des visages, je retiendrais pêle-mêle : celui de William Hurt dans le film de Sandrine Bonnaire, enragé de douleur indicible, d’amour massacré, de folie désespérée ; le beau visage de Raphaël Personnaz, ravagé par la culpabilité dans « Trois mondes » ; celui d’Isabelle Huppert, fantaisiste et mélancolique à souhait dans le film ludique et rohmerien de Hong Sang-Soo. Celui de Robert Pattinson, judicieusement cynique et sinistre, présent dans tous les plans de « Cosmopolis », une vraie révélation. Celui de Mahmoud, le cavalier de la place Tahrir, dans le sublime et significatif dernier plan de « Après la bataille » ; ceux d’Emmanuelle Riva et Jean-Louis Trintignant douloureusement enlacés dans leur tendre et ultime amour jusqu’au dernier souffle dans le film d’Haneke. Celui d’Emilie Dequenne sur la musique de Julien Clerc, saisissant de douleur et d’émotion (au passage, signalons que face à elle une autre révélation de Cannes, Tahar Rahim est sidérant de justesse et Niels Arestrup plus inquiétant que jamais). Si je devais retenir une musique, ce serait un Impromptu de Schubert que j’aimais déjà tant désormais indissociable du film d’Haneke, infiniment triste et beau. La voix puissante de Beth Ditto à l’ouverture. La musique de Mark Snow d’une puissance émotionnelle renversante dans « Vous n’avez encore rien vu ». Et puis tant de regards. Trop souvent désabusés. Heureusement aussi souvent passionnés. Des regards de cinéastes si incisifs et tristement lucides sur notre époque. Des bruits aussi. Ceux d’une Croisette insomniaque. Ceux d’une presse vengeresse. Ceux de ces médias carnassiers qui ne laissent pas le temps à la pensée de s’exprimer alors que, justement, la richesse de Cannes est de nous faire découvrir des œuvres exigeantes qui nécessitent un peu de recul et un peu plus que ces réactions passionnelles et souvent brutales. Ceux des applaudissements, parfois conventionnels ou de politesse, parfois ne pouvant plus arrêter leur course folle à vous faire chavirer de bonheur et d’émotion comme ce fut le cas pour « De rouille et d’os », « Amour », « A perdre la raison », « J’enrage de son absence ».

Je retiendrai encore que ce festival a couronné l’ « Amour » d’une palme d’or, « Reality » d’un grand prix. Paradoxe cannois que de primer deux films qui sont pour le premier d’une certaine manière l’antithèse de Cannes, pour le second une sorte de miroir. Dans le premier : l’Amour absolu, un cri d’amour ultime et désespéré qui montre ce qui est « caché » avec une infinie pudeur et délicatesse alors que tant, à Cannes, s’enivrent de rencontres et plaisirs éphémères. Dans le second, le rêve d’un homme qui ne voit le bonheur possible que dans le regard d’une multitude d’autres, fut-ce au mépris de sa dignité, une fable qui aboutit à la désillusion, sorte de miroir de Cannes, aussi. Et comme Luciano, le personnage principal, qui finit par imaginer qu’un criquet l’espionne, l’omniprésence médiatique à Cannes fait parfois perdre le sens des réalités et imaginer être dans un immense Truman show.

Lors de la conférence de presse du jury à laquelle j’ai eu le plaisir d’assister Nanni Moretti a déclaré que tous les prix auraient pu revenir à « Amour » (le règlement ne permet pas à un film d’avoir un autre prix en plus de la palme d’or) et qu’aucun prix n’avait fait l’unanimité du jury. « Amour », trois ans après la palme d’or pour « Le Ruban blanc » fait ainsi entrer Michael Haneke dans le cercle très fermé des cinéastes doublement palmés. En plus de sa maitrise formelle incontestable, « Amour » est un film tragique, bouleversant, universel qui nous ravage, un film lucide, d’une justesse et d’une simplicité remarquables, tout en retenue. Un film éprouvant et sublime, d’une beauté tragique et ravageuse que vous hante et vous habite longtemps après la projection, après ce dernier plan d’une femme seule dans un appartement douloureusement vide.

«Je ne me souviens plus du film, mais je me souviens des sentiments» dit Jean-Louis Trintignant en racontant une anecdote à son épouse dans le sublime film « Amour » de Michael Haneke. C’est aussi ce que je pourrais dire de mon film du Festival de Cannes. Je serais incapable de vous raconter ces 11 jours, en revanche m’en restent des sentiments forts : la fascination devant le long premier plan-séquence de « Reality » ; l’admiration devant ce premier plan de « Like Someone in love », cette manière de capter notre attention, de laisser le spectateur libre, la richesse, la force et la douceur du cinéma de Kiarostami envoûtant et pluriel comme un air de jazz ; l’admiration encore devant la beauté froide et triste et la richesse du scénario de « Dans la brume » de Sergei Loznitsa (qui a d’ailleurs obtenu le prix de la critique internationale) ; le bouleversement devant la fin de « A perdre la raison » et sa violence absolue hors-champ qui m’a rappelée ce plan de « Tess » projeté à Cannes Classics cette année, cette tâche de sang qui s’étend et en dit plus que n’importe quelle démonstration de force et violence ; un sentiment fugace et salvateur de légèreté devant « In another country » ; les frissons devant la poésie étourdissante des premières images du prochain film de Wong Kar Wai (séance surprise du festival avec projections de bandes-annonces) ; le vertige sensoriel devant « De rouille et d’os », mélange habile et poignant de rudesse et de délicatesse, qui culmine dans ces derniers mots, cri d’amour et d‘espoir poignant et dévastateur.

Ce même vertige sensoriel devant le film d’Alain Resnais dont je ne peux m’empêcher de vous parler longuement à nouveau qui a suscité ce qui arrive parfois au théâtre, cette émotion presque irrationnelle, lorsqu’il y a ce supplément d’âme, de magie, lorsque ce pouvoir des mots vous embarque ailleurs, vous hypnotise, vous fait oublier la réalité, tout en vous ancrant plus que jamais dans la réalité, vous faisant ressentir les palpitations de la vie. Chaque phrase prononcée, d’une manière presque onirique, magique, est d’une intensité sidérante de beauté et de force et exalte la force de l’amour. Mais surtout Alain Resnais nous livre ici un film inventif et ludique. Il joue avec les temporalités, avec le temps, avec la disposition dans l’espace (usant parfois aussi du splitscreen entre autres « artifices »). Il donne à jouer des répliques à des acteurs qui n’en ont plus l’âge. Cela ne fait qu’accroître la force des mots, du propos, leur douloureuse beauté et surtout cela met en relief le talent de ses comédiens. Rarement, je crois, j’aurais ainsi été émue et admirative devant chaque phrase prononcée quel que soit le comédien. A chaque fois, elle semble être la dernière et la seule, à la fois la première et l’ultime. C’est une des plus belles déclarations d’amour au théâtre et aux acteurs, un des plus beaux hommages au cinéma qu’il m’ait été donné de voir et de ressentir. Contrairement à ce qui a pu être écrit ce n’est pas une œuvre posthume mais au contraire une mise en abyme déroutante, exaltante d’une jeunesse folle, un pied-de-nez à la mort qui, au théâtre ou au cinéma, est de toutes façons transcendée. C’est aussi la confrontation entre deux générations ou plutôt leur union par la force des mots. Ajoutez à cela la musique de Mark Snow et vous obtiendrez un film inclassable et si séduisant (n’usant pourtant d’aucune ficelle pour l’être mais au contraire faisant confiance à l’intelligence du spectateur). Ce film m’a enchantée, bouleversée, m’a rappelé pourquoi j’aimais follement le cinéma et le théâtre, et les mots. Ce film est d’ailleurs au-delà des mots auquel il rend pourtant un si bel hommage. Malgré tout ce que je viens de vous en dire, dîtes-vous que de toutes façons, « Vous n’avez encore rien vu ». C’est bien au-delà des mots et cela fait un bien fou dans un lieu comme Cannes où ils sont tant galvaudés …

Je retiendrai encore des retrouvailles trop brèves, des émotions intenses, des hasards et coïncidences troublants. Ce sentiment aussi d’avoir vécu un film de 11 jours déroutant, souvent enthousiasmant, parfois une histoire sans fin et puis cette impression que si Cannes est un paradis pour les cinéphiles, il ne l’est pas pour les âmes sensibles comme le disait Gilles Jacob dans son livre « La vie passera comme un rêve », la mienne ayant été souvent mise à rude épreuve.

Cannes, c’est la vie en concentré. Plus belle et plus violente. Plus déconcertante et exaltante. Plus dérisoire et urgente. Comme sur l’écran, tout y est plus triste, plus tragique, plus intense, tellement excessif. Chacun se pare d’un masque, souvent de vanité, parfois d’hypocrisie, me faisant songer à cette citation de Molière tellement à propos à Cannes « L’hypocrisie est un vice à la mode et tous les vices à la mode passent pour vertu ». Cannes, « c’est une joie et une souffrance » , pourrais-je dire en paraphrasant Truffaut. La joie de vivre au rythme de sa passion. La souffrance de voir des passions moins nobles l’emporter. La joie de faire taire la réalité. La joie de voir la vie ressembler à du cinéma. La joie d’être immergée dans un monde de cinéma et de se plonger dans des regards et des univers de cinéastes captivants, dérangeants, en tout cas éminemment talentueux. La joie de partager sa passion, de passer ses journées au rythme du cinéma. Oui, la joie l’emporte forcément.

Une certitude subsiste : que j’aime Cannes et le cinéma à la folie, toujours et encore et malgré tout, ce vertige émotionnel et cinématographique qui vous enivre, mais beaucoup moins ceux qui font le leur et le prennent pour prétexte à l’expression de leurs frustrations, beaucoup moins ceux qui se gavent et se grisent, beaucoup moins ceux qui piétinent les autres et leur orgueil pas même pour un quart d’heure cher à Warhol. Je déplore la présence voire l’omniprésence des marques pour qui Cannes n’est qu’une vitrine et plus un festival de cinéma.

J’en retiens un voyage dans les cinématographies, les espoirs et les tourments du monde entier exigeant, passionnant, instructif; l’envie toujours et plus que jamais viscérale d’écrire et de partager cette passion qui ne s’étiole pas avec les ans. Enfin, je précise (suite à quelques réflexions à ce sujet) que, comme chaque année, je ne devais mon accréditation et ma présence à Cannes à aucun sponsor, que ma contribution pour d’autres sites a été réalisée à titre gracieux. L’occasion aussi de souhaiter conserver cette indépendance mais aussi de faire évoluer mes blogs, d’écrire ou m’exprimer pour d’autres médias, la prise de conscience de l’utilisation par certaines marques des écrits des blogueurs comme une matière indifférenciée, simplement dictée par l’audience et la visibilité, et non la qualité.

Alors, sans aucun doute serai-je à Cannes pour la treizième fois l’an prochain, revenant à mes premières amours, à cette émotion qui ne manque pas de m’étreindre quand je pénètre chaque année pour la première fois dans le Grand Théâtre Lumière, a fortiori cette année, aux premières loges pour l’ouverture. Non, jamais je n’oublierai cette émotion dont j’éprouve chaque année la douce et violente réminiscence, jamais je n’oublierai ces moments exaltants de cinéma qui vous élèvent et qui éclairent et illuminent la réalité.

Remerciements à ceux qui ont lu quotidiennement mes articles en direct du festival, surtout à un « gentleman old school » à la curiosité et la jeunesse d’esprit réjouissantes et inaltérées et qui fait de ce festival cette magnifique et inégalable manifestation cinématographique et qui a fait qu’ « une journée particulière » l’était encore plus pour moi, à ceux que j’y croise trop rarement, chaque année, de façon éphémère etjoliment irréelle, mais que je n’oublie pas pour autant, aux passionnés de cinéma avec qui j’ai eu le plaisir d’échanger pendant ce festival…

Je vous donne rendez-vous dans les semaines à venir pour de nouveaux articles sur ce 65ème Festival de Cannes mais aussi cette semaine pour mes articles en direct du Champs-Elysées Film Festival, du 6 au 12 juin, et dont ce sera cette année la première édition, avant le Festival Paris Cinéma, fin juin, à suivre ici comme chaque année. Retrouvez également d’autres articles et visions du Festival de Cannes sur mes autres blogs http://www.inthemoodforcannes.com , http://www.inthemoodforcinema.com et http://www.inthemoodforluxe.com et pour ceux qui m’ont suivie sur twitter pendant le festival sur @moodforcannes, vous pouvez également me suivre toute l’année sur mon compte twitter principal et quotidien @moodforcinema .

Ci-dessous en vidéos et en images, quelques autres de mes meilleurs moments en attendant de revenir en critiques sur mes coups de cœur de cette édition (« Amour », « A perdre la raison », « J’enrage de son absence », « Après la bataille », « Vous n’avez encore rien vu », « De rouille et d’os », « Dans la brume », « Reality »…).

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Toutes les photos de cet article sont la propriété d’ http://inthemoodlemag.com . Les photos du jury sont celles de la conférence de presse du clôture du festival. Le menu est celui du dîner des 65 ans du Festival de Cannes.

Accaparée par les projections et le trépidant rythme cannois, mes articles ont été cette année moins nombreux et plus courts que d’habitude, ayant préfèré vous livrer un compte-rendu a posteriori du festival, fidèle à mes impressions, plutôt que quelques lignes maladroites, confuses et imprécises.  Le temps de trier toutes ces émotions, pas seulement cinématographiques, mes nombreux clichés, et vous retrouverez donc ici le compte-rendu complet habituel ainsi que des articles supplémentaires sur http://inthemoodlemag.com et http://www.inthemoodforcannes.com . En attendant, même si je rattrape encore deux films aujourd’hui (« Mud » et « Like someone in love »), et même si j’en aurai manqué quelques uns, je voulais vous livrer mon palmarès. Est-il besoin de préciser que cette sélection était d’une très grande qualité, un voyage déroutant et fascinant dans les cinématographiques, les espoirs et les blessures du monde entier ?

 Quête d’amour (parfois désespérée ), mise en abyme, et arrière-plan de crise économique sont sans doute les points commun des films en compétition de cette édition 2012. Cinq films dominent pour moi la compétition de cette année : « Vous n’avez encore rien vu » d’Alain Resnais (ma palme d’or), « De rouille et d’os » de Jacques Audiard (sans doute un prix d’interprétation pour un des deux acteurs principaux ou un prix du scénario), « Amour » de Michael Haneke (un grand prix ? Un prix d’interprétation pour Jean-Louis Trintignant ou Emmanuelle Riva ?), « Reality » de Matteo Garrone (prix du jury ? prix d’interprétation ? prix du scénario ?), « Après la bataille » de Yousry Nasarallah (pourquoi pas une palme d'or ou un grand prix ou un prix du scénario?) … à moins que les deux films que je verrai aujourd’hui modifient ce top 5.

Mais il faudrait aussi citer « In another country » de Hong Sangsoo  (prix du scénario ? prix d’interprétation pour Isabelle Huppert ?), "Dans la brume" de Loznitsa (un grand prix?), « Cosmopolis » de Cronenberg (prix d’interprétation pour Robert Pattinson qui m’a bluffée et qui est vraiment étonnant dans ce film sur lequel je reviendrai également). Quant au prix de la mise en scène, difficile d’établir un pronostic tant les films de cette édition témoignent de regards de cinéastes (y compris "Paradis: amour" que je n'ai pas encore cité) et surtout de regards de grands metteurs en scène, peut-être Alain Resnais s’il n’obtient pas la palme d’or que je lui souhaite.

Quoiqu’il en soit, il serait étonnant, cette année, à nouveau, que le cinéma français ne figure pas au palmarès. Que ce soit le très beau film de Jacques Audiard dont je vous ai parlé le premier jour « De rouille et d’os », ou mon coup de cœur 2012 « Vous n’avez encore rien vu d’Alain Resnais » (toute la distribution mériterait un prix d’interprétation collectif…pourquoi pas le prix du 65^ème anniversaire ?), sans oublier les acteur français du film de Michael Haneke, en revanche j’avoue être restée totalement hermétique au film de Leos Carax « Holy motors » ( sur lequel je reviendrai également) dont le caractère égocentrique et présomptueux m'a empêché de l'apprécier pleinement. Nombreux sont ceux qui lui prédisent cependant une palme d’or (alors que je souhaiterais qu'il ne figure pas au palmarès, Denis Lavant qui y interprète une dizaine de rôles est aussi cependant un prétendant sérieux pour le prix d'interprétation)…

Réponse ce soir en attendant le compte-rendu complet de mes palpitantes pérégrinations et découvertes cinématographiques. Je reviendrai sur les thématiques du festival, vous livrerai de nombreuses autres critiques, vous parlerai également d’évènements comme les 65 ans du festival ou de soirées, bref un compte-rendu plus dignement « in the mood for Cannes » que ces quelques lignes…

Les journées d'un festivalier cannois se construisent à partir de choix cornéliens et cette année, je n'aurai malheureusement vu que deux fims de la sélection "Un Certain Regard": "A perdre la raison" de Joachim Lafosse et "Trois mondes" de Catherine Corsini. Je vous parlerai prochainement de l'un et de l'autre. Je me réjouis en tout cas qu'Emilie Dequenne (à qui Cannes porte décidément chance, on se souvient de son prix d'interprétation pour "Rosetta") ait obtenu le prix d'interprétation. Dans ce film, elle est une nouvelle fois sidérante, bouleversante, et d'une justesse renversante dans un rôle particulièrement complexe. Voici le communiqué de presse du festival au sujet du palmarès Un Certain Regard avant de vous parler plus longuement des films précités.

Un Certain Regard 2012 a proposé 20 films réalisés par 26 réalisateurs venus de 17 pays différents.
Quatre d’entre eux sont des premiers films.

Présidé par Tim ROTH (acteur, réalisateur) le Jury était composé de Leïla BEKHTI (actrice), Sylvie PRAS (responsable des cinémas - Centre Pompidou Paris, directrice artistique du Festival de la Rochelle), Tonie MARSHALL (réalisatrice, productrice) et Luciano MONTEAGUDO (critique - Pagina/12 - Buenos Aires).
« Nous avons découvert une sélection de films extraordinaire dans sa qualité et sa puissance et nos délibérations furent passionnées. Les cinéastes ne nous ont jamais déçus une seule fois ! Incroyable ! » Tim ROTH
PRIX UN CERTAIN REGARD
DESPUÉS DE LUCIA de Michel FRANCO
PRIX SPÉCIAL DU JURY
LE GRAND SOIR de Benoît DELÉPINE et Gustave KERVERN
PRIX D’INTERPRÉTATION FÉMININE
Suzanne CLÉMENT pour sa performance dans le film LAURENCE ANYWAYS de Xavier DOLAN
PRIX D’INTERPRÉTATION FÉMININE
Emilie DEQUENNE pour sa performance dans le film À PERDRE LA RAISON de Joachim LAFOSSE
MENTION SPECIALE DU JURY
DJECA d’Aida BEGIC
(Enfants de Sarajevo)

Renoir. Un nom illustre, mondialement célèbre grâce à deux immenses artistes, le père et le fils, un peintre et un cinéaste, Auguste et Jean. En 1915, sur la Côte d’Azur, au crépuscule de sa vie, Auguste Renoir (Michel Bouquet) continue à se consacrer à son art malgré de vives douleurs dues à son grand âge, malgré la perte récente de son épouse et le chagrin causé par l’absence de ses fils Pierre et Jean, engagés et blessés à la guerre. C’est dans ce contexte qu’arrive Andrée (Christa Théret), éclatante de vie et de beauté, qui sera le dernier modèle du peintre, « le Patron ». C’est alors que Jean (Vincent Rottiers) revient, blessé à la guerre, passer sa convalescence dans la maison familiale. Andrée changera à jamais son existence…

Les premiers plans nous plongent dans cette nature saisissante d’authenticité et de beauté à l’image de celle que nous suivrons quelques minutes plus tard : Andrée, pétillante, flamboyante, naturelle, libérée. La mise en scène de Gilles Bourdos (dont c’est ici le 4^ème long-métrage) ne cherche à rivaliser ni avec la beauté impressionniste des peintures du père ni avec la virtuosité des films du fils, et cet académisme sied finalement au film, synonyme ici d’humilité devant ces deux grands maîtres dans leurs arts respectifs malgré quelques tentatives de capter dans l’œil de la caméra la beauté impressionniste des toiles de Renoir (un bonheur, d'ailleurs, d'en voir défiler quelques unes) comme lorsque ce dernier somnole et qu’une vision évanescente de la nature lui apparait. Bourdos avec son (ou plutôt ses) Renoir ne peut de toutes façons en aucun cas rivaliser avec le « Van Gogh » de Pialat.

Le scénario est certes parfois un peu trop elliptique et inégal, avec quelques lenteurs et longueurs, mais le récit n’en demeure pas moins passionnant, en grande partie grâce à l’interprétation époustouflante de Michel Bouquet (mais qui en aurait douté ?) et face à lui celle de Vincent Rottiers qui crève littéralement l’écran, interprétant avec une justesse étonnante le mélange de velléité, de courage, de maturité et d’innocence de Jean. Nous découvrons comment ce jeune homme velléitaire et courageux deviendra un jeune cinéaste grâce à celle qui deviendra sa femme et notamment l’interprète de « La Chienne », Andrée, future Catherine Hessling. Dernière muse d’Auguste Renoir, la vitalité, le naturel et la flamboyance d’Andrée prennent ici les traits de la pétillante Christa Théret.

Plane aussi l’ombre de « La Grande illusion » avec la guerre à la fois si lointaine du jardin d’Eden du cinéaste et si proche, avec ces gueules cassées qui contrastent avec cette nature éblouissante. Une silhouette, l’espace d’un instant, rappelle celle d’Erich von Stroheim dans « La grande illusion » et nous laisse entendre où Renoir fils a puisé son inspiration.

Le film devrait ainsi intéresser les inconditionnels du père et du fils, le peintre aux 6000 tableaux et le cinéaste de chefs d’œuvre inoubliables comme « La Règle du jeu » et donner aux autres envie d’en savoir davantage sur ces deux immenses artistes. « La chair, c’est l’essentiel », « La couleur fait tout dans une toile », « Je suis comme le bouchon qui se laisse porter par le courant», en quelques citations s’esquisse aussi le portrait de ce maître des couleurs, cet amoureux des femmes, de l’art et de la nature qui se refusait à « broyer du noir ».

Un hymne à la nature, à la beauté et la force de l’art qui manque certes parfois de la vitalité et de la flamboyance d’Andrée (en particulier dans le traitement de son histoire d’amour avec Jean) et de celles des peintures du maître, mais la musique du prolifique Alexandre Desplat et surtout les interprétations de Michel Bouquet et Vincent Rottiers en font un film agréable et instructif, même émouvant dans une très belle scène d’adieux qui les réunit, les enlace même.

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Aujourd'hui, "Cosmopolis" a divisé les festivaliers, les uns étant agacés par cette logorrhée jugée absurde, les autres fascinés par cette brillante allégorie sur notre époque. Je faisais plutôt partie de la seconde catégorie affectionnant les films comme celui-ci qui font confiance au spectateur même si pas forcément adaptés à un Festival de Cannes où une actualité chasse l’autre, où le temps est plus celui de la réaction excessive et immédiate que celui de la réflexion.

Robert Pattinson y interprète Eric Packer dans une ville de New York en ébullition, alors que l’ère du capitalisme touche à sa fin. Eric Packer, golden boy de la haute finance, s’engouffre dans sa limousine blanche, coupée des bruits et du tumulte du monde extérieur. Alors que la visite du président des Etats-Unis paralyse Manhattan, Eric Packer n’a qu’une seule obsession : une coupe de cheveux chez son coiffeur à l’autre bout de la ville. Au fur et à mesure de la journée, le chaos s’installe, et il assiste, impuissant, à l’effondrement de son empire. Il est aussi certain qu’on va l’assassiner. Quand ? Où ? Il s’apprête à vivre les 24 heures les plus importantes de sa vie.

A l’image de son personnage principal, le film de David Cronenberg (axé avant tout sur les dialogues, quasiment intégralement repris de l’œuvre éponyme dont il est l’adaptation) ne cherche pas à tout prix à être aimable ni à faire de cette adaptation de l’œuvre réputée inadaptable de Don Delillo un film grand public et facilement accessible. Le film nous tient à distance (de la réalité et des émotions) comme l’univers froid et aseptisé du véhicule d’Eric Packer le tient à distance du monde extérieur. La limousine est son univers mental, fou, déréglé où il additionne les rencontres comme les chiffres sur son compte en banques : avec froideur et cynisme.

Dans ce monde où l’argent règne en maître, la sensibilité est anesthésiée et Robert Pattinson est la vraie découverte (qui aurait misé sur lui pour un tel rôle ?) et il fallait sans doute la folie géniale de Cronenberg pour y penser. Sa beauté froide se prête parfaitement au cynisme et à la cruauté de son personnage exacerbés par sa jeunesse éclatante : il passe de la maîtrise à l’abandon et la folie, ou parfois expriment les trois expressions en même temps avec une apparente facilité déconcertante. La réalisation précise, glaciale de Cronenberg renforce l’impression de voir un être déshumanisé et désespéré, la triste et lucide représentation de golden boys insensibilisés, coupés de la réalité mais aussi d’une époque insensibilisée.

« Cosmopolis » est un film déroutant, parfois agaçant, mais fascinant et passionnant par sa réalisation et son interprétation glaciales, cliniques, glaçantes et impressionnantes. Métaphore d’une époque paranoïaque, cynique, à la fois rassasiée de désirs et avide de désirs, « Cosmopolis » se regarde comme une œuvre abstraite, absconse diront certains. Une œuvre en tout cas.

Hier matin David Lisnard et Thierry Frémaux ont eu la gentillesse d'accueillir quelques blogueurs pour un petit-déjeuner sur la terrasse du palais des festivals, dans le salon où sont reçues les équipes de films, tandis que, en contrebas, se déroulait le photocall de "The paperboy" de Lee Daniels (Nicole Kidman, Zac Efron, John Cusack). Voici le discours de Thierry Frémaux qui, comme souvent, a fait preuve de beaucoup d'humour pour nous accueillir et nous parler de twitter. (vous pouvez le suivre sur twitter @THIERRYFREMAUX ainsi que Gilles Jacob (@jajacobbi) et bien sûr toujours me suivre (@moodforcinema ,  @moodforcannes, @moodfdeauville , @moodforluxe et surtout sur le premier pour les nouvelles quotidiennes).

Les jours et les nuits, les projections et les soirées, les moments irréels et irréels se succèdent et se confondent dans une sorte de brouillard éblouissant et le temps me manque pour vous raconter ces journées bien et très agréablement remplies mais, comme chaque année, vous pourrez bien entendu retrouver mon compte-rendu très détaillé après le festival. En attendant, je vais vous parler (trop) brièvement d’un des trois films à m’avoir particulièrement marquée ces derniers jours, avec « A perdre la raison » de Joachim Lafosse, « Trois mondes » de Catherine Corsini » : « J’enrage de son absence » de Sandrine Bonnaire. Dans les trois cas, des personnages enfermés dans leurs drames et leurs solitudes. Dans les trois cas, des films d’une extrême sensibilité, poignante dans les films de Joachim Lafosse et Sandrine Bonnaire.

Sandrine Bonnaire nous avait déjà bouleversés avec son documentaire consacré à sa sœur autiste, « Elle s’appelle Sabine », un documentaire ni larmoyant ni complaisant, deux écueils dans lesquels il aurait été si facile de tomber. Il s’agissait alors d’un véritable plaidoyer pour la mise en place de structures d’accueil pour les handicapés, aussi un hommage à ceux qui les encadrent, c’était aussi une véritable déclaration d’amour de Sandrine Bonnaire à sa sœur, un cri du cœur déchirant pour celle que 5 années d’hôpital psychiatrique changèrent à jamais mais qui joue un prélude de Bach avec la même facilité sidérante que des années auparavant. Sandrine Bonnaire parvient à nouveau, magistralement, à nous bouleverser avec son premier long-métrage de fiction, en salles le 31 octobre.

Ce film nous raconte l’histoire d’un couple, Jacques (William Hurt) et Mado (Alexandra Lamy), dont le fils est décédé accidentellement, quelques années auparavant. Lorsqu’ils se retrouvent, le père devient obsédé par le petit garçon de 7 ans que Mado a eu d’une autre union. Entre cet homme et ce petit garçon, un lien fort et inquiétant se crée dans le secret d’une cave.

Sandrine Bonnaire, pour son premier film, dès la première seconde, fait preuve d’une maitrise étonnante, d’une manière de nous « impliquer » dans son drame, avec intensité et empathie.

Le regard à la fois doux et perdu, un peu fou mais surtout fou d’amour et de la rage de l’absence, de William Hurt auquel sa caméra s’accroche souvent, y est pour beaucoup. Sa prestation  est une des plus magistrales qu’il m’ait été donné de voir et son personnage, aux portes de la folie, un des plus bouleversants de tendresse, de détresse, d’humanité. Il va peu à peu s’enterrer, se recroqueviller au propre comme au figuré, pour aller au bout de cette détresse. Quant à Augustin Legrand, il impose une belle et forte présence sans oublier le jeune Jalil Meheni, bouleversant dans la tendresse qu’il témoigne à ce deuxième père interprété par William Hurt.

Jamais Sandrine Bonnaire ne tombe dans le pathos, toujours à hauteur de ses personnages, de leur cauchemar dans lequel elle nous enferme peu à peu, créant une tension croissante, bientôt suffocante. Elle ne juge jamais ses personnages mais les comprend, les suit pas à pas dans cette descente aux enfers.

Ce sont aussi deux appréhensions du deuil. L’un qui tait sa douleur et l’autre qui la fait exploser, descend jusqu’au plus profond de celle-ci. Deux personnages abîmés par les terribles vicissitudes de l’existence et d’autant plus humains et touchants.

Sandrine Bonnaire, si elle a certainement appris beaucoup avec tous les grands cinéastes avec lesquels elle a tournés (le prénom de Mado fait ainsi songer au film éponyme de Claude Sautet, d’ailleurs ce mélange des genres peut aussi faire penser à « Quelques jours avec moi » de ce même cinéaste, un film dans lequel Sandrine Bonnaire était d’ailleurs magistrale ; elle filme par ailleurs souvent la nuque et le dos d’Alexandra Lamy comme Claude Sautet avait coutume de le faire, notamment avec Romy Schneider), elle impose, dès son premier film, un style bien à elle, et surtout un regard et un univers, marques des grands cinéastes que d’imposer ainsi d’emblée leur style.

En plus d’être une grande comédienne, Sandrine Bonnaire s’affirme donc ici comme une grande cinéaste en devenir. Elle filme la violence de la douleur avec une rage à la fois douce et âpre, sans jamais lâcher ses personnages tout comme cette douleur absolue ne les lâche jamais. Paradoxalement, un film qui fera du bien à tous ceux qui ont connu ou connaissent la douleur ineffable, étouffante et destructrice du deuil malgré un dernier plan d’une tristesse déchirante.

Avec ce film dramatique, absolument bouleversant, entre drame familial et thriller, à la fois terriblement tendre et terriblement inquiétant, Sandrine Bonnaire met des images sur l’indicible douleur et donne à William Hurt et Alexandra Lamy leurs meilleurs rôles (un premier rôle et une nouvelle fois un beau personnage de mère qui montre toute l’étendue de l’immense talent de cette dernière, à la fois ici sensuelle et terrienne) et signe une première fiction sobre, palpitante, poignante, d’une maîtrise étonnante qui vous fera chavirer d’émotion pour ces beaux personnages enragés de douleur.

Ces trois mondes qui se rencontrent ou plutôt se confrontent sont incarnés par Al, Juliette et Véra.

« Al (Raphaël Personnaz) est un jeune homme d’origine modeste à qui tout réussit : il se marie dans huit jours avec la fille de son patron et doit prendre la tête de l’entreprise de son futur beau-père. Une nuit, après une soirée arrosée à fêter dignement tous ces projets d’avenir, il renverse un inconnu. Poussé par ses deux amis d’enfance, il abandonne le blessé et s’enfuit. De son balcon, Juliette (Clotilde Hesme) a tout vu. Hantée par l’accident, elle va aider Véra (Arta Dobroshi), la femme du blessé, à retrouver l’homme qu’elle a vu fuir. »

Dans « Partir » déjà, Catherine Corsini confrontait des mondes qui n’auraient pas dû se rencontrer, c’est cette fois le sujet au centre de ce nouveau long-métrage. Dès les premières secondes, Catherine Corsini place son film sous le signe de l’urgence et de la tension et du côté de Al. Le film oscille entre un cinéma à la Claude Sautet (mon cinéaste de prédilection, donc un compliment ) avec les scènes sous la pluie de rigueur qui rapprochent les personnages et, selon ses propres dires, de thrillers, celle-ci citant Hitchcock ou James Gray dont la principale qualité est justement de savoir mêler thriller et histoire d’amour.

Catherine Corsini ne choisit finalement ni l’une ni l’autre de ces options, ce qui laisse une impression d’inachevé (mais, après tout, à l’image de ces mondes qui n’achèveront pas la rencontre forcée et entamée). Le film n’en reste pas moins palpitant mais inégal dans les mondes qu’il relate : dommage que les personnages moldaves n’échappent pas aux clichés, elle semble ici avoir plus d’attachement pour le personnage de Al sur lequel commence et se termine le film, et tirer un constat pessimiste puisque chacun, finalement, restera dans son monde.

De cette confrontation l’un d’eux, bien que détruit, aura peut-être juste gagné en liberté. Le film est porté par ses interprètes principaux : Raphaël Personaz qui, par l’intensité de son jeu, et sa présence magnétique, me fait penser à Alain Delon ; Arta Dobroshi (inoubliable dans « Le silence de Lorna » des Dardenne) et Clothilde Hesme, écartelée entre deux mondes mais, comme toujours, très juste.

Un film que je vous recommande malgré ses criantes invraisemblances scénaristiques (Al se rend à l’hôpital auprès de celui qu’il a renversé risquant d’être démasqué; Juliette a une liaison brève avec Al qui tombe dans ses bras, sans doute réunis par la violence de ce qu’ils ont vécu, mais elle est quand même enceinte et lui sur le point de se marier; Juliette qui ne travaille pourtant pas pour les services secrets retrouve Al miraculeusement en en disposant que du numéro de sa plaque d’immatriculation)

Disons-le d’emblée, le film d’Alain Resnais est mon énorme coup de cœur de cette édition 2012 (pour l’instant) avec « A perdre la raison » de Joachim Lafosse (section Un Certain Regard) et « J’enrage de son absence » de Sandrine Bonnaire (Semaine de la Critique). Bien sûr, il est difficile d’évincer (et de comparer) avec « Amour » et « De rouille et d’os » qui m’ont également enthousiasmée mais ce film a (et a suscité) ce quelque chose en plus, cet indicible, cet inexplicable que l’on pourrait nommer coup de foudre.

Après tant de grands films, des chefs d’œuvres souvent même, Alain Resnais prouve une nouvelle fois qu’il peut réinventer encore et encore le dispositif cinématographique, nous embarquer là où on ne l’attendait pas, jouer comme un enfant avec la caméra pour nous donner à notre tour ce regard d’enfant émerveillé dont il semble ne s’être jamais départi. A bientôt 90 ans, il prouve que la jeunesse, l’inventivité, la folie bienheureuse ne sont pas questions d’âge.

Antoine, homme de théâtre, convoque après sa mort, ses amis comédiens ayant joué dans différentes versions d’Eurydice, pièce qu’il a écrite. Il a enregistré, avant de mourir, une déclaration dans laquelle il leur demande de visionner une captation des répétitions de cette pièce: une jeune troupe lui a en effet demandé l'autorisation de la monter et il a besoin de leur avis.

Dès le début, la mise en abyme s’installe. Les comédiens appelés par leurs véritables noms reçoivent un coup de fil leur annonçant la mort de leur ami metteur en scène. Première répétition avant une succession d’autres. Puis, ils se retrouvent tous dans cette demeure étrange, presque inquiétante, tel un gouffre un peu morbide où leur a donné rendez-vous Antoine.  Cela pourrait être le début d’un film policier : tous ces comédiens réunis pour découvrir une vérité. Mais la vérité qu’ils vont découvrir est toute autre. C’est celle des mots, du pouvoir et de la magie de la fiction.

Puis, se passe ce qui arrive parfois au théâtre, lorsqu’il y a ce supplément d’âme, de magie, lorsque  ce pouvoir des mots vous embarque ailleurs, vous hypnotise, vous fait oublier  la réalité, tout en vous ancrant plus que jamais dans la réalité, vous faisant ressentir les palpitations de la vie. En 1942, Alain Resnais avait ainsi assisté à une représentation d’ « Eurydice » de Jean Anouilh de laquelle il était sorti bouleversé à tel point qu’il avait fait deux fois le tour de Paris à bicyclette. C’est aussi la sensation exaltante que m’a donné ce film.

Chaque phrase prononcée, d’une manière presque onirique, magique, est d’une intensité sidérante de beauté et de force et exalte la force de l’amour. Mais surtout Alain Resnais nous livre ici un film inventif et ludique. Il joue avec les temporalités, avec le temps, avec la disposition dans l’espace (usant parfois aussi du splitscreen entre autres « artifices »). Il donne à jouer des répliques à des acteurs qui n’en ont plus l’âge. Cela ne fait qu’accroître la force des mots, du propos, leur douloureuse beauté et surtout cela met en relief le talent de ses comédiens. Rarement, je crois, j’aurais ainsi été émue et admirative devant chaque phrase prononcée quel que soit le comédien. A chaque fois, elle semble être la dernière et la seule, à la fois la première et l’ultime. Au premier rang de cette distribution (remarquable dans sa totalité), je citerai Pierre Arditi, Lambert Wilson, Anne Consigny, Sabine Azéma mais en réalité tous sont extraordinaires, aussi extraordinairement dirigés.

C’est une des plus belles déclarations d’amour au théâtre et aux acteurs, un des plus beaux hommages au cinéma qu’il m’ait été donné de voir et de ressentir. Contrairement à ce qui a pu être écrit ce n’est pas une œuvre posthume mais au contraire une mise en abyme déroutante, exaltante d’une jeunesse folle, un pied-de-nez à la mort qui, au théâtre ou au cinéma, est de toutes façons transcendée. C’est aussi la confrontation entre deux générations ou plutôt leur union par la force des mots. Ajoutez à cela la musique de Mark Snow d’une puissance émotionnelle renversante et vous obtiendrez un film inclassable et si séduisant (n’usant pourtant d’aucune ficelle pour l’être mais au contraire faisant confiance à l’intelligence du spectateur).

Ce film m’a enchantée, bouleversée, m’a rappelé pourquoi j’aimais follement le cinéma et le théâtre, et les mots. Ce film est d’ailleurs au-delà des mots auquel il rend pourtant un si bel hommage. Ce film mériterait un prix d’interprétation collectif, un prix de la mise en scène…et pourquoi pas une palme d’or ! Ces quelques mots sont bien entendu réducteurs pour vous parler de ce grand film, captivant, déroutant, envoûtant, singulier, sur lequel je reviendrai plus en détails. Malgré tout ce que je viens de vous en dire, dîtes-vous que de toutes façons, « Vous n’avez encore rien vu ». C’est bien au-delà des mots. Et espérons que nous aussi nous n’avons encore rien vu et qu’Alain Resnais continuera encore très longtemps à nous surprendre et enchanter ainsi. Magistralement.