L’intérêt du Festival de Cannes ne réside pas uniquement dans la compétition officielle mais aussi dans ses sélections parallèles.  Je vous parlais récemment de la Semaine de la Critique qui n’est cependant pas la seule à se dérouler en parallèle de la compétition officielle. En 1968, la France était en ébullition…le Festival de Cannes, miroir et reflet du monde, aussi. Le Festival fut même interrompu notamment à l’initiative de Godard et Truffaut. C’est aussi cette année-là que fut initiée une autre section parallèle, la Quinzaine des Réalisateurs, créée par la Société des Réalisateurs de Films. (SRF). Son but initial était de donner la place aux films de toutes origines, sans compétition, ni censure, « étrangère à toute considération diplomatique, vitrine de tous les cinémas du monde » car comme le disait Pierre Kast « Les films naissent libres et égaux en droit ». Eux aussi. La 39ème édition de la Quinzaine des Réalisateurs aura lieu du 17 au 27 Mai 2007. Pour mieux présenter cette section je vous propose  trois films présentés dans ce cadre: deux en 2005, « Keane » et « La Moustache » d’Emmanuel Carrère, et un en 2006: "Ca brûle" de Claire Simon.

Lien: Site officiel de la Quinzaine des Réalisateurs

La Moustache d'Emmanuel Carrère- Quinzaine des Réalisateurs 2005

« La moustache », premier long métrage d’Emmanuel Carrère et adaptation de son roman fait partie de ces films cauchemardesques pendant lesquels vous regardez votre montre non pas parce-que vous aimeriez qu’il se termine mais au contraire parce-que même cauchemardesque l’univers dans lequel il vous plonge vous fascine, vous déroute tellement que vous aimeriez prolonger votre immersion. E. Carrère signe un film oppressant dans lequel on se sent immédiatement impliqué, en empathie avec son personnage principal auquel nous nous identifions immédiatement…même sans moustache car c’est davantage du regard des autres et de dépendance à celui-ci, et de perte d’identité que de moustache qu’il est question ici. La moustache, élément du paraître symbolise ici l’être, celui auquel nous sommes tellement habitués que nous ne le voyons , ne l’interrogeons plus. On ne ressort pas indemnes de cette dérive magistralement effroyable…car nous dérivons avec le protagoniste tant la réalisation et le cadre nous enferment avec lui aux frontières de la folie et du fantastique. En présentant le film avant sa projection Vincent Lindon l’a annoncé, c’est celui dont il est le plus fier et dans lequel il a enfin été filmé comme il avait toujours rêvé de l’être, ce à quoi nous ne pouvons qu’adhérer tant ce rôle dans lequel il excelle semble avoir été écrit pour lui....

Keane de Lodge Kerrigan-Quinzaine des Réalisateurs 2005

Avec Keane de Lodge Kerrigan, produit par Steven Soderbergh, c’est un autre univers dans lequel nous nous trouvons immergés, par lequel nous sommes inexorablement saisis. Le regard de Keane semble accroché au nôtre, à la caméra,  et semble s’en emparer comme d’une bouée de sauvetage, et ne plus pouvoir s’en détacher, ou bien l’inverse nous sentant les témoins impuissants de sa douleur indicible. William (Damian Lexis) est un père qui tente d’accepter l’inacceptable, la disparition de son enfant de six ans, six mois plus tôt, à New York. Il se retrouve face à ses démons, ses remords, ses angoisses, la vacuité de son existence. La caméra à l’épaule de Lodge Kerigan ne le quitte pas une seconde, la tension (et l’attention) est constante. Elle cherche et vacille avec lui, égaré dans New York, indifférente à sa détresse. A tout moment il menace de sombrer dans l’inéluctable, l’irréversible. Puis, il se lie d’amitié avec une mère célibataire et sa petite fille. Son regard hagard, désoeuvré y trouve un réconfort, un miroir rassurant, ou un exutoire, on ne sait pas trop. Kerrigan ne veut pas que l’on sache. Le doute plane constamment, son regard devient le nôtre, nous épousons son point de vue, entraînés dans son malaise incessant , avec lui au bord du gouffre, suffoquant, implorant, soliloquant. Qu’importe la réalité. Peu importe qu’il s’agisse de la folie simplement ou de la folie  du désarroi,  c’est un film criant de vérité, vociférant sa vérité, sa douleur inextinguible. Une errance bouleversante,  brillamment portée par Damian Lewis.

ça brûle de Claire Simon-Quinzaine des Réalisateurs 2006

- Livia est une jeune fille de 15 ans. Elle passe son temps à faire du cheval jusqu’au jour où elle chute et se relève grâce à l’aide de Jean (Gilbert Melki), un pompier beaucoup plus âgé qu’elle dont elle tombe amoureuse. Elle entreprend tout ce qu’elle peut pour séduire cet homme pour qui elle éprouve une brûlante et irrépressible passion. Son amour la dévore et la conduit sur les pentes abruptes de l’exaltation jusqu’à l’irréparable. C’est le début des vacances et d’un été éternel…Un été meurtrier incandescent rythmé par le bruit strident des sirènes. Le désastre auquel va aboutir le film et que je vous laisse découvrir est un moyen d’exprimer cette passion qui la ronge et qui transpire du début à la fin du film. Le feu va être le théâtre d’une bataille sanglante entre son désir et le monde. Film mystérieux, poétique, onirique qui s’achève comme dans un rêve par un brouillard presque abstrait. Projeté à la Quinzaine ce film a été, à juste titre, ovationné.

Sandra.M

Cliquez ici pour accéder à mon article exclusif consacré au "Guépard" de Visconti( vidéos exclusives, critique du film, photos du film...) à l'occasion de sa sortie en version restaurée en DVD /Blu-ray le 1er décembre 2010.

En 1860, en Sicile, tandis que Garibaldi et ses chemises rouges débarquent pour renverser la monarchie des Bourbons de Naples et l’ancien régime, le prince Don Fabrizio Salina (Burt Lancaster) ainsi que sa famille et son confesseur le Père Pirrone (Romolo Valli), quitte ses domaines pour son palais urbain de Donnafigata, tandis que son neveu Tancrède rejoint les troupes de Garibaldi. Tancrède s’éprend d’Angelica, (Claudia Cardinale), la fille du riche maire libéral  de Donnafugata : Don Calogero. Le Prince Salina s’arrange pour qu’ils puissent se marier. Après l’annexion de la Sicile au royaume d’Italie, Tancrède qui s’était engagé aux côtés des Garibaldiens les abandonne pour rejoindre l’armée régulière…

Les premiers plans nous montrent une allée qui mène à une demeure, belle et triste à la fois. Les allées du pouvoir. Un pouvoir beau et triste, lui aussi. Triste car sur le déclin, celui de l’aristocratie que symbolise le Prince Salina. Beau car fascinant comme l’est le prince Salina et l’aristocratie digne qu’il représente. Ce plan fait écho à celui de la fin : le prince Salina avance seul, de dos, dans des ruelles sombres et menaçantes puis il s’y engouffre comme s’il entrait dans son propre tombeau. Ces deux plans pourraient résumer l’histoire, l’Histoire, celles d’un monde qui se meurt. Les plans suivants nous emmènent à l’intérieur du domaine, nous offrant une vision spectrale et non moins sublime de cette famille. Seuls des rideaux blancs dans lesquels le vent s’engouffre apportent une respiration, une clarté dans cet univers somptueusement sombre. Ce vent de nouveauté annonce l’arrivée de Tancrède, Tancrède qui apparaît dans le miroir dans lequel Salina se mire.  Son nouveau visage. Le nouveau visage du pouvoir. Le film est à peine commencé et déjà son image est vouée à disparaître. Déjà la fin est annoncée. Le renouveau aussi.

Fidèle adaptation d’un roman écrit en 1957 par Tomasi di Lampedusa, Le Guépard témoigne d’une époque représentée par cette famille aristocrate pendant le Risorgimento, « Résurrection » qui désigne le mouvement nationaliste idéologique et politique qui aboutit à la formation de l’unité nationale entre 1859 et 1870. Le Guépard est avant tout l’histoire du déclin de l’aristocratie et de l’avènement de la bourgeoisie, sous le regard et la présence félins, impétueux, dominateurs du Guépard, le prince Salina. Face à lui, Tancrède est un être audacieux, vorace, cynique, l’image de cette nouvelle ère qui s’annonce.

La scène du fastueux bal qui occupe un tiers du film est aussi la plus célèbre, la plus significative, la plus fascinante. Elle marque d'abord par sa magnificence et sa somptuosité :  somptuosité des décors, soin du détail du Maestro Visconti qui tourna cette scène en huit nuits parmi 300 figurants. Magnificence du couple formé par Tancrède et Angelica, impériale et rayonnante dans sa robe blanche. Rayonnement du couple qu’elle forme en dansant avec Salina, aussi.  La fin du monde de Salina est proche mais le temps de cette valse, dans ce décor somptueux, le temps se fige. Ils nous font penser à cette réplique de Salina à propos de la Sicile : "cette ombre venait de cette lumière". Tancrède regarde avec admiration, jalousie presque, ce couple qui représente pourtant la déchéance de l’aristocratie et l’avènement de la bourgeoisie. Un suicide de l'aristocratie même puisque c’est Salina qui scelle l’union de Tancrède et Angelica, la fille du maire libéral, un mariage d’amour mais aussi et avant tout de raison entre deux univers, entre l'aristocratie et la bourgeoisie. Ces deux mondes se rencontrent et s’épousent donc aussi le temps de la valse d’Angelica et Salina. Là, dans le tumulte des passions, un monde disparaît et un autre naît. Ce bal est donc aussi remarquable par ce qu’il symbolise : Tancrède, autrefois révolutionnaire, se rallie à la prudence des nouveaux bourgeois tandis que Salina, est dans une pièce à côté, face à sa solitude, songeur,  devant un tableau de Greuze, la Mort du juste, faisant « la cour à la mort » comme lui dira ensuite magnifiquement Tancrède.

Angelica, Tancrède et Salina se retrouvent ensuite dans cette même pièce face à ce tableau morbide alors qu’à côté se fait entendre la musique joyeuse et presque insultante du bal. L’aristocratie vit ses derniers feux mais déjà la fête bat son plein. Devant les regards attristés et admiratifs de Tancrède et Angelica, Salina s’interroge sur sa propre mort. Cette scène est pour moi une des plus intenses de ce film qui en comptent pourtant tant qui pourraient rivaliser avec elle. Les regards lourds de signification qui s’échangent entre eux trois, la sueur qui perle sur les trois visages, ce mouchoir qu’ils s’échangent pour s’éponger en font une scène d’une profonde cruauté et sensualité où entre deux regards et deux silences, devant ce tableau terriblement prémonitoire de la mort d’un monde et d’un homme, illuminé par deux bougies que Salina a lui-même allumées comme s’il admirait, appelait, attendait sa propre mort, devant ces deux êtres resplendissants de jeunesse, de gaieté, de vigueur, devant Salina las mais toujours aussi majestueux, plus que jamais peut-être, rien n’est dit et tout est compris.

 Les décors minutieusement reconstitués d’ une beauté visuelle sidérante, la sublime photo de Giuseppe Rotunno, font de ce Guépard une véritable fresque tragique, une composition sur la décomposition d’un monde, dont chaque plan se regarde comme un tableau, un film mythique à la réputation duquel ses voluptueux plans séquences (notamment la scène du dîner pendant laquelle résonne le rire interminable et strident d’Angelica comme une insulte à l’aristocratie décadente, au cour duquel se superposent des propos, parfois à peine audibles, faussement anodins, d’autres vulgaires, une scène autour de laquelle la caméra virevolte avec virtuosité, qui, comme celle du bal, symbolise la fin d’une époque), son admirable travail sur le son donc, son travail sur les couleurs (la séquence dans l’Eglise où les personnages sont auréolés d’une significative lumière grise et poussiéreuse ) ses personnages stendhaliens, ses seconds rôles judicieusement choisis (notamment Serge Reggiani en chasseur et organiste), le charisme de ses trois interprètes principaux, la noblesse féline de Burt Lancaster, la majesté du couple Delon-Cardinale, la volubilité, la gaieté et le cynisme de Tancrède formidablement interprété par Alain Delon, la grâce de Claudia Cardinale, la musique lyrique, mélancolique et ensorcelante de Nino Rota ont également contribué à faire de cette fresque romantique, engagée, moderne, un chef d’œuvre du septième Art. Le Guépard a ainsi obtenu la Palme d’or 1963… à l’unanimité.

 La lenteur envoûtante dont est empreinte le film métaphorise la déliquescence du monde qu’il dépeint. Certains assimileront à de l’ennui ce qui est au contraire une magistrale immersion  dont on peinera ensuite à émerger hypnotisés par l’âpreté lumineuse de la campagne sicilienne, par l’écho du pesant silence, par la beauté et la splendeur stupéfiantes de chaque plan. Par cette symphonie visuelle cruelle, nostalgique et sensuelle l’admirateur de Proust qu’était Visconti nous invite à l’introspection et à la recherche du temps perdu.

La personnalité du Prince Salina devait beaucoup à celle de Visconti, lui aussi aristocrate, qui songea même à l’interpréter lui-même, lui que cette aristocratie révulsait et fascinait à la fois et qui, comme Salina, aurait pu dire : « Nous étions les Guépards, les lions, ceux qui les remplaceront seront les chacals, les hyènes, et tous, tant que nous sommes, guépards, lions, chacals ou brebis, nous continuerons à nous prendre pour le sel de la terre ».

Que vous fassiez partie des guépards, lion, chacals ou brebis, ce film est un éblouissement inégalé par lequel je vous engage vivement à vous laisser hypnotiser...

Sandra.M

Pour beaucoup, le palais des festivals de Cannes d’ailleurs surnommé blockhaus en raison de son architecture glaciale et imposante s’apparente à une forteresse inaccessible et l’ascension de ses célèbres marches s'apparente à un Everest inatteignable aux étrangers à un cénacle donc seuls quelques initiés semblent détenir les inestimables clefs. Je vais donc vous donner tous les éléments pour obtenir le précieux sésame ou pour accéder aux projections si vous en êtes dépourvus.

                                     Les accréditations professionnelles

L’idéal est bien évidemment d’être accrédité professionnel. Pour cela, il vous faut effectuer votre demande le plus tôt possible (pour chaque catégorie, il existe un nombre limité d’accréditations), en général il est possible d’effectuer la demande à partir de début février.

Les accréditations presse sont réservées aux journalistes, photographes et techniciens de médias qui doivent bien entendu fournir toutes les pièces justificatives scrupuleusement vérifiées par le service des accréditations. La date limite d’inscription pour cette accréditation est fixée au 31 Mars 2007.

Les acheteurs, vendeurs, producteurs et institutionnels de l'industrie cinématographique, français et étrangers, également pièces justificatives à l’appui, peuvent être accrédités par le marché du film et peuvent s’inscrire jusqu’au 30 Avril 2007.

 Enfin vous pouvez également solliciter l’accréditation Festival destinée aux professionnels français et étrangers pour laquelle la date limite d’inscription est fixée au 21 Avril 2007. Concernant ce dernier type d’accréditation, elle peut être aussi bien attribuée à un éminent producteur ou réalisateur qu’à un étudiant en cinéma (à condition qu’il appartienne à une des quelques rares écoles de cinéma permettant d’être accrédité et/ou qu’il envoie un dossier argumenté  constitué de pièces justificatives, ce nombre d’accréditations existant en nombre très limité). Evidemment ces deux accréditations présentent quelques différences. La première permet de réserver ses places parfois plusieurs jours à l’avance. La seconde vous rend tributaire des places remises en circulation et non utilisées par les premiers, (qui sont pénalisés s’ils les réservent et ne les utilisent pas) vous ne savez donc pas plus d’une journée à l’avance quels films vous irez voir mais ce système à l’avantage (normalement, ce qui n’est pas toujours le cas) qu’aucune place ne reste inutilisé.

Ces trois types d’accréditation Festival, Marché du Film, Presse vous permettent donc d’assister à la sélection officielle au Palais des festivals. Si le précieux sésame vous a été refusé, pas de panique, il vous reste encore quelques solutions...

                                                                         Cannes cinéphiles

D’abord, il est possible qu’en guise de lot de consolation on vous propose un pass « Cannes Cinéphiles » attribué en masse aux Cannois, membres d’associations de cinéphiles, étudiants en cinéma, groupes divers, (et pas toujours cinéphiles comme le nom du badge ne l’indique pas) et refoulés des pass professionnels. Ne vous réjouissez pas trop vite. Tout d’abord ce pass ne permet pas d’entrer dans le palais des festivals, et vous risquez même de vous faire déchirer votre carte si vous enfreignez la règle. Vous ne pouvez donc (normalement) pas accéder  à la sélection officielle. Ce pass vous donne néanmoins accès aux sélections parallèles : Semaine de la Critique, Quinzaine des Réalisateurs dont la qualité des films projetés est bien souvent égal voire supérieur à celle du palais des festivals. Vous pouvez normalement aussi assister aux projections « Un Certain Regard » sachant que tous les badges professionnels passent avant vous (de même pour la Semaine de la Critique et la Quinzaine des Réalisateurs où l’affluence est néanmoins moins importante) et ne seront eux-mêmes pas certains de tous entrer. Autant vous le dire, il n’est pas rare qu’à certaines projections aucun détenteur du pass Cannes Cinéphiles ne puisse entrer. Si, malgré cela, vous souhaitez solliciter ce pass, vous le pouvez jusqu’au 9 Mars 2007.

Liens: accréditations

Pour les 4 types d’accréditations précédemment évoquées vous trouverez tous les renseignements nécessaires et les formulaires sur le lien suivant : http://www.festival-cannes.fr/pratique/accreditation/index.php?langue=6001

Site de Cannes Cinéphiles: http://www.cannes-cinema.com/-Cannes-Cinephiles

Site internet de la Semaine de la Critique: http://www.semainedelacritique.com

Quinzaine des Réalisateurs: http://www.quinzaine-realisateurs.com/

A noter: la Semaine de la Critique et la Quinzaine des Réalisateurs, beaucoup plus acessibles, délivrent aussi leurs propres accréditations donnant accès à leurs sélections, vous pouvez également acheter un ticket pour une séance.

                                                                                                  Les concours :

1-Le prix de la jeunesse

Le premier d’entre eux est celui qui me permit d’aller à Cannes la première fois, en 2001, comme à 40 jeunes européens alors, 60 désormais. Il s’agit du prix de la jeunesse. : 60 jeunes de France et d’Europe sont ainsi invités par le ministère de la Jeunesse, des Sports et de la Vie associative, au Festival, et sont donc accrédités professionnels pour toute la durée de leur séjour, à savoir une semaine. 7 d’entre eux sont sélectionnés pour être membres du « jury jeunes » du 16 au 27 mai 2007 pour décerner le Prix de la jeunesse. Tous les autres jeunes présélectionnés participent aux «  Rencontres professionnelles » dans la semaine du 20 au 27 mai : accès aux projections, initiation à l’image, critique de films, écriture de scénarios, reportages, parcours "à la rencontre des métiers du cinéma", incluant la réalisation de portraits / témoignages de professionnels présents à Cannes pendant le Festival (producteur, réalisateur, acteur, scénariste, scripte, cadreur, ingénieur du son, chef monteur, chef décorateur…).

Conditions de participation :

 -être âgé de 18 à 25 ans (au 31 mars 2007).

-Ne pas avoir été précédemment invité par le ministère de la Jeunesse, des Sports et de la Vie associative dans le cadre du Prix de la Jeunesse.

  -Adresser avant le 29 mars au  Centre Régional Information Jeunesse de votre région :

-1 texte (de 2 à 4 pages) sous forme libre (critique, poésie, chanson, conte…) exprimant votre rapport au cinéma et aux films, à travers le thème : La lumière.

- une lettre de motivation

-Un CV détaillé

-4 photos d’identité

L’accréditation, l’hébergement, les repas, le transport (sur la base d’un aller-retour en 2ème classe, carte 12-25 ans) est pris en charge par le Ministère de la Jeunesse, des Sports et de la Vie associative.

Vous pourrez trouver de plus amples renseignements ici : http://www.prixdelajeunesse.com

2-Lycéens à la Semaine de la Critique

La Semaine Internationale de la Critique organise, en collaboration avec l’Office franco-allemand pour la Jeunesse (OFAJ) et avec le soutien du Ministère de la Jeunesse, des Sports et de la vie associative et de l’Oroleis la (Toute) Jeune Critique, une opération autour de la critique de cinéma. Chaque année, la Semaine de la Critique invite des lycéens français à visionner sa Sélection sur la Croisette. Depuis 2005, les organisateurs ont souhaité associer l’OFAJ à cette opération et permettre à des lycéens allemands d’être invités. Comme de vrais critiques de cinéma, les lycéens français et allemands assistent ensemble quotidiennement aux projections des sept longs et sept courts métrages de la Sélection. Après avoir rencontré les équipes des films, ces apprentis journalistes écrivent leurs articles, dont les meilleurs sont publiés dans les médias partenaires (presse écrite, radio et Internet). A la fin de la Semaine, les lycéens français et allemands constituent un jury et délibèrent pour décerner le Prix de la (Toute) Jeune Critique au meilleur long métrage de la Sélection.
 Parallèlement, deux Prix sont remis par l’OFAJ aux auteurs de la meilleure critique en français et de la meilleure critique en allemand. Les lauréats sont invités au Festival International du Film de Berlin (Berlinale) en 2008. 32 participants seront sélectionnés par le biais d’un jeu-concours (16 jeunes Français et 16 jeunes allemands).
La date limite d’envoi des candidatures est fixée au 8 avril 2007.

Lien avec tous les renseignements sur les conditions de participation : http://www.semainedelacritique.com/sites/rubrique.php3?id_rubrique=7

3-Concours Allo Ciné

Cette année Allo Ciné a lancé un concours pour fêter ses 10 ans et les 60 ans du Festival. L’heureux lauréat pourra accompagner la rédaction au Festival pour toute sa durée du 16 au 27 Mai ! Pour cela, vous avez jusqu’au mois d’Avril pour réaliser un blog  sur Allociné le plus original, réussi, convaincant, personnel, un blog bien sûr entièrement consacré au Festival de Cannes et à ses 60 ans. Lien : http://allocine.blogs.allocine.fr/  

Si vous n’êtes ni professionnel, ni cinéphile, ni lauréat d’un de ces concours comment faire me direz-vous (et si pour vous Cannes ne se limite pas à vous installer sur un escabeau dès 7 heures du matin pour espérer tenter d’apercevoir la robe d’une starlette à la montée des marches de 19H30, si, si, ça existe…) :

                                                                        Derniers recours:

1-Chaque hôtel reçoit un certain nombre d’invitations du Syndicat des hôteliers, le plus souvent pour des projections en journée. Vérifiez bien que cette accréditation soit bleue, si elle est rose vous devrez l’échanger contre une bleue les roses étant réservées aux détenteurs de badges. Ne me demandez pas pourquoi, à Cannes s’établissent une hiérarchie et un règlement parfois iniques et aux frontières de l’absurde mais vous verrez : il est de bon ton de protester (le festivalier cannois est toujours mécontent, blasé, insatisfait) mais on s’y habitue vite. Donc si vous demandez gentiment à votre hôtel(ier) adoré, il n’est pas impossible qu’il vous donne des invitations. Plus la catégorie de l’hôtel est élevée, et a fortiori si l’hôtelier se transforme en concierge prêt à tout pour vous satisfaire, il est fort possible qu’il s’agisse aussi d’invitations pour les séances du soir.

2-L’an passé le festival avait mis au point un système très judicieux appelé « accès dernière minute » situé derrière les marches permettant aux professionnels retardataires ou à ceux n’ayant pas eu d’invitations et même aux détenteurs du pass Cannes cinéphiles d’accéder aux séances officielles (même parfois à celles du soir, voire de l’ouverture et de la clôture m’a-t-on dit). Comme son nom l’indique, il vous faudra attendre jusqu’à la dernière minute pour savoir s’il reste des places libres et donc attendre parfois deux heures, en plein soleil et debout.

3-Enfin, si vous ne correspondez à aucun cas de figure ci-dessus et si vous n’êtes pas non plus le fils  ou le neveu de Gilles Jacob, sachez  que devant le palais il arrive que certaines invitations soient distribuées par les retardataires qui n’ont pas le temps ou l’envie de les restituer au guichet du « last minute ticket ». Sachez enfin qu’en aucun  cas on ne doit vous vendre une place. C’est évidemment totalement interdit et risquerait de vous bloquer l’accès au palais pour le restant du Festival.

                      ----------------------------------------------------------------------------------------------------

-N’oubliez pas que pour la séance du soir (19H30 et 22H30)  la tenue de soirée est de rigueur, relativement libre pour les femmes, en revanche pour les hommes le nœud papillon et le costume sont obligatoires. Le protocole est intransigeant avec cette formalité…et pensez aux chaussures, les baskets sont formellement prohibées et risqueraient de vous bloquer l’accès aux marches, même en possession du précieux sésame ET de l’invitation, qui que vous soyez!

-Enfin, si vous n’êtes pas à Cannes, sachez que la plupart des films sortent désormais en salles en même temps, l’attente…et l’atmosphère, électrique, incomparable, survolté, révolté, mais magique aussi, malgré tout,  en moins. Le film des 60 ans sera également diffusé en simultané sur Canal plus qui diffuse également les soirées d’ouverture ou de clôture.

                                                                  Le logement pendant le festival, à Cannes :

Quant au logement, il s’agit, là aussi, d’un véritable parcours du combattant la plupart des hôtels et résidences étant réservés d’une année sur l’autre et donc TOUS d’ores et déjà complets...officiellement. Je ne peux que vous conseiller de vous armer de patience, de vous mettre sur liste d’attente, de rappeler régulièrement, les annulations des options posées sur les chambres ayant en général lieu les semaines et les jours précédant le festival. Vous pouvez également essayer dans les communes avoisinantes (Antibes, Mandelieu etc) néanmoins bien souvent également prises d’assaut (parfois jusqu’à Monaco, en sachant que le Grand Prix qui se déroule en général à la même période suscite également une très forte affluence ) et sachant également qu’aux heures des projections des films en compétition (à partir de 18H en général) Cannes devient totalement inaccessible, et la circulation, même des transports en commun fonctionne au ralenti en raison des nombreux embouteillages que cela provoque. Dans la plupart des hôtels, on vous obligera bien souvent à réserver pour la totalité du festival, parfois à régler la totalité du séjour avant votre arrivée (de même les prix en période de festival sont rarement affichés, sachant qu’ils doublent …au minimum), mais si vous venez plutôt vers la fin, vous pourrez certainement réserver seulement pour quelques jours, en réservant la semaine même.

Vous trouverez toute la liste des hôtels et résidences et des éventuelles disponibilités ici :  http://www.cannes-hotel-reservation.fr/  .

Bonne chance…et bon festival !

Sandra.M

Bien sûr la compétition de la Sélection Officielle projetée au Palais des Arts est celle qui reçoit le plus d’échos médiatiques mais en parallèle existent d’autres sélections parfois aussi, voire plus intéressantes. La  première d'entre elles a été  créée en 1962. Il s'agit de la Semaine de la Critique.

 Remarque: Contrairement aux autres articles de ce blog entièrement personnels, ce à quoi je tiens tout particulièrement, ce blog voulant adopter un ton singulier et ne surtout pas se contenter de faire un "copier coller",  exceptionnellement, afin de présenter au mieux et avec le plus de fidélité possible cette Semaine de la Critique je me suis permis de reprendre certaines expressions du site internet de la Semaine de la Critique, néanmoins les deux critiques qui suivent sont bien entendu entièrement personnelles.

La Semaine Internationale de la Critique se consacre ainsi depuis ses débuts à la découverte des jeunes talents. Dès sa création par le Syndicat Français de la Critique de Cinéma en 1962, elle s’est fixée pour mission de mettre à l’honneur les premières et deuxièmes œuvres des cinéastes du monde entier. Bernardo Bertolucci, Ken Loach, Wong Kar Wai, Jacques Audiard, Gaspar Noé, Arnaud Desplechin ou encore François Ozon ont fait leurs débuts à la Semaine de la Critique. Un rôle de tête chercheuse qui lui a permis, ces dernières années, de faire découvrir et de primer Amores Perros du Mexicain Gonzalez Iñarritu (qui a depuis réalisé 21 grammes), Respiro d’Emanuele Crialese, Depuis qu’Otar est parti de Julie Bertuccelli , Brodeuses d’Eléonore Faucher et Les Amitiés maléfiques d’Emmanuel Bourdieu. Depuis 3 ans, la Semaine de la Critique est en haut de l’affiche de Cannes pour avoir remporté 3 Caméras d’Or consécutives (meilleur premier film à Cannes toutes sections confondues) : Reconstruction de Cristoffer Boe (2003), Or (Mon trésor) de Keren Yedaya (2004) et Moi, toi et tous les autres de Miranda July(2005).
La Semaine de la Critique propose une programmation très sélective de 7 longs et 7 courts métrages. Elle accueille également des films hors compétition qui témoignent de démarches et de regards originaux et réserve une place toute particulière aux courts et moyens métrages. Ouverte au grand public pour lequel elle multiplie les projections et les rencontres avec les réalisateurs, la Semaine développe aussi un travail sur le jeune public à travers la (Toute) Jeune Critique, une opération réunissant à Cannes une cinquantaine de lycéens français et allemands autour de la critique de cinéma dont je vous reparlerai prochainement à l’occasion d’un article consacré aux divers moyens de venir accrédité au festival.

Cette année la Semaine de la Critique se déroulera du 17 au 25 Mai 2007.

                  CRITIQUES DE FILMS PRESENTES A LA SEMAINE DE LA CRITIQUE

Je vous propose les critiques de deux films projetés et remarqués lors de l'édition 2005 de la Semaine de la Critique : tout d'abord La petite Jérusalem de Karin Albou. Ce film y a été présenté en 2005 et a reçu le prix SACD du scénario, ensuite Moi, toi et tous les autres de Miranda July qui a obtenu la caméra d’or et le grand prix de la Semaine de la Critique 2005.

La petite Jérusalem est un quartier de Sarcelles, en banlieue parisienne où de nombreux juifs ont émigré. Laura (Fanny Valette), 18 ans, est tiraillée entre  son éducation religieuse  et ses études de philosophie qui la passionnent et lui offrent une autre vision du monde. Alors que sa sœur Mathilde (Elsa Zylberstein) tente de redonner vie à son couple, Laura succombe à ses premières émotions amoureuses. Karin Albou « esquive », avec la même subtilité que le film éponyme, ce qui aurait pu être une caricature sur la banlieue, nous livrant un film au discours et aux questionnements identitaires et philosophiques universels. Le titre renvoie autant à la judéité qu’à la féminité, au fond les deux sources d’atermoiement du personnage principal. Est-on libre en enfreignant la loi ou en la respectant ? Loi du désir ou loi religieuse ? Loi philosophique ou Torah ?  Laura oscille entre l’un et l’autre, entre ses désirs et la raison, sa liberté et la loi, le choix de sa propre loi ou l’obéissance à la loi -religieuse- pour finalement trouver le chemin de sa propre liberté. Je vous laisse découvrir l’itinéraire tortueux et passionnant, passionné aussi, qu’elle aura emprunté pour y parvenir.  Karin Albou nous fait cheminer dans sa conscience fiévreuse, sans jamais juger, nous laissant parfois choisir, douter avec elle, nous renvoyant habilement et constamment à nos propres questionnements. Un film sur le doute amoureux, philosophique, religieux qui n’en laisse planer aucun quant au talent de sa réalisatrice et de son interprète principale. Les dialogues sont aussi bien écrits que les silences, admirablement filmés, plongés dans une obscurité métaphorique. Un film intense sur la liberté. Libre. Mon coup de cœur du festival…du film américain, aussi français soit-il. 

 Avec Moi, toi et tous les autres , son premier long-métrage, c’est  un tout autre univers que nous invite à découvrir l’actrice, scénariste, réalisatrice, Miranda July, et déjà tout simplement à « un univers » qui la caractérise d’emblée, qui ne ressemble à aucun autre.  Elle y interprète (filme et scénarise aussi donc) Christine Jesperson, une jeune artiste touchante et spontanée, qui mélange dans son quotidien, art et réalité. Richard Swersey, vendeur de chaussures, père de deux garçons et tout juste redevenu célibataire, est prêt à tenter de nouvelles expériences. Mais quand Christine entre sur la  pointe des pieds dans sa vie, il panique… Dès les premières images, nous sommes envoûtés par ce monde qu’elle retrace, qui est le nôtre et pas tout à fait, plutôt le nôtre vu par le prisme de son singulier regard. La difficulté de communiquer est là encore au centre de l’histoire. Les moyens de communiquer n’ont jamais été aussi rapides et nombreux et pourtant la communication s’avère plus difficile que jamais avec ces « tous les autres » plus proches et plus lointains qu’ils ne l’ont jamais été, le paradoxe d’une mondialisation qui enferme plus qu’elle n’ouvre au monde et aux autres. A une célérité déconcertante tout peut alors basculer dans l’interdit ou la poésie, et Miranda July n’oublie ni l’un, ni l’autre. L’art contemporain auquel s’est adonnée la réalisatrice et que pratique son personnage principal imprègne également fortement le film et lui procure cet aspect iconoclaste, celui d’une œuvre lunaire et riche, à la fois poétique et réaliste, en tout cas attrayante du début à la fin, nous hypnotisant comme un œuvre d’art moderne, aux contours et au signifié flous dont on ne demande qu’à percer le délicieux mystère… Entre l’art et la réalité, pourquoi faudrait-il choisir ? Pourquoi ne pas faire de sa vie un art ? Le plus beau des défis, certainement. J’attends avec impatience son deuxième film, le prochain voyage dans son univers esquissé, si  intelligemment dépeint.

Sandra.M    

Avec ce soixantième anniversaire les organisateurs, selon les propres termes de Gilles Jacob, aspirent à donner un « nouvel élan » au festival. Pour cela ils veulent notamment rassembler ceux qui ont fait du Festival de Cannes ce qu’il est aujourd’hui, à savoir l’évènement cinématographique le plus important au monde, et l’évènement le plus médiatisé (avec les Jeux Olympiques) et ceux pour qui Cannes a contribué en partie à ce qu’ils soient ce qu’ils sont aujourd’hui, des cinéastes parfois hier inconnus que leur passage sur la Croisette a mis sous les feux de la rampe et qui sont pour toujours sortis de l’ombre. D’où l’idée du film à sketchs pour réunir tous ces talents aussi variés que leur provenance, des 5 continents et de 25 pays différents dont voici la liste impressionnante :  Theo Angelopoulos, Olivier Assayas, Bille August, Jane Campion, Youssef Chahine, Chen Kaige, Michael Cimino, Ethan & Joel Coen, David Cronenberg, Jean-Pierre & Luc Dardenne, Manoel De Oliveira, Raymond Depardon, Atom Egoyan, Amos Gitai, Hou Hsiao Hsien, Alejandro Gonzalez Iñarritu, Aki Kaurismaki, Abbas Kiarostami, Takeshi Kitano, Andrei Konchalovsky, Claude Lelouch, Ken Loach, Nanni Moretti, Roman Polanski, Raoul Ruiz, Walter Salles, Elia Suleiman, Tsai Ming Liang, Gus Van Sant, Lars Von Trier, Wim Wenders, Wong Kar Wai, Zhang Yimou.

 L’idée est donc celle d’une promenade autour d’un thème unique  et que soit alloué un même budget modeste à tous ces éminents cinéastes. Ils livreront en 3 minutes leur "actuel état d’esprit inspiré par la salle de cinéma".

Selon Gilles Jacob, aucun réalisateur n’a eu connaissance des synopsis de ses confrères et ils les découvriront normalement le 20 Mai, jour de la projection à Cannes et de sa diffusion en simultané sur Canal plus. Le titre est déjà connu, il s’agit de « Chacun son cinéma ». Cela promet d’être un voyage inventif et inattendu dont je ne manquerai pas de vous faire le récit.

Le dernier film à sketchs présenté à Cannes avait  créé l’évènement. Il s’agissait de Paris, je t’aime, film d’ouverture de la Sélection Un Certain Regard l’an passé. Voir le récit ici. Cela nous laisse entrevoir le caractère évènementiel de ce film anniversaire de ce sémillant sexagénaire !

Sandra.M

Le titre de ce blog n’a pas été choisi par hasard. Son but est aussi de vous immerger dans l’atmosphère du Festival, parfois ensorcelante, à l’image du magnifique film de celui qui fut le président du Festival de Cannes 2006, Wong Kar-Waï qui y présenta 2046 en 2004, sélectionné en compétition officielle et surtout In the mood for love en 2000 qui reçut le prix d'interprétation masculine et le Grand Prix de la Commission Supérieure Technique. En guise d'hommage à ce grand cinéaste, et de clin d'oeil au titre de ce blog, je vous propose donc ma critique d'In the mood for love.

Avant de plonger "In the mood for Cannes", plongez "in the mood for love"!

Critique d'In the mood for love de Wong Kar Waï

Oui, je l’avoue, je n’ai toujours pas vu 2046. A dessein. In the mood for love c’est un peu comme ces moments de nos vies que l’on a filmés et dont on laisse les films croupir dans les tiroirs de crainte que les images ainsi immortalisées soient moins belles que celles de nos souvenirs. Souvenirs sacrés, idéalisés peut-être. Sacrés aussi sont les souvenirs d’In the mood for love. Souvenirs indicibles et indélébiles. Indicibles et indélébiles, telles sont aussi les émotions que procure ce film envoûtant… à l’image des sentiments qu’il retranscrit. A partir d’un synopsis plutôt conventionnel ,d’un schéma vaudevillesque(deux voisins ,Su -Maggie Cheung- et Chow-Tony Leung- , découvrent la tromperie de leurs époux respectifs ,s’éprennent peu à peu l’un de l’autre…mais préfèreront renoncer à leur amour plutôt qu’à leurs idéaux),Wong Kar Wai a réalisé un véritable poème lyrique et nostalgique à la beauté picturale et à l’inventivité visuelle indéniables, inégalées, innovantes, un film tout en nuances dont la mélancolie est encore exacerbée par une atmosphère musicale sublime qui cristallise les sentiments retenus des personnages. Poème langoureux et nostalgique qui nous entraîne, nous emporte délicieusement dans sa mélodieuse complainte. Rarement, voire jamais, au cinéma les frémissements, les palpitations, l’intransmissible incandescence d’un amour implicite, interdit, et ainsi sublimés, avaient été aussi bien suggérés à tel point que les sentiments des personnages semblent émaner de l’écran, presque s’en échapper et nous envahir. Réminiscences des sublimes sensations de nos passés ou de nos rêves, c’est selon, que Wong Kar Waï parvient à faire (res)surgir. Magicien de la caméra. Wong Kar Wai a préféré la suggestion à la démonstration ostentatoire. L’enfermement de Maggie Cheung est ainsi suggéré par des tenues qui emprisonnent son corps et sa passion contenue est reflétée par leurs teintes chatoyantes auxquelles fait écho le décor rouge qui contraste avec les couleurs ternes et les conventions du Hong Kong des années 60. Le ralenti et la musique ensorcelante qui les accompagnent lorsqu’ils se croisent dans un couloir étroit suffisent à nous faire comprendre les sentiments et les impressions d’une sensualité tacite qui les envahissent malgré l’étroitesse des conventions. Les nombreuses ellipses temporelles permettent au spectateur de laisser libre cours à son imagination :un spectateur qui, par une sorte de mimétisme , se laisse peu à peu submerger par l’émotion indéfinissable que suscite cette ambiance…Jamais une histoire d’amour n’avait été racontée avec autant de pudeur, de nuance, d’élégance. Le spectateur est immergé dans cette « ambiance de l’amour », un titre étrange à l’image de la singularité des impressions qu’il inspire. Grâce à l’ingéniosité de la réalisation le spectateur est happé par cet univers, cette histoire…une histoire intemporelle et universelle qui substitue mieux que jamais à notre regard « un monde qui s’accorde à ses désirs » pour reprendre la citation de Bazin qui pourrait avoir été inspirée par ce film. Alors bien sûr on pourrait établir un parallèle avec Sur la route de Madison  de Clint Eastwood ou encore avec les films de James Ivory pour l’admirable peinture des sentiments contenus mais, au-delà de celle-ci, Wong Kar Waï a su créer une atmosphère ensorcelante, languissante, presque onirique qui fait de son film une œuvre inclassable et novatrice …On pourrait aussi me rétorquer que la stylisation est exacerbée (et peut-être pour certains exaspérante ), que cette beauté picturale cherche à dissimuler une faiblesse scénaristique mais c’est justement cette symphonie picturale et musicale qui contribue à la richesse du scénario. Alors quand cette rêverie cinématographique s’achève, le spectateur quitte avec peine cette atmosphère enchanteresse, la magie du cinéma portée à son paroxysme…une magie prolongée par des images et une musique indissociables et inoubliables qui nous accompagnent longtemps après le générique de fin, qui m’accompagnent toujours. Le film entier est un poème langoureux, une mélodie savoureuse et ensorcelante, une longue parabole amoureuse qui vous laissera le souvenir inaltérable et brûlant d’un grand amour.

Sandra.M

Diane Krüger sera la maîtresse de cérémonie du Festival 2007 et présentera donc les cérémonies d'ouverture, du 16 Mai, et de clôture, du 27 Mai. Elle succédera ainsi à Vincent Cassel. En guise de présentation, je vous propose la critique d'un film dont le tournage s'est échelonné sur plusieurs années, faute de moyens et qui débuta alors que Diane Krüger n'était pas encore connue. Il s'agit de "Frankie" de Fabienne Berthaud.

Frankie ou le miroir à deux faces...

Frankie a 26 ans. Frankie est mannequin. Son travail exige d’elle qu’elle renvoie une image lisse et parfaite, qu’elle ne laisse entrevoir ni la fragilité ni les fêlures qu’elle dissimule. Oui, Frankie est mannequin, pas un top model qui parcourt le monde mais un mannequin en fin de carrière comme il y en a des milliers d’autres, qui erre d’hôtels médiocres en studios, en bars moroses où, esseulée, elle laisse tomber le masque, et n’en a plus que faire. L’image elle aussi s’est fissurée : plus vraiment belle, plus vraiment jeune selon des critères plus cruels dans son métier qu’ailleurs, où les stigmates du temps, si imperceptibles pourtant, ennemi impitoyable et invincible, sont inexcusables. Seule, surtout. Quand l’image se craquelle, il faut sourire avec plus d’entrain encore, dire bonjour avec plus d’enthousiasme, feindre avec un talent démultiplié. Seulement Frankie n’a plus envie. Elle a perdu l’envie d’avoir envie. L’envie de cacher l’être blessé par un paraître irréprochable. N’être qu’un corps qu’on voit sans le regarder devient insupportable. Frankie (Diane Krüger d’une touchante fragilité) est à fleur de peau, dans cet état où un seul mot prononcé ou oublié, un seul geste déplacé peuvent faire basculer et dériver. Au départ le film est un peu comme cet univers dans lequel elle se perd, celui de faux semblant : superficiel, détaché de nous, lointain comme une image de papier glacé ( l’image du film, très réaliste, est d'ailleurs délibérément ici très éloignée d’une image de papier glacé) puis peu à peu sa solitude, son mal être s’emparent subrepticement de nous grâce à un montage savamment déstructuré et chaotique à l’image de celle dont il reflète l’égarement. Les images de sa décadence se mêlent à celles de son séjour en hôpital psychiatrique. La poésie ne vient pas suffisamment de là où on l’attend. La poésie du désenchantement. Une jolie forme de politesse. Celle d’un ange aux ailes brisées. Elle s’égare, elle vacille comme la caméra de Fabienne Berthaud dont c’est ici le premier long métrage, aux allures de faux documentaire. C’est un film imparfait, mais c’est justement cette imperfection qui le distingue et l’enrichit. Il laisse entrevoir ses fêlures, il se met à nu comme celle qu’il immortalise. Comme si Dorian Gray et son portrait se côtoyaient. Sauf qu’ici ce que dissimule le masque est peut-être finalement plus beau que le masque lui-même ; surtout si un regard bienveillant se pose dessus, comme celui de Tom que je vous laisse découvrir… Finalement dériver permet peut-être de mieux retrouver son chemin ? Il faut parfois avoir le courage de sombrer, de se montrer chancelant pour mieux refaire surface, revenir sans un masque en trompe l’œil, pour que les autres regards n’effleurent pas seulement mais voient réellement. Et savoir ainsi à nouveau admirer le bleu du ciel ou retrouver les ailes d’un ange. Un film cruel et poétique. Mélancolique et drôle. Comme les deux faces d'un même visage. Une fin qui justifie les moyens et qui mérite d’être attentif jusqu’au bout, de ne pas nous aussi céder à la tyrannie du temps, de ne pas nous aussi zapper ce qui n’est pas lisse, immédiat, formaté comme nous y sommes trop souvent habitués et encouragés. La fissure en dit peut-être plus que le masque. Oui, Frankie est mannequin mais elle porte le masque et dissimule les blessures de chacun de nous…

FILMOGRAPHIE DE DIANE KRÜGER

Benjamin Gates et le Livre des Secrets (Prochainement), de Jon Turteltaub  

Copying Beethoven (Prochainement), de Agnieszka Holland  

L'Age des ténèbres (2007), de Denys Arcand  

Goodbye Bafana (2007), de Bille August

Les Brigades du Tigre (2006), de Jérôme Cornuau

Frankie (2006), de Fabienne Berthaud  

Joyeux Noël (2005), de Christian Carion

Rencontre à Wicker Park (2005), de Paul McGuigan  

Benjamin Gates et le trésor des Templiers (2004), de Jon Turteltaub  

Narco (2004), de Gilles Lellouche  

Troie (2004), de Wolfgang Petersen   

Michel Vaillant (2003), de Louis-Pascal Couvelaire

Ni pour, ni contre (bien au contraire) (2003), de Cédric Klapisch  

Mon idole (2002), de Guillaume Canet Clara  

The Piano player (TV) (2002), de Jean-Pierre Roux Erika

Sandra.M

Deux protagonistes de ce festival 2007 sont d’ores et déjà connus: Diane Krüger qui succède à Vincent Cassel et qui présentera les cérémonies d’ouverture, le 16 Mai, et de clôture, le 27 Mai, et Stephen Frears, qui présidera  cette 60ème édition et qui, lui, succède à Wong Kar Wai, Steven Spielberg ayant paraît-il décliné l’offre pour la énième fois.  

C’est en 1988 que les Liaisons dangereuses consacre son succès international. Il alterne depuis les grands films de genre (Héros Malgré lui, les Arnaqueurs) et les sujets plus intimistes ou engagés (The Snapper, High Fidelity, Dirty Pretty Things).                                                      

Dans The Queen, Stephan Frears nous dresse le portrait d’Elisabeth II alors que l’image du  pouvoir monarchique est ébranlé, après le séisme médiatique et émotionnel (surtout irrationnel) provoqué par la mort de Diana, le 31 août 1997. Tony Blair qui vient d’être élu perçoit la vague d’émotion et de chagrin qui submerge le pays tandis que la Reine, enferrée dans ses traditions et son orgueil reste à Balmoral, sa résidence d’été, silencieuse, distante, indifférente, refusant obstinément de mettre le drapeau en berne pour celle qui « n’appartient plus à la famille royale ». Aveugle, aveuglée par sa fierté. Tony Blair va œuvrer pour la rapprocher de ses sujets éplorés et plongés dans l’incompréhension face à son attitude aussi imperturbable que les gardes de Buckingham Palace. Helen  Mirren interprète brillamment la reine avec un mélange de froideur, de dignité, de sarcasmes jubilatoires pour le spectateur. Mais c’est aussi le portrait d’une femme qu’a voulu dresser Stephen Frears, une femme qui certes est reine d’Angleterre, une femme enfermée dans son royal rôle pleurant à la mort d’un cerf, symbole d’une liberté qu’elle ne semble plus avoir,  et qui reste de marbre à la mort de cette belle-fille qu’elle n’a semble-t-il jamais aimée. Le principal intérêt réside dans la drôlerie du contraste entre le quotidien de Tony Blair au 10 Downing street et celui de la reine à Balmoral, entre l’assurance de la reine et la maladresse de son premier ministre, contraste et drôlerie atteignant leurs paroxysmes lors de leurs épiques conversations téléphoniques. Leurs existences sont constamment mises en parallèle. L’un et l’autre regardent les informations à la télévision, informations par lesquelles ils apprennent l’accroissement irraisonné de l’émoi populaire  provoqué par la mort de Diana. La famille royale va à la chasse. Tony Blair mange ses plateaux repas. Et le prince Phillip résume la situation : « Même morte, Diana nous aura emmerdés ». Stephen Frears a eu l’intelligence de ne pas tomber dans la caricature et le rapport de force va s’inverser. Malgré les railleries de sa femme Cherie, Tony Blair éprouve une admiration presque filiale pour cette reine fière et imperturbable.  Elisabeth II va prendre conscience de sa maladresse, elle va revenir à Londres pour parler aux britanniques, le plus maladroit des deux n’étant finalement pas celui qu’on croyait. Le montage mêle astucieusement une dizaine de minutes d’images d’archives et images de fiction crédibilisant cette histoire dont nous n’avons finalement pas envie de savoir si elle est conforme à la réalité mais que nous suivons du début à la fin avec beaucoup d’intérêt tant les personnages en sont vraisemblables et d’une humaine ambivalence. Un film que la caricature, l’excès auraient desservi mais que sa mesure rend d’autant plus caustique qu’elle est  plausible notamment grâce à un scénario ciselé et grâce au judicieux choix de ses deux interprètes principaux. Peut-être pouvons-nous juste regretter que Stephen Frears ait été trop révérencieux envers la monarchie, la reine, sarcastique mais humaine, ressortant finalement grandie de ce portrait.

Filmographie de Stephen Frears :

 Bloody United (Prochainement)

The Queen (2006)

Madame Henderson présente (2006)

Le Court des grands (2005)

Dirty pretty things, loin de chez eux (2003)

The Deal (TV) (2003)

Point limite (TV) (2001) 

Liam (2001) 

High fidelity (2000) 

The Hi-Lo Country (1999) 

The Van (1996)

Mary Reilly (1996)

The Snapper (1993)

Héros malgré lui (1993)

Les Arnaqueurs (1991)

Les Liaisons dangereuses (1989)

Sammy et Rosie s'envoient en l'air (1988)

Prick up Your Ears (1987)

My Beautiful Laundrette (1986)

The Hit (1984)

Walter and June (1983) 

Bloody Kids (1979)

Gumshoe (1971)

The Burning (1967)

« Celui qui se perd dans sa passion est moins perdu que celui qui perd sa passion. » Telle est la citation d’exergue (empruntée au philosophe Saint-Augustin) de mon autre blog « In the mood for cinema » dont celui-ci est la continuité. Se perdre avec délice et non s’y égarer. Ce blog entièrement consacré au Festival de Cannes et à ses 60 ans est là pour vous guider dans ses méandres labyrinthiques. Vous guider en vous donnant de nombreuses clefs pour en entrouvrir les portes nimbées de mystère, pour en gravir les marches auréolées de secrets et d’images mythiques. Par des critiques de films. Par des articles sur l’ambiance, les coulisses, les jurys, toutes les sélections : Quinzaine des Réalisateurs, Un Certain Regard, Semaine de la Critique, Sélection officielle (films en compétition et hors compétition), Cinéfondation, Cannes Classics, courts métrages, leçons de cinéma. En vous emmenant au Marché du film, aussi. Par de nombreux renseignements pratiques également, notamment grâce à de nombreux liens. Par des interviews inédites et si possible, à terme, des reportages vidéo sur le festival.  Par un ton personnel, singulier donc . Par des récits sur son atmosphère frénétique, vertigineuse, grisante et hypnotique. Sur sa vie diurne et nocturne. Des salles obscures aux lumières, parfois aveuglantes, de la Croisette. A l’exemple de mes comptes-rendus sur le Festival de Cannes 2005 et sur le Festival de Cannes 2006 publiés sur « In the mood for cinema ».

 Cannes passionnément : tour à tour haïssable et adorable donc. Effrayante et fascinante. Là où la réalité titube, où la vie virevolte.  Là où le cinéma est omniprésent, omniscient, omnipotent même. Fête du cinéma. De tous les cinémas. Des courts métrages notamment avec la Cinéfondation. Des premiers et des seconds films avec la Semaine de la Critique etc. Fête des cinémas du monde entier. Cannes, miroir grossissant et informant du monde, déroutant parfois aussi. Reflet de ses colères, de ses blessures, de sa poésie.  Cannes qui brandit le poing comme Pialat. Cannes qui embrasse, complimente et encense comme Benigni. Qui émeut aussi, violemment même parfois. Cannes, tourbillon de la vie, envoûtant comme la voix de Jeanne Moreau. Tourbillon de cinéma aussi, évidemment. Cannes et ses rituels, sublimes et parfois ridicules, futiles et nécessaires, dérisoires et essentiels. Cannes hiérarchique et arrogante où, soudain, subrepticement, magnifiquement surgissent des instants de grâce. Cannes et ses applaudissements effrénés, ses réactions exacerbées, ses émotions démultipliées, ses regards parfois blasés, harassés,  rassasiés. Rassasiés de feindre d’être blasés. Rassasiés d’images. Rassasiés d’hypocrisie, là où, aussi, elle est « un vice à la mode » et, là où aussi, elle « passe pour vertu ». Ou, comme le mien, captivé et curieux, le plus souvent. Cannes et sa frénésie : de fêtes, de bruit, de rumeurs, de scandales, de cinéma, surtout, malgré tout. Cannes effervescente qui s’enivre de murmures, qui se grise de lumières éphémères, qui s’en étourdit oubliant presque celles du Septième Art. Cannes magique, insaisissable. Cannes versatile. Cannes excessive. Prompte à magnifier ou détruire. A déifier ou piétiner. Cannes où des rêves achoppent, où des illusions se brisent, où des projets s’esquissent, où des carrières s’envolent, où des films vous éblouissent, où des regards étincellent, où des cinéastes émergent, se révèlent au monde, nous révèlent un monde. Le leur. Le nôtre. Cannes et sa palme. D’or et de bruit et de lumières. Tonitruante, retentissante, scintillante. Cannes aux intentions pacifistes, aux débats presque belliqueux. Cannes paradoxale.  Multiple et unique. Inimitable.

Cannes fête ses 60 ans. Ce sera mon septième festival de Cannes. D’abord, je l’ai vu de loin, si proche et si inaccessible. Antre du cinéma dont les portes me paraissaient hermétiquement closes. Puis, j’y suis retournée, en 2001, grâce au prix de la jeunesse qui permet, suite à un concours, à des cinéphiles de France et d’Europe de participer au festival. Puis, j’y suis retournée, une année accréditée Cannes Cinéphiles. Puis, depuis 4 ans, accréditée professionnelle (étudiante ou scénariste selon les années).  Avec toujours, plus que jamais, cette même soif insatiable de septième art, de découvertes, cette avidité d’aiguiser mon regard, de le confronter, de le faire briller aussi, souvent. Avec cette envie de partager cette passion, ce périple palpitant, ces instants surréalistes, presque irréels, ces moments insolites, parfois improbables, de vous faire partager mon enthousiasme pour des cinéastes ou des films, ma passion viscérale et dévorante pour le cinéma, ma perplexité aussi parfois. Susciter absolument votre curiosité de cinéphile en tout cas. Ce blog est donc affranchi de toute influence et bien sûr entièrement indépendant du site officiel. Ma liberté d’écriture s’arrête néanmoins où commence la sensibilité artistique des autres. Je sais trop à quel point un film est une aventure prenante, un combat de chaque instant, magnifique et périlleux, pour  exercer ici une critique gratuitement assassine.

Dix jours hors du temps, hors du monde, à le scruter pourtant, à s’y immerger, à s’y noyer presque dans une profusion d’images. Dix jours à dérouler des kilomètres de pellicules. A fouler des kilomètres de tapis rouge. Dix jours intenses que je veux vous faire partager. Dix jours d’immersion cinématographique et festivalière. Ce blog est ainsi autant destiné aux festivaliers qu’à ceux qui veulent suivre le festival de loin, aux professionnels qu’aux cinéphiles…mais avant tout aux passionnés. Qui veulent se perdre dans leur passion sans s’égarer donc.

Plongez avec nous « In the mood for Cannes »… Viva il cinema !

Vous avez des suggestions ? Un site intéressant concernant le festival à faire connaître ? Vous êtes un sponsor intéressé par ce blog ? Vous pouvez me contacter par email ( festival.cinema@laposte.net ) ou laisser un commentaire à la suite de cet article.

Pour en savoir plus sur l'auteur de ce blog c'est ici: CV cinématographique.

Sandra.M