Pour la troisième année consécutive, à Cannes, pendant le 71ème Festival  du Film aura lieu la Semaine du Cinéma Positif, cette année dédiée aux femmes.  La Semaine du Cinéma Positif se déroulera du 9 au 14 Mai  et proposera une sélection de films et documentaires positifs qui seront projetés dans la ville de Cannes ainsi que plusieurs conférences organisées pour débattre de la place de la femme dans le Cinéma et dans les medias. La Fondation Positive Planet est ainsi engagée auprès des femmes depuis 20 ans, notamment par le biais de ses programmes de Women Empowerment à travers le monde et les fonds levés durant le diner de gala qui aura lieu cette année le Lundi 14 Mai qui clôturera cette semaine dédiée à cette cause essentielle.

La Semaine du Cinéma Positif, c'est : 

1 semaine dédiée à éveiller les consciences sur le cinéma positif et les femmes avec :

7 rencontres et débats positifs

17 films projétés gratuitement et destinés au grand public

6000 spectateurs attendus

6 trophées du Cinéma Positif décernés

1 grand dîner de gala avec des Positive People

Des débats

Le 9 mai 2018, des tables rondes seront organisées sur la plage du CNC.
Des professionnels du cinéma, des représentants d’institutions et d’ONG ou encore des journalistes seront réunis pour débattre de la manière dont le cinéma peut faire évoluer les mentalités et donner envie de changer le monde.

Mardi 9 mai, sur la plage du CNC à Cannes  (plage du Gray d'albion) aura lieu une journée de débats qui présentera les sujets majeurs sur lesquels l’industrie du cinéma doit agir et se questionner sur les femmes.

Les discussions seront animées par Claire Chazal et Sandrine Treiner.

La journée se composera de 4 conférences, en présence de personnalités emblématiques du cinéma, sur les thématiques suivantes:

• Quelle est la place des femmes dans l’industrie du cinéma ?
• Existe-t-il un cinéma de femmes ?
• Image et évolution de la représentation des femmes au cinéma. qu’est-ce que le cinéma nous dit sur la femme de demain ?
• Le cinéma, lanceur d’alerte sur le statut des femmes.

En plus des talks et rencontres auront lieu :

• Juliette Binoche, être une femme au cinéma
• Agnès Varda, femme cinéaste engagée
• L’avenir des femmes au cinéma

Des Projections grand public

Dès le 10 mai 2018, des films positifs seront projetés en salle et en plein air dans des lieux emblématiques de Cannes, en présence des équipes de films. Gratuites et ouvertes à tous, les projections accueillent chaque année plus de 3000 spectateurs.

Du 10 au 12 mai, trois longs métrages et un film court seront projetés gratuitement pour les Cannois, en partenariat avec la mairie de Cannes.

Des projections organisées sur la Croisette mais aussi au-delà de la Croisette, dans des quartiers populaires de Cannes, en présence de personnalités, pour que la fête soit pour tous.

Elles seront organisées dans différents quartiers :

– Quartier de la République

– Quartier de la Bocca

– Quartier du Suquet

• DEMAIN TOUT COMMENCE (dont vous pouvez retrouver ma critique ici et  en bas de cet article)

Jeudi 10 mai à 21h

Place du Marché de la Bocca

• LE PETIT PRINCE  

Vendredi 11 mai à 21h

Parking Berthelot, Quartier République

Ce film sera précédé du court métrage :

SOAR

• LE DISCOURS D’UN ROI (dont vous pouvez retrouver ma critique ici et en bas de cet article)

Samedi 12 mai à 21h

Cours de l’Ecole Mont Chevalier, Quartier du Suquet

Ce film sera précédé du court métrage :

VIOLENCES CONJUGALES

Projections positives en salle

De nombreuses personnalités engagées sont attendues tout au long de la semaine comme Juliette Binoche qui sera présente lors de la journée de débats et du dîner de gala pour soutenir les programmes en faveur des femmes à travers le monde.  Un prix lui sera remis pour l’ensemble de sa carrière et son engagement.

Dîner de gala

Un dîner de gala clôturera cette semaine, les fonds levés seront dédiés aux programmes opérationnels de Positive Planet International en faveur des femmes.

La soirée de Gala de la fondation aura lieu le lundi 14 mai au Palm Beach à Cannes.

Cet événement de levée de fonds majeur a pour but de faire connaître les projets de la fondation qui œuvrent pour un monde meilleur. Une extraordinaire vente aux enchères, menée par Simon de Pury, se tiendra pendant la soirée, pour soutenir le développement des projets de Positive Planet. Cette année, les fonds récoltés seront dédiés à des projets d’autonomisation des femmes en Afrique et au MENA.

La soirée sera présentée par Bassem Youssef et rassemblera  ambassadeurs, partenaires,  célébrités du cinéma, de la mode, de la musique : les actrices Susan Sarandon et Jane Fonda, le top model Hana Jirickova, le président de la FIA Jean Todt…

Durant la soirée seront remis les 3èmes Positif Cinéma Awards, décernés par un Jury de professionnels du cinéma et qui récompensent le meilleur du cinéma positif mondial de l’année précédente.

Président du Jury 2018

Claude LELOUCH, Réalisateur, scénariste, producteur

Membres du jury

Michel ABOUCHALA, Président du magazine Ecran Total

Yves BIGOT, Directeur général de TV5 Monde

Christophe BARRATIER, Réalisateur

Zabou BREITMAN, Actrice, réalisatrice

Claire CHAZAL, Journaliste

Laurie CHOLEWA, Journaliste, présentatrice émission Tchi-Tcha, Canal+

Audrey FLEUROT, Actrice

Isabelle GIORDANO, Directrice générale uniFrance Films

Pierre William GLENN, Directeur de la photographie, réalisateur, président de la CST - Commission Supérieure et Technique de l’Image et du Son

Thierry KLIFA, Réalisateur, scénariste

Abd Al MALIK, Réalisateur, scénariste Marie-Castille

MENTION-SCHAAR, Réalisatrice, scénariste, productrice

Sandrine TREINER, Journaliste, directrice de France Culture Anne TALLINEAU, Directrice générale déléguée de l’Institut français

Alain TERZIAN, Producteur, président de l’Union des producteurs de films, Président de l’Académie des arts et techniques du Cinéma & des César

Jean-Noël TRONC, Directeur général de la SACEM - Société des Auteurs , Compositeurs et Editeurs de Musique

Pierre ZENI, Journaliste, rédacteur en chef & présentateur Ciné+, Canal+

Les six trophées du Cinéma Positif sont:

– Meilleure Fiction Positive

– Meilleur Documentaire Positif

– Meilleur Premier Film Positif

– Meilleur Court-métrage Positif

– Meilleure Femme Positive au Cinéma

– Le prix de la meilleure actrice sera remis à Juliette Binoche pour son rôle dans le film « Un beau soleil intérieur » de Claire Denis.

LES FILMS EN COMPETITION 2018
+ MEILLEUR LONG MÉTRAGE FICTION POSITIF
 
BATTLE OF THE SEXES de Jonathan Dayton & Valerie Faris (UK, USA)

120 BATTEMENTS PAR MINUTE de Robin Campillo (France)  (-dont vous pouvez retrouver ma critique ici et en bas de cet article-)

D’ABORD, ILS ONT TUÉ MON PÈRE (FIRST THEY KILLED MY FATHER) d’Angelina Jolie (USA, Cambodge)

DETROIT de Kathryn Bigelow (USA)

DOWNSIZING de Alexander Payne (USA)

LA BELLE ET LA MEUTE de Kaouther Ben Hania (Tunisie, France, Suède, Norvège, Liban, Qatar, Suisse)

LA FORME DE L’EAU (THE SHAPE OF WATER) de Guillermo Del Toro (USA)

LES CONQUERANTES de Petra Biondina Volpe (Suisse)

NUMERO UNE de Tonie Marshall (France)

OKJA de Bong Joon Ho (Sud-Corée, USA)

PENTAGON PAPERS de Steven Spielberg (USA)

PRENDRE LE LARGE de Gaël Morel (France)

RAZZIA de Nabil Ayouch (France)

UNE FAMILLE SYRIENNE de Philippe Van Leeuw (Belgique, France)

+ MEILLEUR LONG METRAGE DOCUMENTAIRE POSITIF
 
A L’OUEST DU JOURDAIN de Amos Gitai (Israël) 1

2 JOURS de Raymond Depardon (France)

DES REVES SANS ETOILES (ROYAHAYE DAME SOBH) de Mehrdad Oskouei (Iran)

ENSEIGNEZ A VIVRE ! – EDGAR MORIN ET L’EDUCATION INNOVANTE de Abraham Segal (France)

FEMMES DU RWANDA de Sonia Rolland (Fr.)

ICARE (ICARUS) de Bryan Fogel (USA)

LATIFA, LE CŒUR AU COMBAT de Olivier Peyron et Cyril Brody (France)

LE VENERABLE W. de Barbet Schroeder (Suisse, France)

NAPALM de Claude Lanzmann (France) SOUFRA de Thomas A. Morgan (USA)

UNE SUITE QUI DERANGE : LE TEMPS DE L’ACTION (AN INCONVENIENT SEQUEL : TRUTH TO POWER) de Al Gore (USA)

VISAGES, VILLAGES de Agnès Varda & JR (France) ( dont vous pouvez retrouver ma critique ici et en bas de cet article)

+ MEILLEUR PREMIER LONG METRAGE FICTION OU DOCUMENTAIRE POSITIF

A LA RECHERCHE DES FEMMES CHEFS de Vérane Frédiani (France)

A VOIX HAUTE - LA FORCE DE LA PAROLE de Stephane De Freitas et Ladj Ly (France)

CRASH TEST AGLAÉ de Eric Gravel (France)

FRACTURES de Harry Roselmack (France) - (retrouvez ma critique en bas de cet article)

HUMAN FLOW de Ai Weiwei (Allemagne)

IRRINTZINA de Sandra Blondel & Pascal Hennequin (France)

JUSQU’A LA GARDE de Xavier Legrand (France)

OUAGA GIRLS de Theresa Traore Dahlberg (Burkina Fasso, France, Suède)

PETIT PAYSAN de Hubert Charuel (France)

TEHERAN TABOU (film animation) de Ali Soozandeh (Allemagne, Autriche)

Programmation Spéciale Semaine du Cinéma Positif sur TV5MONDE

Pour ceux qui ne seront pas présents à Cannes, et pour la 3ème année consécutive, la chaine TV5 Monde, propose une programmation spéciale de films positifs visibles partout dans le monde sur son antenne, pendant toute la durée de la Semaine du Cinéma Positif.

PETIT PAYSAN (Fr.) (2017) 1h30 

MA VIE DE COURGETTE (Suisse, Fr.) (2016) 1h06

REPARER LES VIVANTS (France, Belgique)

Les personnalités attendues pour la 3ème édition de la Semaine du Cinéma Positif :

Juliette Binoche, Susan Sarandon, Isabelle Huppert, Claude Lelouch, Jane Fonda, Gong Li, Leila Bekhti, Agnès Varda, Zabou Breitman, Audrey Fleurot, Victoria Abril, Sonia Rolland, Thierry Klifa, Christophe Barratier, Abd Al Malik, Harry Roselmack, Marie-Castille Mention-Schaar, Alain Terzian, …

A propos de Positive Planet

Positive Planet a été créée en 1998 pour lutter contre la pauvreté en permettant aux populations les plus vulnérables de devenir autonomes et de transmettre un monde meilleur aux générations futures. La mission de Positive Planet est de fournir à chacun les moyens d’entreprendre, et de créer ainsi les conditions d’un épanouissement professionnel, culturel et social durable. Positive Planet travaille dans plus de 35 pays avec l’ONG Positive Planet International, et en France avec l’ONG Positive Planet France et son programme « Entreprendre en banlieue ». Positive Planet développe aussi, par l’intermédiaire de Positive Economy Advocacy, des programmes de promotion d’une économie « positive », c’està-dire tenant compte de l’intérêt des générations futures. Pour permettre aux plus démunis de devenir autonomes, sans avoir à dépendre de la charité afin d’assurer, dans la dignité et l’épanouissement, l’avenir de leurs enfants, la Fondation Positive Planet, présidée par Jacques Attali, lève des fonds au travers d’évènements tels que les Positive Planet Awards, la Semaine du Cinéma Positif à Cannes et des dîners de gala.
positiveplanetfoundation.org

CRITIQUES DE FILMS EN LIEN AVEC LA SEMAINE DU CINEMA POSITIF

Critique de DEMAIN TOUT COMMENCE d'Hugo Gélin (écrite suite à la projection en avant-première du film au Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule)

Dans le cadre du 3ème Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule (dont vous pourrez bientôt lire ici mon compte rendu complet) était présenté en avant-première le nouveau film d’Hugo Gélin, « Demain tout commence » que j’attendais avec d’autant plus d’impatience que j’étais tombée littéralement sous le charme de son premier film en tant que réalisateur « Comme des frères » , un road movie attachant et la comédie tendrement mélancolique de l’année 2012 qui, comme chez Claude Sautet (ceux qui me lisent régulièrement savent que c’est pour moi une référence suprême), célébrait l’amitié, qu’elle soit amoureuse ou plus fraternelle. Et vous donnait envie d’aimer furieusement la vie. Voilà d’ailleurs un des nombreux points communs entre les deux longs-métrages réalisés par Hugo Gélin.

 Il en va des films comme des personnes, rares certainement, qui d’emblée, par leur charme indéfinissable et ineffable, vous séduisent, vous emportent dans leur univers, dans un tourbillon d’émotions, vous font oublier qu’existent un ailleurs, une réalité, et auxquels vous pouvez tout pardonner. Et qui, une fois le voyage avec eux terminé, ne vous donnent qu’une envie: reprendre un ticket pour un nouveau tour de manège.  C’était le cas de "Comme des frères”. C’était aussi le cas d’un classique projeté dans le cadre du festival, « Itinéraire d’un enfant gâté » de Claude Lelouch. Et c’est le cas de ce nouveau film, un remake de la comédie mexicaine réalisée par Eugenio Derbez, « Ni repris ni échangé », tournée en 2013.  Mais dire que ce film est un remake est réducteur tant le réalisateur y apporte son style, son regard, son univers, sa sensibilité, sa bienveillance.

Samuel, incarné par Omar Sy, vit sa vie sans attaches ni responsabilités, au bord de la mer sous le soleil du sud de la France, près des gens qu’il aime et avec qui il travaille sans trop se fatiguer. Jusqu’à ce qu’une de ses anciennes conquêtes, Kristin, (Clémence Poésy) lui laisse sur les bras un bébé de quelques mois, Gloria : sa fille ! Incapable de s’occuper d’un bébé et bien décidé à rendre l’enfant à sa mère, Samuel se précipite à Londres pour tenter de la retrouver, sans succès. 8 ans plus tard, alors que Samuel et Gloria ont fait leur vie à Londres et sont devenus inséparables, la mère de Gloria revient dans leur vie pour récupérer sa fille…

Ce synopsis est là aussi un peu réducteur car il ne résume par la magie, la tendre drôlerie, et le rythme trépidant qui se dégagent des premières minutes qui vous happent, vous captivent, capturent  votre attention, pour ne plus vous lâcher jusqu’à la dernière seconde. Le film commence par une magnifique parabole de la peur et de la vie qui prend tout son sens dans les dernières minutes. Samuel nous entraîne ensuite dans son rythme de vie échevelé. Le charisme indéniable, le rire si singulier et communicatif qui emporterait le sérieux du plus acariâtre et stoïque des spectateurs, l’énergie folle déployée par Omar Sy font démarrer le film sur les chapeaux de roue. Ce qui marque aussi de prime abord, c’est l’élégance et le dynamisme de la réalisation (profondeur de champ, plans, décors, costumes et photographie travaillés avec soin) qui exacerbent le charme qui se dégage  du personnage principal et l’envoûtement quasi immédiat que le film opère sur le spectateur.

A Londres (magnifiquement filmée, le voyage auquel il nous convie participant aussi du charme du film), nouvelle ambiance et nouveau voyage pour le spectateur, transporté avec Samuel dans une autre vi(ll)e, qui passe du soleil du sud à la pluie d’outre-Manche. L’empathie, pour ce grand enfant immature et insouciant (« On ne fait pas de gosse à un autre gosse » dit-il d’ailleurs à Kristin) soudain confronté à des responsabilités d’adulte et égaré dans une ville dont il ne parle pas (et ne parlera jamais vraiment) la langue, est immédiate. A Londres, il fait la connaissance de Bernie (formidable Antoine Bertrand, acteur québécois que nous avons notamment pu voir dans « Starbuck ») qui lui aussi tombe immédiatement sous le charme et va lui venir en aide. Judicieuse ellipse. Nous retrouvons alors Samuel devenu cascadeur pour le cinéma (Bernie est producteur) dont l’appartement ressemble à un parc d’attractions dans lequel tout est fait pour que la petite Gloria soit la reine des lieux  tout comme Roberto Benigni inventait un jeu pour permettre à son fils d’affronter l’horreur indicible, pour lui faire croire à ce doux mensonge : la vie est belle (dans le film éponyme).

Avec le retour de la mère de Gloria, et une annonce que je vous laisse découvrir, le film se teinte peu à peu de couleurs plus dramatiques. Avec ces menaces qui planent, les scènes drôles et parfois aux frontières du burlesque gagnent encore en force tout comme les drames de la vie nous font savourer avec plus de vigueur et d’intensité ses moments de joie.

La petite Gloria Colston qui incarne Gloria est d’une justesse remarquable et sidérante. Son personnage possède la maturité qui fait (apparemment) défaut à son père, et un charme aussi indéniable que ce dernier. Après Pierre Niney dans « Comme des frères » (ce dernier avait certes auparavant tourné dans le magnifique « J’aime regarder les filles » de Frédéric Louf mais c’est « Comme des frères » qui l’a fait connaître auprès du grand public, il ne serait d’ailleurs pas étonnant de le retrouver face à Omar Sy lors des prochains César, tant il le mérite à nouveau pour son rôle dans « Frantz » de François Ozon), Hugo Gélin est décidément aussi un remarquable découvreur et directeur d’acteurs. Chaque réplique est ciselée, sonne et touche juste.

Ce film comme le précédent possède la beauté troublante et le charme renversant de ces êtres qui portent un masque d’insouciance pour dissimuler leurs fêlures et les blessures de l’existence, et qui n’en sont que plus touchants. Pour incarner ce masque de pudeur et de bienveillance, ce père qui aime sa fille inconditionnellement, il fallait un acteur exceptionnel et d’une sensibilité rare.  Omar Sy, après « Samba » et « Chocolat » (pour lequel il mérite aussi à mon  sens une nomination aux César, tant il y est remarquable) prouve la large palette de son talent et qu’il est un des acteurs les plus brillants de sa génération et surtout qu’il n’a pas fini de nous émouvoir et de nous surprendre.  Clémence Poésy  apporte de l’humanité à son personnage, si fragile, et qu’il n’était pas facile de défendre.

Et comme dans les meilleures comédies anglaises avec lesquelles « Demain tout commence » peut rivaliser sans rougir, la BO contribue à cette magie. Nous la devons ici au compositeur américain Rob Simonsen  notamment auteur des BO de « 500 jours ensemble », « Foxcatcher », « The Spectacular Now » ou plus récemment de « Nerve ». Comme ses consœurs comédies dramatiques britanniques, je gage d’ailleurs que « Demain tout commence » fera rapidement partie de ces films jubilatoires et insidieusement mélancoliques que l’on ne peut s’empêcher de revoir chaque année, a fortiori au cœur de l’hiver.

Avec « Comme des frères », le deuxième long-métrage d’Hugo Gélin en tant que réalisateur possède aussi en commun des personnages attachants,  une vitalité,  un montage et un scénario habiles et malins (qui multiplie les rebondissements qui toujours nous cueillent, tant pis pour les rabat-joie  que leur récurrence laissera de marbre), et sont finalement aussi l’un et l’autre de splendides métaphores du cinéma et des mensonges nécessaires qu’il nous raconte pour que la vie soit  moins âpre. Souvent, j’ai envie de dire aux frileux et timorés qui se laissent bercer par la vie, cette ensorceleuse, qui se laissent endormir même, à ceux qui ne mesurent pas à quel point elle peut être fourbe, imprévisible, brève, à quel point le simple fait d’être là avec ceux qui la partagent, est une chance inouïe, qu’il faut en saisir, enchanter, sublimer chaque seconde, et donner plus d’intensité à chacun de nos battements de cœur. Ce film en est l’éclatante et irréfutable démonstration.

Alors prenez votre ticket pour ce tour de manège sans temps mort, cette magnifique histoire d’amour paternel, cet hymne à la vie et aux liens du cœur qui parfois priment sur ceux du sang, ce délicieux mensonge qui, lorsqu’il s’achèvera et délivrera ses derniers secrets, vous laissera KO, de gratitude, d’émotion, dont vous réaliserez que chaque seconde vous a rappelé à quel point la vie est belle. Malgré tout. Malgré les vicissitudes du destin. Un film qui bouleversera a fortiori ceux qui portent les cicatrices des blessures de la vie. J’en suis d’ailleurs sortie bouleversée. Littéralement. Chavirée d’émotions. Comme rarement. Mais aussi avec l’idée revigorante que « demain tout commence », le très beau titre inspiré d'une phrase de Bachelard que la grand-mère du cinéaste avait coutume de répéter. Et quel plus bel hommage à celle-ci et à cette phrase que ce film généreux, lumineux, tendre, drôle, au charme décidément irrésistible, à l’image de son duo d’acteurs principaux ! Sans aucun doute un des meilleurs films de l’année qui vous rappelle que la vie est le plus beau des risques et qui, croyez-moi, vous procurera une envie irrépressible d’empoigner et d’étreindre l’existence et ceux que vous aimez. Intensément. Follement. La magie du cinéma dans toute sa splendeur. Alors n’oubliez pas : demain, tout commence…

Critique LE DISCOURS D'UN ROI de Tom Hooper

 

Le roi en question, c’est George VI (Colin Firth), à la fois fragile et colérique, qui n’avait d’ailleurs pas vocation à le devenir puisque c’est sont frère Edouard VIII (Guy Pierce) qui était destiné au trône à la mort de leur père.  Seulement Edouard VIII préféra abdiquer pour vivre son amour avec une femme, Wallis Simpson, à la réputation légère (du moins pour un monarque) car notamment divorcée deux fois, histoire à laquelle est d’ailleurs consacré le prochain film de Madonna W.E, dont la rumeur court qu’il pourrait être présenté dans le cadre du prochain Festival de Cannes. George VI que toute la famille royale appelle « Bertie » va donc devoir surmonter son handicap, un bégaiement qui l’empêche de s’exprimer en public. Pour cela, il pourra compter sur le soutien indéfectible de sa femme (Helena Bonham Carter) et sur l’aide d’un thérapeute du langage aux méthodes peu orthodoxes, Lionel Rogue (Geoffrey Rush). Alors qu’il mène cette guerre contre lui-même, une autre guerre beaucoup moins intime se fait de plus en plus menaçante…

A priori, cela s’annonçait donc comme un énième biopic avec reconstitution historique spectaculaire de rigueur et c’est sans doute d’abord le choix de prendre le contrepied de ce à quoi nous aurions pu nous attendre qui fait de ce film une grande réussite. Tom Hooper et son scénariste David Seidler ont ainsi fait le judicieux choix de l’intime, de l’histoire sans nier son implication sur l’Histoire mais vue telle que la voyait George VI, relativement lointaine. Le monde extérieur et ses rumeurs sont étouffés par l’atmosphère ouatée et non moins redoutable des allées du pouvoir.

Plutôt que de  filmer George VI comme un personnage historique distant, Tom Hooper le filme à portée d’homme avec ses angoisses et ses faiblesses. Il n’apparait alors pas comme le puissant lointain (éloigné de nous historiquement et humainement) mais comme un homme qui doit affronter ses faiblesses en lequel chacun peut se reconnaître. La caméra de Tom Hooper le suit au plus près de son visage, de ses doutes, de son angoisse qui s’amorce. Le jeu en nuances de Colin Firth et la caméra sensible de Tom Hooper qui l’enferme ans son cadre, (il est tantôt filmé à gauche ou à droite, à son image, en marge) comme il l’est dans son handicap, nous donne la sensation asphyxiante d’éprouver nous aussi son angoisse si bien que notre souffle est  suspendu à ses lèvres hésitantes. La maîtrise du langage devient alors le véritable enjeu du suspense du film, haletant comme un thriller. Arrivera-t-il à prononcer ce fameux discours qui fera entrer le Royaume-Uni dans la guerre contre l’Allemagne nazie ?

 Un sujet qui n’a rien d’anachronique et qui est même particulièrement actuel à une époque (la nôtre)  où le contenant, la forme, la communication priment sur le contenu et le message, où celui ou celle qui recevra le plus de suffrages ne sera pas forcément le ou la plus apte à gouverner mais le ou la plus apte à délivrer son message et à maîtriser la communication et le langage. Un ancien premier ministre français au phrasé si particulier en a ainsi souvent fait les frais revendiquant et regrettant lui-même que son message qu’il ne veut pas lapidaire, expéditif, ou résumable à un slogan ne puisse être développé dans des médias toujours plus avides d’images chocs que de pensées profondes. Un peu la génération twitter aussi qui recherche le choc de la formule et qui pousse souvent à l’exagération, quitte à piétiner quelques personnes voire la réalité au passage. Plutôt que le pouvoir des mots, c’est donc celui de la communication que doit donc maîtriser le monarque. Un pouvoir qu’il était d’autant plus urgent de détenir quand un dictateur outre-Rhin en faisait un des instruments de sa propagande et l’utilisait pour haranguer, galvaniser et endormir les foules.  

Sans tomber dans la psychologie de comptoir, le scénario montre habilement et par petites touches comment le poids de l’enfance et de l’Histoire (son père, ceux qui l’ont précédé, tous ceux dont les regards pèsent sur lui) sont responsables de son handicap. Mais, au-delà du combat personnel, c’est aussi une très belle histoire d’amitié entre deux hommes à la fois très différents et en quête de reconnaissance. Rogue demande constamment à être sur un pied d’égalité avec George VI, lui qui toujours à été à distance : du peuple, des autres, des mots. Prendre la parole c’est prendre sa place et exister. Le langage, dans le titre même, a d’ailleurs toute son importance : il ne s’agit pas du discours du roi mais d’un roi, qui n’a pas encore son identité propre, écrasé  par le poids de l’Histoire et  de ses prédécesseurs.

La richesse des dialogues saupoudrés d’un humour so british participe amplement de la réussite du film. Il est vrai que le langage d’un film dont le sujet est justement le langage se devait d’être exemplaire mais ce n’était pas pour autant gagné d’avance.

Enfin, le grand atout du film ce sont ses acteurs principaux : Colin Firth (absolument remarquable, ne forçant pas trop le trait comme c’est souvent le cas dans ces rôles à Oscars mais reflétant le bégaiement essentiellement par l’angoisse qu’il générait , Colin Firth d’ailleurs qui interprétait déjà pour moi un des meilleurs rôles de 2010  dans le très beau « A single man » de Tom Ford pour lequel il était déjà nommé à l’Oscar du meilleur acteur), Geoffrey Rush( impeccable en médecin peu conventionnel et malicieux ) et Helena Bonham Carter ( parfaite en future reine, à la fois cinglante et épouse aimante. )

Si « Le discours d’un roi » n’est pas un film exceptionnel,  c’est un beau film en raison du degré de raffinement de chacun des éléments qui le constituent (musique –du Français Alexandre Desplat, d’ailleurs très belle mais parfois un peu trop présente pour un film sur le langage même si elle en est une autre forme-, scénario, interprétation, mise en scène), un film à résonance universelle autant de par le combat qu’il met en scène (un homme, fut-il roi, qui surpasse ses faiblesses et ses peurs) que de par le langage qu’il emploie et dont il souligne le poids historique.

FRACTURES de Harry Roselmack (quelques mots sur le film écrits lors de sa projection en compétition dans le cadre du Festival du Cinéma et Musique de Film de La Baule)

Fariha une escort-girl (Alexandra Naoum) et Youssouf (Benoit Rabille) converti à l’islam radical, sont deux français, à la vision du monde opposée. Ils se rendent à une même Soirée sur un yacht...

L’autre objet filmique non identifié de ce festival (également reparti sans prix) fut  Fractures  la première réalisation du journaliste Harry Roselmack qui a là aussi le mérite de l’audace. S’il avait déjà produit des documentaires, ce film est en revanche sa première réalisation. Pour son premier long-métrage qu’il a écrit, réalisé et coproduit, indéniablement le journaliste n’a pas choisi la facilité. Saluons d’abord la volonté et l'engagement de son réalisateur pour mener à bien ce projet périlleux. Je vous le disais antérieurement, c'était le point commun des films de cette compétition : la confrontation de mondes qui n’étaient pas destinés à se rencontrer.  Là encore le hasard met en présence  deux mondes  que tout oppose a priori : celui d’une prostituée et d’un terroriste potentiel. Deux égarés. Roselmack n’a pas choisi le réalisme mais la fable pour opposer deux réalités, pour évoquer la radicalisation et le communautarisme, les fractures de la société. Cette volonté de scruter, ausculter, décrypter, sans la juger la société française lui a été inspirée par ses rencontres, lors de ses différentes enquêtes journalistiques. Les personnages sont ici des archétypes qu’il a rencontrés et qu’il assume d’avoir mis en scène. Ce qui donne d’ailleurs toute sa force à la joute verbale centrale du film qui pourrait avoir lieu dans un tribunal. Le film n’est pas dénué de partis pris de réalisation (que je vous laisse découvrir, très originale utilisation du hors-champ) qui captent notre attention, décontenancent, suscitent la curiosité, bousculent de potentiels préjugés et font la richesse de cette première œuvre qui ose aborder un sujet sensible avec un point de vue et un regard. Là aussi les genres se mêlent : film noir...et même comédie romantique par le biais des personnages secondaires joliment écrits et interprétés notamment par Alix Bénézech qui apporte une belle candeur à son personnage (à retrouver bientôt dans Mission impossible). Quant à Alexandra Naoum et Benoit Rabille, ils crèvent littéralement l'écran et apportent toutes les nuances nécessaires à leurs personnages fiévreux pourtant pétris de certitudes que leur rencontre fera voler en éclats. Même s'il s'agit d'un véritable exercice d'équilibriste, Harry Roselmack parvient sans justifier l'innommable, à une tentative d'explication es racines du "mal". L'exercice périlleux, conduit toujours au bord du gouffre mais évite tous les écueils grâce à des dialogues minutieusement élaborés dans lesquels chaque mot compte et grâce à des comédiens remarquables qui les exaltent avec fougue et conviction.

Critique de 120 BATTEMENTS PAR MINUTE de Robin Campillo 

Cette critique est extraite de mon compte rendu du Festival de Cannes 2017 à retrouver ici. "120 battements par minute" a également obtenu le prix du public du Festival du Film de Cabourg 2017 dont vous pouvez retrouver mon bilan, là.

C’est le film qui avait bouleversé les festivaliers au début de la 70ème édition du Festival de Cannes  et qui méritait amplement son Grand Prix. C’est d’ailleurs avec beaucoup d’émotion que Pedro Almodovar l’avait évoqué lors de la conférence de presse du jury du festival. On sentait d’ailleurs poindre un regret lorsqu’il a déclaré : « J'ai adoré 120 battements par minute. Je ne peux pas être plus touché par un  film. C'est un jury démocratique. Et je suis 1/9ème seulement. » Il avait également déclaré :   « Campillo raconte l'histoire de héros qui ont sauvé de nombreuses vies. Nous avons pris conscience de cela. »

Début des années 90. Alors que le sida tue depuis près de dix ans, les militants d'Act Up-Paris multiplient les actions pour lutter contre l'indifférence générale. Nouveau venu dans le groupe, Nathan (Arnaud Valois) va être bouleversé par la radicalité de Sean (Nahuel Perez Biscayart) qui consume ses dernières forces dans l’action. Sean est un des premiers militants d' Act Up. Atteint du VIH, il est membre de la commission prisons.  Au film politique va s’ajouter ensuite le récit de son histoire avec Nathan, nouveau militant, séronégatif.

Le film s’attache en effet à nous raconter à la fois la grande Histoire et celle de ces deux personnages. Celle d’Act Up se heurtant aux groupes pharmaceutiques, essayant d’alerter  l’opinion publique et le gouvernement insensible à sa cause. Celle de l’histoire d’amour entre Sean et Nathan. Deux manières de combattre la mort. La première est racontée avec une précision documentaire. La seconde est esquissée comme un tableau avec de judicieuses ellipses. L’une domine tout le début du film avant que la seconde ne prenne une place grandissante, le film se focalisant de plus en plus sur l’intime même si le combat est toujours présent, en arrière-plan.

La durée du film (2H10) devient alors un véritable atout nous permettant de nous immerger pleinement dans leur action et de faire exister chaque personnage, de nous les rendre attachants, de nous permettre d'appréhender la violence apparente de leurs actions qui deviennent alors simplement  à nos yeux des appels au secours, des cris de colère, si compréhensibles. Parce qu’il n’y a pas d’autre solution face à l’indifférence et l’inertie. Parce que le temps court et leur manque. La caméra s’attache et s’attarde à filmer les visages et les corps, vivants, amoureux, mais aussi les particules qui les détruisent inéluctablement. Deux réalités qui s’opposent. Une course contre la montre. Contre la mort.

Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois et Antoine Reinartz sont impressionnants de force, d’intensité, de justesse, de combattivité. Ils rendent leurs personnages furieusement vivants et Adèle Haenel impose sa colère avec force, totalement imprégnée de son rôle.

Campillo démontre ici une nouvelle fois son talent de scénariste (il fut notamment celui d’ « Entre les murs », palme d’or 2008 mais aussi  notamment des autres films de Laurent Cantet), dosant brillamment l’intime et le collectif, l’histoire d’amour et le combat politique et parvenant à faire de chacun des débats, parfois virulents,  des moments passionnants, témoignant toujours de ce sentiment d’urgence.  Certains ont reproché au film d’être trop long ou bavard mais aucun de ces échanges n’est vain ou gratuit. Ils sont toujours vifs et incisifs, enragés de l’urgence dictée par la maladie et la mort qui rôde. Ne pas s’arrêter, ne pas se taire pour ne pas mourir.

La dernière partie du film, poignante, ne tombe pourtant jamais dans le pathos ni dans la facilité. Campillo raconte avec minutie et pudeur les derniers sursauts de vie, puis la mort et le deuil, leur triviale absurdité. « Mince » réagit une mère à la mort  de son enfant. Et c’est plus bouleversant que si elle s’était écroulée, éplorée.

 En immortalisant ces combats personnels et ce combat collectif, Campillo a réalisé un film universel, transpirant la fougue et la vie dont chaque dialogue, chaque seconde, chaque plan palpitent d'une urgence absolue. A l’image de la réalisation, effrénée, nerveuse,  d’une énergie folle qui ne nous laisse pas le temps de respirer. Avec sa musique exaltant la vie. Ses images fortes aussi comme ces corps allongés sur le sol de Paris symbolisant les défunts, des corps que la caméra surplombe, tourbillonnant autour comme si elle filmait un ballet funèbre. Sa poésie aussi. Un film jalonné de moments de grâce et d’images fortes qui nous laissent une trace indélébile. Lorsque la Seine devient rouge. Lorsque Sean évoque le ciel et la vie, plus prégnante avec la maladie, et que Paris défile, insolemment belle et mélancolique, derrière la vitre, irradiée de soleil.

Un film qui rend magnifiquement hommage à ces combattants, à leur ténacité. Lorsque, finalement, le désir de vie l’emporte, avec ces battements musicaux et cardiaques, qui s’enlacent et se confondent dans un tourbillon sonore et de lumières stroboscopiques, qui exaltent la force de l’instant, et nous accompagnent bien après le générique de film, Campillo nous donne envie d’étreindre furieusement le moment présent. Un grand film.

Critique de VISAGES VILLAGES d'Agnès Varda

Que de poésie dans ce film, révélateur de la profondeur, la noblesse, la beauté et la vérité des êtres ! Présenté hors-compétition du dernier Festival de Cannes où il a reçu le prix L’œil d’or du meilleur documentaire, il est coréalisé par Agnès Varda et JR.

Agnès Varda et JR ont des points communs : passion et questionnement sur les images en général et plus précisément sur les lieux et les dispositifs pour les montrer, les partager, les exposer. Agnès a choisi le cinéma. JR a choisi de créer des galeries de photographies en plein air. Quand Agnès et JR se sont rencontrés en 2015, ils ont aussitôt eu envie de travailler ensemble, tourner un film en France, loin des villes, en voyage avec le camion photographique (et magique) de JR. Hasard des rencontres ou projets préparés, ils sont allés vers les autres, les ont écoutés, photographiés et parfois affichés. Le film raconte aussi l’histoire de leur amitié qui a grandi au cours du tournage, entre surprises et taquineries, en se riant des différences.

Dès le générique, le spectateur est saisi par la délicatesse et la poésie. Poésie ludique des images. Et des mots, aussi : « tu sais bien que j’ai mal aux escaliers » dit Agnès Varda lorsqu’elle peine à rejoindre JR, « Les poissons sont contents, maintenant ils mènent la vie de château» à propos de photos de poissons que l'équipe de JR a collées sur un château d’eau.

« Le hasard a toujours été le meilleur de mes assistants », a ainsi déclaré Agnès Varda et en effet, de chacune de ces rencontres surgissent des instants magiques, de profonde humanité. Sur chacun des clichés, dans chacun de leurs échanges avec ces « visages » affleurent les regrets et la noblesse de leurs détenteurs.

En parallèle de ces explorations des visages et des villages, se développe l’amitié entre ces deux humanistes qui tous deux ont à cœur de montrer la grandeur d’âme de ceux que certains appellent avec condescendance les petites gens (terme qui m’horripile), de la révéler (au sens photographique et pas seulement).

En les immortalisant, en reflétant la vérité des visages que ce soit celui de la dernière habitante de sa rue, dans un coron du Nord voué à la destruction en collant sa photo sur sa maison, à ces employés d'un site chimique,  ils en révèlent la beauté simple et fulgurante. Et nous bouleversent. Comme cet homme à la veille de sa retraite  qui leur dit avoir « l’impression d’arriver au bout d’une falaise et que ce soir je vais sauter dans le vide ». Et dans cette phrase et dans son regard un avenir effrayant et vertigineux semble passer.

Le photographe de 33 ans et la réalisatrice de « 88 printemps » forment un duo singulier, attachant, complice et attendrissant. Le grand trentenaire aux lunettes noires (qu’Agnès Varda s’évertuera pendant tout le film à lui faire enlever) et la petite octogénaire au casque gris et roux. Deux silhouettes de dessin animé. Les mettre l’un avec l’autre est déjà un moment de cinéma. Tous deux se dévoilent aussi au fil des minutes et des kilomètres de ce road movie inclassable. Et ces visages dont les portraits se dessinent sont aussi, bien sûr, les leur. Ce voyage est aussi leur parcours initiatique. Celui d’un JR gentiment taquin, empathique, et d’une Agnès Varda tout aussi à l’écoute des autres, tantôt malicieuse et légère (impayable notamment quand elle chante avec la radio) tantôt grave et nous serrant le cœur lorsqu’elle dit « la mort j’ai envie d’y être parce que ce sera fini ».

Ce récit plein de vie et fantaisie est aussi jalonné par l’évocation tout en pudeur de ceux qui ne sont plus, du temps qui efface tout (parce que photographier les visages c’est faire en sorte qu’ils « ne tombent pas dans les trous de la mémoire ») comme la mer qui engloutit ce portrait de cet ami d’Agnès Varda qui avait pourtant été soigneusement choisi pour être collé sur un bunker en bord de mer. Et la nostalgie et la mélancolie gagnent peu à peu du terrain jusqu’à la fin. Jusqu’à cette « rencontre » avec le « redoutable » Jean-Luc Godard qui donne lieu à un grand moment de cinéma poignant et terriblement cruel. Jusqu’au lac où la vérité et le regard sont, enfin, à nu. Et le nôtre embué de larmes.

Ajoutez à cela la musique de M. Et vous obtiendrez une ode au « pouvoir de l’imagination », un petit bijou de délicatesse et de bienveillance. Un pied de nez au cynisme. Passionnant. Poétique. Surprenant. Ensorcelant. Emouvant. Rare. A voir absolument.