Tout ce qui est écrit dans cette note est à lire au conditionnel, la sélection officielle n'étant communiquée que le 20 Avril. Cette liste a été établie en fonction des films actuellement en montage, parfois encore en tournage (certains accélèrent souvent leur montage et modifient même leur tournage pour pouvoir figurer en sélection), d'autres sont des habitués de la Croisette, et même des prix.

-La rumeur la plus persistante reste celle de la projection d'"Indiana Jones 4: Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal", peut-être en ouverture du Festival (les blockbusters américains étant bienvenus pour l'ouverture), ou le 18 mai, en tout cas en avant-première mondiale.  Harrison Ford, Shia LaBeouf, Cate Blanchett et  Steven Spielberg seraient donc attendus sur la Croisette. Ce sera la première apparition de Spielberg sur la Croisette depuis la projection d’E.T. en 1982. La sortie d’"Indiana Jones 4" est prévue en France le 21 mai, et aux Etats-Unis le 22 mai.

-Figureraient également en sélection, compétition ou hors compétition, sélection officielle et parallèle:

-"Conte de Noël" d’Arnaud Desplechin (avec Mathieu Amalric, Catherine Deneuve et Emanuelle Devos,)

-"In the Electric Mist" de Bertrand Tavernier (d’après un roman de James Lee Burke, avec Tommy Lee Jones)

- "Guevara" de Steven Soderbergh (avec Benicio Del Toro dans le rôle du Che)

-"La possibilité d'une île" de Michel Houellebecq (sa propre adaptation cinématographique de son roman éponyme)

-La version cinématographique de "Sex and the city"

-"Inju" de Barbet Schroeder (avec Benoît Magimel)

-"Le voyage aux Pyrénées" des frères Larrieu

-"Ne te retourne pas" de Marina de Van

-"Entre les murs" de Laurent Cantet

-"De la guerre" de Bertrand Bonello

-"La frontière de l'aube" de Philippe Garel (avec Louis Garrel et Laura Smet)

 -"Blindness" de Fernando Meirelles (avec Julianne Moore, Mark Ruffalo et Danny Glover),

-"Australia" de Baz Luhrmann (avec Nicole Kidman)

-"Vicky Cristina Barcelona" de Woody Allen (avec Penelope Cruz et Scarlett Johansson),

-" Burn after Reading" des frères Coen (avec George Clooney et Brad Pitt.)

-"The Palermo Shooting" de Wim Wenders

-"Adoration" d' Atom Egoyan

- "Linha de Passe" de Walter Salles

-"Le Silence de Lorna" des frères Dardenne

-"Copie conforme" d'Abbas Kiarostami 

-"Even if you walk and walk" de Hirokazu Kore Eda

-" Tôkyô sonata" de Kiyoshi Kurosawa

-"Two-Legged Horse" de Samira Makmalbaf

- "If Only the Whole World Loved Me" de Naomi Kawase  

-"The Age of Tatooe de Jia Zhang Ke

-"Un barrage contre le Pacifique" de Rithy Panh (adaptation d'un roman de Marguerite Duras, avec Isabelle Huppert)

-"La poussière du temps" de Théo Angelopoulos (avec Irène Jacob, Willem Dafoe, Bruno Ganz, Michel Piccoli, Reni Pittaki, Alexandros Mylonas, Costas Apostolidis, Petros Alatzas, dont le tournage a lieu à Athènes, Rome, Berlin Cologne, New York, au Canada, second volet d'une trilogie sur le 20ème siècle vu par le prisme d'une histoire d'amour)

-Enfin, le film choral "Tokyo, je t'aime"  serait projeté hors-compétition (ou à Un Certain Regard comme le mémorable "Paris, je t'aime")

Confirmations ou infirmations de ces rumeurs le 20 Avril!

Sandra.M

Vous avez entre 15 et 18 ans? Vous aimez écrire? Vous voulez assister à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes 2008? Alors lisez bien ce qui suit! C'est peut-être votre chance!

La Semaine Internationale de la Critique et l’Office franco-allemand pour la Jeunesse (OFAJ) invitent 32 lycéens français et allemands de 15 à 18 ans à rédiger des critiques de films pendant une semaine à Cannes. Déposez votre candidature dès maintenant! Glissez-vous dans la peau d’un critique à Cannes durant la Semaine Internationale de la Critique du 14 au 25 mai 2008. Séances de cinéma le matin, rédaction de critiques l’après-midi. Durant une semaine, 8 groupes de 4 lycéens vont s’improviser critiques de film chaque jour dans le cadre du Festival de Cannes, assister à des projections des films de la section paralèle de la Semaine Internationale de la Critique et rédiger seul ou à deux des critiques, dont les meilleures seront publiées dans des médias partenaires. Les lyçéens constituent également un jury qui décerne le Prix OFAJ/TV5MONDE de la (Toute) Jeune Critique au meilleur long métrage de la Sélection.

• Vous êtes lycéen et vous avez entre 15 et 18 ans.

• Passionné de cinéma, vous souhaitez échanger des idées sur les films et vous aimez rédiger.

• Vous disposez de connaissances en allemand qui vous permettent de discuter en allemand avec les autres participants.

• Vous déposez votre candidature au sein d’un groupe constitué de quatre élèves accompagnés de leur enseignant.

  Date limite de dépôt de candidature: 10 avril 2008

L’OFAJ invite quatre groupes français et quatre groupes allemands à Cannes. Il prendra en charge les frais de voyage, d’hébergement et de repas (demi-pension) ainsi que les accréditations pour la Semaine de la Critique du 14 au 25 mai 2008. Vous pouvez télécharger le dossier de candidature directement sur notre site Internet www.ofaj.org ou sur www.semainedelacritique.com . Les lauréats de la meilleure critique seront invités à la Berlinale 2009.

Sandra.M

Vous avez entre 18 et 25 ans? Vous rêvez de partir au Festival de Cannes et de pouvoir assister aux projections? Alors, lisez bien ce qui suit... C'est peut-être votre chance! J'en ai fait partie en 2001 sous la présidence de Clotilde Courau. Lisez bien les conditions et mes conseils avant de tenter votre chance...

Description (source, site officiel du Prix de la jeunesse)

"Prix international créé en 1982 par le ministère en charge de la jeunesse en partenariat avec le Festival de Cannes, le Prix de la Jeunesse est décerné par un Jury-Jeunes composé de 7 jeunes européens, sélectionnés et invités par le ministère.  Le Prix de la Jeunesse est décerné chaque année à un film, première ou seconde œuvre d’un cinéaste, choisi parmi les deux sélections officielles du Festival de Cannes : "La Compétition" et "Un Certain Regard". Les sept membres du Jury-Jeunes exercent leur regard critique, développent leur capacité d’analyse et se confrontent au regard d’autrui. Ils vivent également une formidable expérience collective, artistique et culturelle. Le ministère invite également "60 jeunes à Cannes", qui accèdent aux projections, participent à des rencontres professionnelles et à des ateliers pour s’essayer à la pratique de l’image (courtes réalisations). L’ensemble des jeunes invités au Festival de Cannes a ainsi la chance incomparable, par le voir ou le faire, d’approcher le milieu professionnel cinématographique au cœur du plus prestigieux des festivals de cinéma.Le Prix de la jeunesse, action d’éducation à l’image, s’inscrit pleinement dans le cadre des politiques jeunesse de soutien aux pratiques culturelles du ministère de la santé, de la jeunesse et des sports."

Conditions pour participer

-Etre obligatoirement au minimum âgé de 18 ans et au maximum âgée de 25 ans

-Etre disponible pendant toute la période du Festival (ou seulement pendant une partie si vous ne souhaitez pas faire partie du jury)

-Ne pas avoir précédemment été invité au Festival par le Prix de la jeunesse (ils sont intransigeants sur cette condition, j'en sais quelque chose pour avoir été séléctionnée deux fois et avoir dû y renoncer au dernier moment la seconde fois, alors que cette condition ne figurait alors même pas dans le règlement)

Comment participer

Adresser avant le 27 mars 2008 à votre Centre Régional d’Information Jeunesse :

1 texte (de 2 à 4 pages) sous forme libre (critique, poésie, chanson, conte…) exprimant leur rapport au cinéma et aux films, à travers le thème : L’EMOTION.

• 1 lettre de motivation
• 1 C.V. détaillé
• 4 photos d’identité

* accréditation, hébergement, repas, transport (sur la base d’un aller-retour en 2è classe, carte 12-25 ans), pris en charge par le ministère de la santé, de la jeunesse et des sports.

3 autres sponsors effectuent également une sélection et notamment France 5, Le Mouv, Ciné Live (à vérifier pour ce dernier sponsoir)

 Bonne chance à tous... Surtout faîtes preuve d'originalité, de sincérité, ... et de passion! Si vous avez une activité ou si vous prenez des cours en rapport avec le cinéma vous augmentez bien sûr vos chances mais ce n'est pas une obligation. Il faut avant tout faire preuve de motivation et d'imagination et encore une fois de PASSION.

Site internet du prix de la jeunesse: http://www.prixdelajeunesse.com

Sandra.M

Ce film, encore à l'affiche dans certaines salles, en compétition à Cannes en 2007, m'avait particulièrement marquée lors de sa projection officielle dans le Grand Théâtre Lumière. Je ne vous en avais alors écrit que quelques mots.  En voici la critique détaillée:

La nuit nous appartient. Voilà un titre très à-propos pour un film projeté en compétition officielle au  Festival de Cannes.  Cannes : là où les nuits semblent ne jamais vouloir finir, là où les nuits sont aussi belles et plus tonitruantes que les jours et là où les nuits  s’égarent, délicieusement ou douloureusement, dans une profusion de bruits assourdissants, de lumières éblouissantes, de rumeurs incessantes. Parmi ces rumeurs certaines devaient bien  concerner ce film de James Gray et lui attribuer virtuellement plusieurs récompenses qu’il aurait amplement méritées (scénario, interprétation, mise en scène...) au même titre que « My blueberry nights », mon grand favori, ou plutôt un autre de mes grands favoris du festival, l’un et l’autre sont pourtant repartis sans obtenir la moindre récompense…

Ce titre poétique (« We own the night » en vo, ça sonne encore mieux en Anglais non ?)  a pourtant une source plus prosaïque qu’il ne le laisserait entendre puisque c’est la devise de l’unité criminelle de la police de New York chargée des crimes sur la voie publique. Ce n’est pas un hasard puisque, dans ce troisième film de James Gray ( « The Yards » son précèdent film avait déjà été projeté en compétition au Festival de Cannes 2000)  qui se déroule à New York, à la fin des années 80,  la police en est un personnage à part entière.  C’est le lien qui désunit puis réunit trois membres d’une même famille :  Bobby Green (Joaquin Phoenix), patron d’une boîte de nuit appartenant à des Russes, à qui la nuit appartient aussi, surtout,  et qui représentent pour lui une deuxième et vraie famille qui ignore tout de la première, celle du sang, celle de la police puisque son père Burt (Robert Duvall) et son frère Joseph (Mark Walhberg) en sont tous deux des membres respectés et même exemplaires. Seule sa petite amie Amada (Eva Mendes), une sud américaine d’une force fragile,  vulgaire et touchante, est au courant. Un trafic de drogue  oriente la police vers la boîte détenue par Bob, lequel va devoir faire un choix cornélien : sa famille d’adoption ou sa famille de sang, trahir la première  en les dénonçant et espionnant ou trahir la seconde en se taisant ou en consentant tacitement à leurs trafics. Mais lorsque son frère Joseph échappe de justesse à une tentative d’assassinat orchestrée par les Russes, le choix s’impose comme une évidence, une nécessité, la voie de la rédemption pour Bobby alors rongé par la culpabilité.

Le film commence vraiment dans la boîte de nuit de Bobby, là où il est filmé comme un dieu, dominant et regardant l’assemblée en plongée, colorée, bruyante, gesticulante, là où il est un dieu, un dieu de la nuit. Un peu plus tard, il se rend à la remise de médaille à son père, au milieu de la police de New York, là où ce dernier et son frère sont des dieux à leur tour, là où il est méprisé,  considéré comme la honte de la famille, là où son frère en est la fierté, laquelle fierté se reflète dans le regard de leur père alors que Bobby n’y lit que du mépris à son égard. C’est avec cette même fierté que le « parrain » (les similitudes sont nombreuses avec le film éponyme ou en tout cas entre les deux mafias et notamment dans le rapport à la famille) de la mafia russe, son père d’adoption, regarde et s’adresse à Bobby. Le  décor est planté : celui d’un New York dichotomique, mais plongé dans la même nuit opaque et pluvieuse, qu’elle soit grisâtre ou colorée. Les bases de la tragédie grecque et shakespearienne, rien que ça, sont aussi plantées et même assumées voire revendiquées par le cinéaste, de même que son aspect mélodramatique (le seul bémol serait d’ailleurs les mots que les deux frères s’adressent lors de la dernière scène, là où des regards auraient pu suffire...)

Les bons et les méchants.  L’ordre et le désordre. La loi et l’illégalité. C’est très manichéen  me direz-vous. Oui et non. Oui, parce que ce manichéisme participe de la structure du film et du plaisir du spectateur. Non, parce que Bobby va être écartelé,  va évoluer,  va passer de l’ombre à la lumière, ou plutôt d’un univers obscur où régnait la lumière à un univers normalement plus lumineux dominé par des couleurs sombres. Il va passer d’un univers où la nuit lui appartenait à un autre où il aura tout à prouver. Une nuit où la tension est constante, du début et la fin, une nuit où nous sommes entraînés, immergés dans cette noirceur à la fois terrifiante et sublime, oubliant à notre tour que la lumière reviendra un jour, encerclés par cette nuit insoluble et palpitante, guidés par le regard lunatique (fier puis désarçonné, puis déterminé puis dévasté de Joaquin Phoenix, magistral écorché vif, dont le jeu est d’ailleurs un élément essentiel de l’atmosphère claustrophobique du film). James Gray a signé là un film d’une intensité dramatique rare qui culmine lors d’une course poursuite d’anthologie, sous une pluie anxiogène  qui tombe impitoyablement, menace divine et symbolique d’un film qui raconte aussi l’histoire d’une faute et d’une rédemption et donc non dénué de références bibliques. La scène du laboratoire (que je vous laisse découvrir) où notre souffle est suspendu à la respiration haletante et au regard de Bob est aussi d’une intensité dramatique remarquable.

 « La nuit nous appartient », davantage qu’un film manichéen est donc un film poignant constitué de parallèles et de contrastes (entre les deux familles, entre l’austérité de la police et l’opulence des Russes,-le personnage d’Amada aussi écartelé est d’ailleurs une sorte d’être hybride, entre les deux univers, dont les formes voluptueuses rappellent l’un, dont la mélancolie rappelle l’autre- entre la scène du début et celle de la fin dont le contraste témoigne de la quête identitaire et de l’évolution, pour ne pas dire du changement radical mais intelligemment argumenté tout au long du film, de Bob) savamment dosés, même si la nuit brouille les repères, donne des reflets changeants aux attitudes et aux visages.  Un film noir sur lequel plane la fatalité :  fatalité du destin, femme fatale, ambiance pluvieuse. James Gray dissèque aussi les liens familiaux, plus forts que tout : la mort, la morale, le destin, la loi.

 Un film lyrique et parfois poétique, aussi : lorsque Eva Mendes déambule nonchalamment dans les brumes de fumées de cigarette dans un ralenti langoureux, on se dit que Wong Kar-Wai n’est pas si loin... même si ici les nuits ne sont pas couleur myrtille mais bleutées et grisâtres. La brume d’une des scènes finales rappellera d’ailleurs cette brume artificielle comme un écho à la fois ironique et tragique du destin.

 C’est épuisés que nous ressortons de cette tragédie, heureux de retrouver la lumière du jour, sublimée par cette plongée nocturne. « La nuit nous appartient » ne fait pas  partie de ces films que vous oubliez sitôt le générique de fin passé (comme celui que je viens de voir dont je tairai le nom) mais au contraire de ces films qui vous hantent, dont les lumières crépusculaires ne parviennent pas à être effacées par les lumières éblouissantes et incontestables, de la Croisette ou d’ailleurs…

Pour une critique détaillée et approfondie de ce film, je vous recommande  également la lecture du blog « Boulevard du cinéma ».

Sandra.M

Voici la première critique consacrée au Président du Festival de Cannes 2008, Sean Penn (voir l'article précédent consacré au président du Festival 2008), avec "Into the wild", la dernière réalisation de l'acteur-réalisateur. D'autres suivront bientôt et bien sûr à l'image de l'an passé, toutes les informations concernant ce Festival de Cannes 2008 vous seront communiquées au fur et à mesure de leur annonce... Les articles sur "In the mood for Cannes" vont donc prochainement s'intensifier et devenir de nouveau quotidiens.

Quel voyage saisissant ! Quelle expérience envoûtante ! A la fois éprouvante et sublime. Je devrais commencer par le début avant d’en venir à mes impressions mais elles étaient tellement fortes que parmi toutes ces sensations puissantes et désordonnées suscitées par ce film, c’était ce qui prévalait, cette impression pas seulement d’avoir vu un film mais d’avoir effectué un voyage, un voyage en moi-même, et d’avoir vécu une véritable expérience sensorielle. Depuis que j’ai vu ce film, hier, il me semble penser à l’envers, du moins autrement, revenir moi aussi (plutôt, moi seulement, certains n’en reviennent pas) d’un voyage initiatique bouleversant.

Mais revenons au début, au jeune Christopher McCandless, 22 ans, qui reçoit son diplôme et avec lui le passeport pour Harvard, pour une vie tracée, matérialiste, étouffante. Il décide alors de tout quitter : sa famille, sans lui laisser un seul mot d'explication, son argent, qu’il brûle, sa voiture, pour parcourir et ressentir la nature à pied, et même son nom pour se créer une autre identité. Et surtout sa vie d’avant. Une autre vie. Il va traverser les Etats-Unis, parcourir les champs de blé du Dakota, braver les flots agités du Colorado, croiser les communautés hippies de Californie, affronter le tumulte de sa conscience pour atteindre son but ultime : l’Alaska, se retrouver « into the wild » au milieu de ses vastes étendues grisantes, seul, en communion avec la nature.

Dès les premières secondes la forme, qui attire d’abord notre attention, épouse intelligemment le fond. Des phrases défilent sur l’écran sur des paysages vertigineux, parce que ce sont les deux choses qui guident Christopher : l’envie de contempler la nature, de se retrouver, en harmonie avec elle et la littérature qui a d’ailleurs en partie suscité cette envie, cette vision du monde. Jack London. Léon Tolstoï.  Et en entendant ces noms, je commence à me retrouver en territoires connues, déjà troublée par ce héros si différent et si semblable. Influencé par Henry David Thoreau aussi, connu pour ses réflexions sur une vie loin de la technologie…et pour la désobéissance civile.

Puis avec une habileté déconcertante et fascinante Sean Penn mélange les temporalités ( instants de son enfance, sa vie en Alaska, seul dans un bus au milieu de paysages sidérants de beauté) et les rencontres marquantes de son périple, les points de vue (le sien, celui de sa sœur), les fonctions de la voix off (lecture, citations, impressions)brouillant nos repères pour en créer d’autres, trouver les siens, transgressant les codes habituelles de la narration filmique, s’adressant même parfois à la caméra, à nous, nous prenant à témoin, nous interpellant, nous mettant face à notre propre quête. De bonheur. De liberté. Et surtout : de vérité.

Au travers de ces différentes étapes,  nous le découvrons, ainsi que ce qui l’a conduit à effectuer ce périple au bout de lui-même en même temps que lui chemine vers la réconciliation avec lui-même, avec son passé, avec son avenir. En phase avec l’instant, l’essentiel, le nécessaire. Un instant éphémère et éternel. Carpe diem. Au péril de sa vie, au péril de ceux qui l’aiment. Mais c’est sa vérité. Paradoxale : égoïste et humaniste. 

 Comme son protagoniste, la réalisation de Sean Penn est constamment au bord du précipice, à se faire peur, à nous faire peur mais jamais il ne tombe dans les écueils qu’il effleure parfois : celui d’un idéalisme aveugle et d’un manichéisme opposant la nature innocente et noble à la société pervertie. Non : la nature est parfois violente, meurtrière aussi, et sa liberté peut devenir étouffante, sa beauté peut devenir périlleuse. Et la mort d’un élan la plus grande tragédie d’une vie. De sa vie. La fin d’un élan, de liberté.

« Into the wild » fait partie de ces rares films qui vous décontenancent et vous déconcertent d’abord,  puis vous intriguent et vous ensorcellent ensuite progressivement, pour vous emmener vous aussi bien au-delà de l’écran, dans des contrées inconnues, des territoires inexplorées ou volontairement occultées, même en vous-même. Avec le protagoniste, nous éprouvons cette sensation de liberté absolue, enivrante. Ce désir de simplicité et d’essentiel, cette quête d’un idéal. D’un chemin particulier et singulier ( C’est une histoire vraie, Christopher McCandless a réellement existé, son histoire a inspiré « Voyage au bout de la solitude » du journaliste américain Jon Krakauer) Sean Penn écrit une histoire aux échos universels . Un chemin au bout de la passion, au bout de soi, pour se (re)trouver. Pour effacer les blessures de l’enfance. Et pour en retrouver la naïveté et l’innocence.

2H27 pour vivre une renaissance. Enfance. Adolescence. Famille. Sagesse. Au fil de ses rencontres, magiques, vraies, il se reconstitue une famille. Chaque rencontre incarne un membre de sa famille, l’autre, celle du cœur : sa mère, son père, sa sœur.  Sur chaque personnage Sean Penn porte un regard empli d’empathie, jamais condescendant  à l’image de cette nature. A fleur de peau. Sauvage. Blessée. Ecorchée vive.

La photographie du célèbre et talentueux Eric Gautier révèle la beauté et la somptuosité mélancolique de la nature comme elle révèle Christopher à lui-même, confrontant l’intime au grandiose. La bande originale poignante  composée par Eddie Vedder du groupe « Pearl Jam » contribue à cette atmosphère sauvage et envoûtante, il a d’ailleurs obtenu le Golden Globe 2008 de la meilleure chanson. Et puis évidemment Emile Hirsch d’une ressemblance troublante avec Leonardo Di Caprio (Sean Penn avait d’ailleurs pensé à lui pour le rôle), par son jeu précis et réaliste, par sa capacité à incarner ce personnage à tel point qu’il semble vraiment exister, vibrer, vivre, mourir et renaître, sous nos yeux, est indissociable à la réussite de ce film.

Avec ce quatrième long-métrage (après « The Indian Runner », « Crossing guard », « The pledge ») Sean Penn signe (il a aussi écrit le scénario) un film magistralement écrit, mis en scène (avec beaucoup de sensibilité, d’originalité et de sens) et mis en lumière, magistralement interprété, un road movie animé d’un souffle lyrique, un road movie tragique et lumineux, atypique et universel. 

 Vous ne ressortirez ni  indifférents, ni indemnes. Ce film va à l’essentiel, il vous bouscule et vous ensorcelle, il vous embarque bien au-delà de l’écran, dans sa quête d’absolu, de liberté, de bonheur. Un voyage aux confins du monde,  de la nature, un voyage aux confins  de l'être, de vous-même… Un film d’auteur. Un très grand film. D'un très grand auteur. Qui se termine sur des battements de cœur. Celui du héros qui renait. Au cœur de la vérité.

Voilà qui est de très bon augure pour ce 61ème Festival de Cannes dont Sean Penn présidera le jury. De belles surprises en perspective…

Sandra.M

Après quelques mois d'inactivité, "In the mood for Cannes" reprend à l'occasion de la première annonce concernant ce Festival de Cannes 2008, ce blog continuera ainsi à être régulièrement alimenté jusqu'au prochain Festival de Cannes qui aura lieu du 14  au 25 Mai 2008 .

J'en profite pour vous signaler la création d'un groupe Facebook dédié à ce blog et consacré au Festival de Cannes. Je vous invite à vous y inscrire: http://www.facebook.com/group.php?gid=7118648501 .

L’info cinématographique de la semaine, c’est donc l’annonce du prochain président du jury du Festival de Cannes. Sean Penn présidera le jury du Festival de Cannes 2008 et succédera ainsi à Wong Kar Wai (2006) et à Stephen Frears (2007) qui présidait le jury du 60ème Festival. Difficile de faire mieux que cette soixantième édition et pourtant avec Sean Penn pour président cette 61ème édition s’annonce pour le mieux : un des meilleurs acteurs de sa génération-Sean Penn a 47 ans- (voire le meilleur ?) qui avait d’ailleurs reçu le prix d’interprétation à Cannes en 1997  pour « She’s so lovely » de Nick Cassavetes, un acteur aux nuances de jeu impressionnantes, à la force et à l’intensité du regard (d’acteur et de cinéaste) saisissantes,  aux choix filmographiques brillants avec très peu d’erreurs de parcours, un acteur et un personnage à fleur de peau,  un écorché vif avec une fureur de vivre à la James Dean, qui peut aussi bien jouer les personnages violents ou cyniques (souvent), dans des thrillers, que les êtres égarés, un acteur aux positions politiques affirmées notamment lors de l’entrée en guerre des Etats-Unis en Irak. Voilà qui annonce de belles surprises pour le déroulement et le palmarès de cette 61ème édition! Vous pourrez retrouver des critiques de films de Sean Penn jusqu’au festival sur mon autre blog In the mood for Cannes et prochainement ma critique de son dernier film en tant que réalisateur « Into the wild », également sur In the mood for cinema.

 Pour moi, Sean Penn ce sont donc des souvenirs de films magnifiques en tant qu’acteur ( « 21 grammes » et « Mystic river » figurant parmi mes favoris ainsi que « The game » même si son rôle y est de moindre importance),  et réalisateur (« The Pledge », « Crossing guard »), d’un acteur qui a tourné avec les plus grands ( Sydney Pollack, Clint Eastwood, Inarritu, Woody Allen, Oliver Stone, Brian de Palma, Julian Schnabel, Louis Malle, Nick Cassavetes, et récemment avec Gus Van Sant…) souvent dans des films dits d’auteur « malgré » parfois des budgets élevés, toujours avec un vrai regard et parti pris, d’un acteur qui n’ hésite pas à accompagner des premières œuvres ou des films a priori plus confidentiels, un acteur qui fait des choix cinématographiques plutôt que commerciaux, qui réfléchit en termes d’art plus que de box office.

Sean Penn c’est aussi pour moi le souvenir magique, étrange, surréaliste, brumeux et inoubliable d’une rencontre alors que j’étais dans le jury jeunes du Festival du Film de Paris 1998 et alors qu’il présidait le jury du festival. Comme Sean Penn n’avait pas vu de film de nos présidents du jury Nadia Farès et Thierry Frémont, une projection privée avait été organisée dans une salle de projection d’un célèbre restaurant des Champs Elysées pour nous 10 et Sean Penn. C’est là aussi qu’eut lieu la rencontre entre les jeunes cinéphiles de notre jury et l’acteur. Je me souviens d’un regard puissant et fatigué, que nous avions regardé "Les Démons de Jésus" ( !) de Bernie Bonvoisin dans une ambiance recueillie, je me souviens m’être dit que ce film et son langage argotique devait être vraiment incompréhensible, consternant et rébarbatif traduit en anglais , je me souviens qu’il avait applaudi avec beaucoup de politesse, je me souviens que ses lunettes pendant la projection dissimulaient astucieusement son regard fatigué, voire (chut, ne le répétez pas) endormi, je me souviens d’un festival qui a à jamais rendu ma passion pour le cinéma incurable entre découvertes cinéphiliques, rencontres marquantes , instants de vie et de cinéma gravés, de  « Bienvenue à Gattaca »,  « Gadjo Dilo », « Serial Lover » je me souviens de cette semaine trépidante, il y a 10 ans déjà, si proche et si lointaine,  où rien ne semblait impossible, où tout semblait irréel,   je me souviens d’un festival qui honorait alors Paris et qui a malheureusement disparu.

  Sean Penn c’est aussi pour moi le souvenir d’un instant  involontairement dérobé, d’une silhouette solitaire, frêle et imposante, surprise lors du Festival de Cannes alors qu’il attendait nerveusement les réactions du public dans un recoin du palais des festivals alors qu’il était venu accompagner le très beau « Mystic River » de Clint Eastwood pour lequel il a d’ailleurs obtenu l’Oscar du meilleur acteur en 2004.

« Partout dans le monde, le cinéma semble faire l’objet d’un intense renouveau : de plus en plus de films éveillent l’imaginaire et provoquent émotion et réflexion, dans l’émergence d’une nouvelle génération de cinéastes extrêmement talentueux. Le Festival de Cannes est depuis longtemps l’épicentre mondial de la découverte des nouvelles vagues de réalisateurs. C’est pourquoi il me tarde d’y participer cette année comme président du jury »,  a commenté Sean Penn dans le communiqué de presse du festival de Cannes.

Je vous laisse relire son impressionnante filmographie ci-dessous plus éloquente que n’importe quel article ou discours…

La filmographie de Sean Penn

-En tant qu’acteur :

« Crossing Over » (Prochainement), de Wayne Kramer

«  Milk »(Prochainement), de Gus Van Sant

«  Tree of Life” (Prochainement), de Terrence Malick

“ What just happened ?” (Prochainement), de Barry Levinson

«  Dogtown and Z-Boys » (Prochainement), de Stacy Peralta

 « Les Fous du roi » (2006), de Steven Zaillian

 « Katrina (When the Levees Broke) » (2006), de Spike Lee  

 « L'Interprète » (2005), de Sydney Pollack

 « Bukowski » (2005), de John Dullaghan

 « The Assassination of Richard Nixon » (2004), de Niels Mueller

 « 21 grammes » (2004), de Alejandro González Inárritu

 “Mystic river” (2003), de Clint Eastwood

 “It's all about love” (2003), de Thomas Vinterberg

“ Le Poids de l'eau » (2002), de Kathryn Bigelow  

 « Sam je suis Sam » (2002), de Jessie Nelson

«  Hollywood sunrise” (2002), de Anthony Drazan    

 “Rosy-Fingered Dawn”: a Film on Terrence Malick (2002), de Luciano Barcaroli  

 “Avant la nuit » (2001), de Julian Schnabel

«  Il suffit d'une nuit » (2000), de Philip Haas

 « Accords et désaccords » (2000), de Woody Allen

« La Ligne rouge » (1999), de Terrence Malick

 « U-turn », ici commence l'enfer (1998), de Oliver Stone

 « The Game” (1997), de David Fincher 

 “She's so Lovely” (1997), de Nick Cassavetes

“ La Dernière marche » (1995), de Tim Robbins  

 « L'Impasse « (1994), de Brian De Palma

«  The Last party » (1993), de Mark Benjamin

 « Les Anges de la nuit » (1991), de Phil Joanou  

 « Nous ne sommes pas des anges » (1990), de Neil Jordan  

 « Outrages » (1990), de Brian De Palma  

«  Colors » (1988), de Dennis Hopper

« Judgement » in Berlin (1988), de Leo Penn

 « Comme un chien enragé » (1987), de James Foley

« Shanghai surprise » (1986), de Jim Goddard

«  Le Jeu du faucon » (1984), de John Schlesinger

«  Crackers » (1984), de Louis Malle

« Les Moissons du Printemps » (1984), de Richard Benjamin

 « Bad boys” (1983), de Rick Rosenthal  

“Fast times” at Ridgemont High (1982), de Amy Heckerling

« Taps » (1981), de Harold Becker

-En tant que réalisateur :

“Into the Wild” (2008)

“11'09'01: September 11” (2002)

 “The Pledge” (2001)

 “Crossing Guard” (1995)

 “The Indian Runner” (1991)

-En tant que scénariste :

« Into the Wild » (2008), de Sean Penn

« 8 (2006) », de Jan Kounen

 « 11'09'01: September 11 » (2002), de Samira Makhmalbaf

 « Crossing Guard” (1995), de Sean Penn 

 “The Indian Runner” (1991), de Sean Penn

-En tant que producteur :

“Into the Wild” (2008), de Sean Penn

“The Pledge” (2001), de Sean Penn

 “Loved” (1998), de Erin Dignam

“ Crossing Guard” (1995), de Sean Penn

 “The Indian Runner” (1991), de Sean Penn

-En tant que producteur exécutif :

“She's so Lovely” (1997), de Nick Cassavetes

Et vous pouvez toujours continuer à suivre quotidiennement l'actualité cinématographique sur mon autre blog "In the mood for Cannes": http://monfestivalducinema.hautetfort.com

Je vous invite également à découvrir mon blog consacré au Festival du Cinéma Américain de Deauville: http://inthemoodfordeauville.hautetfort.com

Sandra.M

En décembre 1995, un accident vasculaire brutal a plongé Jean-Dominique Bauby, rédacteur en chef du magazine  Elle et père de deux enfants, dans un coma profond. Quand il en sortit, toutes ses fonctions motrices étaient détériorées. Atteint de ce que la médecine appelle le «  locked-in syndrome » -littéralement : enfermé à l’intérieur de lui-même-, il ne pouvait plus parler, bouger, ni même respirer sans assistance. Dans ce corps inerte, seul un cil bouge. Ce cil devient son lien avec le monde, avec les autres, avec la vie. Il cligne une fois pour dire oui, deux fois pour dire non. Avec son cil, il arrête l’attention de son visiteur sur les lettres de l’alphabet qu’on lui dicte et forme des mots, des phrases, des pages entières… Avec son cil, il écrit ce livre, le Scaphandre et le papillon, dont chaque matin pendant des semaines il a mémorisé les phrases avant de les dicter…

Avec un tel sujet, on pouvait redouter le pire : le pathos et le mélodrame outrancier, la performance ostentatoire et ridicule d’un acteur dans un rôle de composition-à-oscar-césar-prix d’interprétation. C’est donc avec quelques réticences que je suis allée à la projection de ce film présenté en compétition officielle. Devant le palais des festivals, la valse poétique et multicolore d’un lâcher de papillons gigantesques et somptueux a précédé la projection dans le grand Théâtre Lumière.

 Puis, l’obscurité, le générique…et nous nous retrouvons avec Jean-Dominique Bauby enserrés dans son scaphandre qu’est son corps inerte, puisque la première moitié du film est entièrement filmé en caméra subjective. Dès les premiers plans, nous épousons son regard flou et précis, incisif même, guidés par la voix off de Mathieu Amalric. Véritable métaphore du cinéma, son regard est sa fenêtre sur le monde, sa caméra. Immobile comme l’est le spectateur sur son fauteuil, il s’évade et papillonne par la mémoire et par l’imagination, de son corps et de l’hôpital maritime de Berck où il est soigné, comme le spectateur s’évade de la salle de cinéma par les images projetées sur l’écran. L’identification est donc immédiate, d’autant plus qu’il porte un regard lucide et non moins ironique sur sa situation, sans jamais s’apitoyer sur son sort.

Auparavant aveugle et sourd à la beauté du monde, il n’a jamais aussi bien vu que d’un seul œil. Vu et ressenti. C’est en effet un film sens-uel et sens-ationnel : tout ce que Jean-Dominique Bauby  ne peut saisir, son regard s’en empare avec gourmandise, rattrapant au vol les moments de bonheur qu’il a auparavant laissés s’envoler. Ce film nous saisit, nous enlace, nous enserre, délicieux enserrement celui-là, nous arrache à sa réalité et à la nôtre, celle de spectateur, pour ne plus nous lâcher. Enserrés nous aussi, dans son regard virevoltant, qui nous fait éprouver et savourer la liberté comme rarement un film y est parvenu. Par ce qu’il voit : le vent qui s’engouffre dans une chevelure, ou par son regard qui glisse sur une peau nue qui se laisse entrevoir. Par ce dont il se souvient : son dernier voyage, en décapotable, et le frémissement des arbres au-dessus de sa tête. Par le souvenir de ses gestes précipités mais précis, lorsqu’il rasait son père, lui aussi prisonnier, alors qu’il était encore libre d’agir, alors qu’il (en) était inconscient, si pressé, trop pressé.  Par ce qu’il imagine surtout, il s’évade de son scaphandre par la puissance de son imagination débridée : il peut alors tout vivre comme même faire un dîner pantagruélique avec la jeune femme qui prend son livre en notes (Anne Consigny, décidément remarquable, à noter qu’elle retrouve ici son partenaire de Je ne suis pas là pour être aimé, Patrick Chesnais, également remarquable en médecin cassant qui suscite des répliques cinglantes de Jean-Dominique Bauby) à laquelle il n’est pas insensible, il peut aussi voir des glaciers s’effondrer puis se reconstruire. Son monde s’effondrer et le reconstruire. Parce que si son corps n’existe plus, par la pensée, il est tour à tour : séduisant, en colère, ironique voire cynique, cruel parfois mais en tout cas VIVANT. Si le scaphandre l’empêche de se mouvoir, le papillon peut l’emmener partout, là où même il n’osait aller quand il était « aveugle et sourd », avant.

Le scaphandre et le papillon est un vibrant hymne à la vie, à la liberté, à la création surtout. L’art devient pour lui libérateur et même salvateur. Hommage à l’art, à tous les arts : à la peinture (Julian Schnabel est peintre), à l’écriture, au cinéma, à la musique aussi. Les lettres épelées mélodieusement par les différents visiteurs ne sont jamais lassantes et constituent autant de partitions différentes qui nous tiennent en haleine. Le spectateur est alors suspendu aux lèvres de celui ou celle qui parle et qui chante les lettres, à la voix vibrante de vie de Mathieu Amalric.

A la place d’un livre sur la vengeance au féminin, une sorte de Monte-Christo au féminin qu’il projetait d’écrire avant son accident, Jean-Dominique Bauby va donc écrire sa vie. Celle d’une mort, d’un corps emprisonné à jamais. D’une renaissance aussi, celle de son esprit, si libre et alerte. Sans aucun sentiment de revanche et de vengeance. Seulement contre son orgueil et son aveuglément peut-être.

Marie-Josée Croze, Anne Consigny, Emmanuelle Seigner toutes formidablement dirigées sont autant de preuves de  l’existence de cet esprit qui ne cesse pas de penser et séduire.  Malgré tout. A cause de cela justement.

Julian Schnabel parvient à signer un film résolument optimiste sur une histoire tragique. Tout juste peut-on regretter deux plans trop appuyés, l’un sur son père en larmes, et un dernier plan trop appuyé sur son infirmité physique… ce bouleversant tourbillon de vie emporte néanmoins ces deux plans regrettables sur son passage dévastateur et bouleversant.

Le scaphandre et le papillon est une déclaration d’amour poignante et ironique, lucide et poétique. A la vie. A l’art. A la mer dont parfois on oublie de savourer la beauté de ses changeants reflets d’argent. Une œuvre d’arts.

Quelques jours après cette projection, je  retrouvais encore des papillons égarés, affolés, éblouis par les lumières impitoyablement et imperturbablement aveuglantes, agglutinés aux vitrines de la Croisette. La frontière est décidément si fragile entre le sublime et la laideur, entre un papillon et un scaphandre... Ce film nous le rappelle magnifiquement, justifiant ainsi amplement son prix de la mise en scène de ce 60ème Festival de Cannes.

 Sandra.M

Yeon, une jeune femme qui vient juste de découvrir l’infidélité de son mari rend régulièrement visite à un condamné à mort  qui effectue fréquemment des tentatives de suicide en prison.  Elle ne le connaît pas. Elle se fait passer pour sa petite amie. Ils tombent amoureux l’un de l’autre… et leurs rencontres deviennent de plus en plus passionnées sous le regard du directeur de la prison, qui épie plus qu’il ne surveille, derrière son écran de surveillance, sorte de double de Kim Ki-Duk qui décide quand la rencontre, et donc le film auquel lui assiste, doit s’interrompre, en appuyant sur un bouton vengeur.

 La jalousie. Le pardon. L’espoir. La passion. Et autant de souffles qui libèrent. Ou qui emprisonnent.

Après avoir présenté « L’Arc » dans la section Un Certain Regard, en 2005, c’est en compétition officielle que revient cette année le prolifique Kim Ki-Duk. Après la langueur mélancolique et poétique de Locataires et de Printemps, été, automne, hiver et printemps, nous  attendions légitimement beaucoup de souffle de ce film éponyme. S’il ne nous envoûte pas autant que les films précités, il nous déroute néanmoins et nous emmène avec lui dans cette passion absolue, dans cet univers plus âpre aussi dont la fantaisie n’est pas absente. Respiration nécessaire, aux frontières du burlesque.

Le souffle, c’est ce qu’ils cherchent désespérément l’un et l’autre. Ils étouffent, agonisent, se noient chacun à leur manière. Le souffle, c’est ce qui leur manque pour extérioriser leurs douleurs indicibles et suffocantes. Enfermés dans une souffrance si différente et similaire. Enfermés dans la même incommunicabilité. Le souffle, c’est la respiration qu’ils vont réapprendre ensemble. Même si elle est vaine et éphémère. Forcément éphémère, après tout. Elle a décidé de tomber amoureuse, sans raison, ou si : survivre, retrouver un souffle de vie. Tomber amoureuse de lui, sans raison, ou si: ils se ressemblent finalement.  Il a tué, peut-être sans raison. Il accepte son amour déraisonnable, irraisonné, forcément aussi, sans raison aussi ou si : elle lui insuffle un peu de vie et d’évasion. Même illusoires. De la vie et de l’évasion quand même. Les invraisemblances, les ellipses et les zones d’ombre de ce film qui n’en est pas avare nous importent peu. Kim Ki-Duk a le don de nous donner envie de croire à l’improbable. Magie du cinéma, encore, même derrière les barreaux d’une prison.

Kim Ki-Duk nous entraîne dans son univers, dans ses quatre saisons  (oui, encore…), avec ses personnages à fleur de peau. Un film douloureux non dénué de légèreté qui nous fait passer de la suffocation au rire salvateur avec maladresse, parfois.

Chang Chen qui interprète le condamné à mort rend ce personnage quasiment muet particulièrement expressif et nous fait suivre sa tragique trajectoire avec intérêt. Jusqu’à son dernier souffle.

S’il explore ses thèmes habituels : la violence (de celle qui brise les anges, de celui qui brise les vies), la sexualité, les saisons, Kim Ki-Duk réussit encore malgré tout à nous surprendre… Vivement le suivant !                                                                     

Sortie en France : le 21 novembre 2007

Voir ma critique de « Locataires » de Kim Ki-Duk

A suivre sur « In the mood for Cannes » : la critique du « Scaphandre et le papillon »  de Julian Schnabel, la critique de « Chacun son cinéma » etc.

Sandra.M

Le film de ce 60ème Festival qui m’a le plus marquée est… un documentaire sélectionné dans la section « Un Certain Regard ». Intitulé « L’avocat de la terreur », et signé Barbet Schroeder, il dresse le portrait de l’avocat aussi énigmatique que médiatique : Jacques Vergès. 

En préambule de cette passionnante et édifiante projection, Thierry Frémaux dont je ne présente plus l’enthousiasme débordant et communicatif, salue la présence dans la salle d'un des membres du jury de la compétition officielle, Michel Piccoli, et de Pedro Almodovar.

Communiste, anticolonialiste, d’extrême droite ?  Quelle(s) conviction(s) guide(nt) Jacques Vergès ? Barbet Schroeder mène l’enquête pour élucider le mystère. Au départ de la carrière de cet avocat énigmatique : la guerre d’Algérie et Djamila Bouhired, la pasionaria qui porte la volonté de libération de son peuple. Le jeune homme de loi épouse la cause anticolonialiste (procès mémorable où il fait le procès de la justice, Djamila Bouhired sera ainsi condamnée à mort puis graciée !), et la femme. Puis, entre 1970 et 1978, il disparaît. 8 longues années de clandestinité qui suscitent les rumeurs les plus folles. A son retour, il défend les terroristes de tous horizons et des monstres historiques tels que Klaus Barbie, le tristement célèbre ancien chef de la Gestapo de Lyon (là, il ne fera pas le procès de la justice mais… celui de la Résistance !).

Le documentaire commence donc en Algérie, là où débute aussi la carrière de l’avocat qui y défendit Djamila Bouhired puis qui l’épousa.  Les images d’archives alternent avec l’interview de l’avocat, et les entretiens avec des proches de ce dernier, des fréquentations souvent peu recommandables (il revendique ainsi son amitié avec un ancien nazi notoire : le banquier suisse François Genoud).

 A travers le portrait de cet homme ambigu passant de l’extrême gauche à l’extrême droite, de la défense des persécutés à celle des persécuteurs, de la clandestinité à l’exposition médiatique, de l’opposition à l’Etat Français à une éventuelle collaboration avec les services secrets, ses 8 années de disparition n’ayant jamais réellement été élucidées (même si on évoque un exil au Cambodge…), c’est celui du terrorisme du 20ème siècle qu’effectue Barbet Schroeder.

 Dictateurs africains,  Khmers rouges et Pol Pot, Klaus Barbie…tout ce que le 20ème siècle a compté de terroristes semble avoir un jour ou l’autre croisé la route de Jacques Vergès qui, loin de s’en défendre, le revendique avec cynisme, suffisance et bravade.  L’Algérie, la Palestine, l’Afrique, le Cambodge, aucune partie du globe où règne ou où a régné la violence ne lui est inconnue.

Si la longueur de ce documentaire vous rebute, sachez que le parcours de cet avocat de la terreur se regarde comme un thriller palpitant, qu’il nous paraît trop court tant Barbet Schroeder fait preuve d’habileté dans sa mise en scène et dans son montage. Il  ne recourt ainsi jamais à la voix off mais à une musique qui donne des allures de films d’espionnage à ce documentaire  qui ressemble à s’y méprendre à une fiction qui nous permet de reconstituer les pièces du parcours mystérieux de l’avocat, puzzle aux multiples et dangereuses ramifications.

Il révèle l’ambiguïté d’un homme dont il explique l’engagement autant par ses origines desquelles résulterait son horreur de la soumission et de l’oppression que par ses histoires d’amour ( Djamila Bouhired puis la femme de Carlos) : l’ambiguïté de celui qui pleure dans les prisons des combattants algériens et qui défend Klaus Barbie sans un remord en déclarant, avec une jubilation délibérément ostentatoire qui ne peut que susciter le malaise du spectateur (et qui la suscite à dessein, la provocation étant l’arme favorite de l’avocat), que c’est « euphorisant de le défendre seul contre 39 avocats », l’épicurien parfois enfantin qui tire avec un pistolet à eau sur les passants et qui se déclare capable de tuer…

Barbet Schroeder (qui a eu le final cut) ne prend pas parti, mais certains plans sont particulièrement éloquents comme ceux des interviews de Vergès qui se met lui-même en scène avec une vanité stupéfiante, jouant du silence entre deux bouffées de cigare, entre deux paroles délibérément provocatrices, dans un décor aussi fastueux qu’était misérable celui de certains de ses clients, des paroles parfois démentis par les interviews qui leur succèdent grâce à un montage astucieux. Le générique de fin est ainsi un clin d'oeil ingénieux, il énumère les noms des clients de Jacques Vergès et défilent sous nos regards effarés les plus grands criminels du 20ème siècle.

Plus qu’un documentaire, c’est une plongée passionnante et instructive dans l’Histoire du 20ème siècle, dans ses zones d’ombre à travers celles d’un homme (ses années de disparition, son énigmatique enrichissement…),  qui donne parfois froid dans le dos et est tellement réussie qu’elle nous fait presque oublier qu’elle relate des faits dramatiquement réels dont Vergès a tour à tour été le protagoniste, l’avocat et parfois la victime autoproclamée… Fascinant et terrifiant à l’image de son protagoniste, un documentaire qui est aussi une réflexion sur la vérité et la sincérité d’un engagement. A voir absolument !

Prochain article: "Souffle" de Kim Ki-Duk, en compétition officielle...

Sandra.M

Jeudi 24 Mai 2007. Le festivalier est confronté à des choix cornéliens. Si je veux pouvoir assister à la leçon de cinéma de Scorsese, je dois malheureusement partir avant la fin d’Ocean’s thirteen de Steven Soderbergh. Je quitte à regret la projection et Las Vegas, cadre vertigineux de ce 3ème opus,  même si ce film certes ludique voit son scénario approximatif et parfois ridiculement abracadabrantesque complètement étouffé dans la virtuosité démonstrative de la réalisation et  dans les numéros de ses acteurs principaux dont le plaisir évident à jouer ensemble est néanmoins communicatif.

Lorsque je ressors du Grand Théâtre Lumière, plus d’une heure trente avant la leçon de cinéma de Martin Scorsese une file impressionnante de badgés s’est déjà massée devant la salle Debussy.  Mes scrupules me quittent soudain.

La leçon de cinéma est toujours un moment crucial du Festival de Cannes, a fortiori cette année avec Martin Scorsese comme professeur prestigieux, le Festival en a d’ailleurs pleinement conscience puisque exceptionnellement la leçon de cinéma se déplace de la salle Buñuel à la salle Debussy, beaucoup plus spacieuse et donc néanmoins moins intime.

Thierry Frémaux annonce l’arrivée du cinéaste avec son emphase et son enthousiasme habituels évoquant même ses « larmes aux yeux » à l’occasion des Oscars 2007,  Scorsese ayant reçu l’Oscar du meilleur réalisateur et du meilleur film pour « Les Infiltrés ». Après avoir salué la présence dans la salle de Quentin Tarantino, longuement ovationné, puis avoir accueilli celui qui aura la passionnante tâche de questionner Scorsese, Michel Ciment, le critique de Positif et « ami de Stanley Kubrick »  comme le précise Thierry Frémaux, ce dernier annonce que la leçon peut commencer , et elle commence, dans un silence attentif, sous le regard des spectateurs, élèves d’un jour sages car admiratifs.

Martin Scorsese évoque d’abord le lien émotionnel que le cinéma représente pour lui, celui-ci lui ayant d’abord permis, à travers ses films, de dire ce qu’il ressentait pour eux à ses parents.  Il évoque sa famille conservatrice et catholique tout en précisant que son père votait démocrate

Il évoque sa cinéphilie et sa passion pour le cinéma, sa collection d’affiches  aussi. Avec humour, il dit avoir alors réalisé que ce qui lui « restait à faire » c’était de « refaire Citizen Kane ». Il évoque aussi surtout l’influence du cinéma européen, du cinéma français d’abord avec Truffaut, Rivette, Godard, Chabrol, mais aussi l’influence du cinéma italien avec Fellini, Antonioni, Bertolucci  et enfin du cinéma américain avec Cassavetes.  Il cite également Bergman. Il cite quelques films français de la Nouvelle Vague : Jules et Jim, Tirez sur le pianiste, Vivre sa vie, Le Mépris. Il cite Truffaut : «  Un film c’est comme un train qui vous rattrape ». 

 Il rend hommage à Roger Corman qui lui a appris la discipline qui consiste à "travailler même lorsqu’on n’est pas inspiré".

Il parle surtout de la narration, de sa déconstruction que lui a enseigné la Nouvelle Vague, et évoque ainsi son envie de la réinventer constamment, de "décomposer la narration".

Il parle de son goût du storyboard qui reflète sa nature obsessionnelle.

Pour lui, la caméra se déplace « comme une musique, comme une mélodie ».

Concernant la violence qui caractérise chacun de ses films, il ne s’agit pas de montrer la violence mais la violence émotionnelle : « la menace de la violence ».

Il évoque enfin la création de la World Cinema Foundation, fondation créée à son initiative et dont le but sera de préserver et restaurer les chefs d'oeuvre du cinéma mondial.

Ces 90 minutes, trop courtes mais passionnantes, jalonnées d’extraits de quelques films (After hours, Casino, Le temps de l’innocence, Kundun etc), trop courts et passionnants eux aussi, pourront peut-être se résumer par cette phrase de Scorsese lors de cette leçon de cinéma : « Il faut vouloir faire un film plus que toute autre chose dans votre vie » qui me rappelle la citation d’exergue de mon autre blog « se perdre dans sa passion plutôt que vivre sans passion ». Une passion qui vaut la peine de s’y égarer, un délicieux et ensorcelant égarement.

"Un film est l'expression d'une vision unique-plus il est personnel et plus il s'approche du statut d'oeuvre d'art, ce qui signifie qu'il résistera plus longtemps à l'épreuve du temps". "J'ai toujours pensé que le film représente la réponse à une vieille question que se pose l'humanité: le désir de partager une mémoire commune, un héritage". Martin Scorsese- Festival de Cannes 207-

 Des vidéos de la leçon de cinéma de Martin Scorsese seront bientôt mises en ligne, dans la colonne de gauche du blog.

Demain, sur « In the mood for Cannes », ma critique du passionnant documentaire de Barbet Schroeder consacré à Jacques Vergès et intitulé « L’avocat de la terreur », un documentaire présenté dans le cadre d’Un Certain Regard.

Sandra.M