Dans quelques heures, il me faudra quitter Cannes et retrouver un semblant de réalité après ces 12 jours qui m'en ont tenue délicieusement éloignée. A partir de jeudi, vous pourrez retrouver ici mes très nombreuses et parfois contradictoires impressions sur mes péripéties "in the mood for Cannes 2011", mon décryptage de cette sélection 2011 et du palmarès  dont je peux néanmoins d'ores et déjà vous annoncer qu'ils m'ont l'un et l'autre particulièrement réjouie, cette sélection 2011 ayant été d'une qualité remarquable, et le palmarès en reflétant la diversité et la richesse. Mon seul regret: l'absence au palmarès de "This must be the place" de Paolo Sorrentino. Je reviendrai en détails sur chacun des films primés même si je vous ai parlé  brièvement de la plupart d'entre eux. Je ferai bien évidemment également une longue critique de la palme d'or. Les photos ci-dessus sont extraites de la conférence de presse des lauréats qui s'est déroulée à l'issue du palmarès et à laquelle j'ai eu la chance et le plaisir d'assister.

LONGS METRAGES

 Palme d'Or

 THE TREE OF LIFE (L’Arbre de vie) réalisé par Terrence MALICK

Grand Prix - EX-ÆQUO

BIR ZAMANLAR ANADOLU’DA (Once Upon A Time In Anatolia) réalisé par Nuri Bilge CEYLAN

LE GAMIN AU VÉLO (The Kid With A Bike) réalisé par Jean-Pierre et Luc DARDENNE

Prix de la mise en scène

 Nicolas WINDING REFN pour DRIVE

Prix du Jury

POLISSE (Poliss) réalisé par MAÏWENN

Prix d'interprétation masculine

 Jean DUJARDIN dans THE ARTIST réalisé par Michel HAZANAVICIUS

Prix d'interprétation féminine

Kirsten DUNST dans MELANCHOLIA réalisé par Lars von TRIER

Prix du scénario 

Joseph CEDAR pour HEARAT SHULAYIM (Footnote)

 COURTS METRAGES

Palme d'Or

CROSS (Cross-Country) réalisé par Maryna VRODA

Prix du Jury

BADPAKJE 46 (Maillot de bain 46 / Swimsuit 46) réalisé par Wannes DESTOOP

UN CERTAIN REGARD

Prix Un Certain Regard Ex-æquo

ARIRANG de KIM Ki-Duk

HALT AUF FREIER STRECKE (Arrêt en pleine voie) d’Andreas DRESEN

Prix spécial du Jury

ELENA d’Andrey ZVYAGINTSEV

Prix de la mise en scène

BÉ OMID É DIDAR (Au revoir) de Mohammad RASOULOF

 CAMERA D'OR

LAS ACACIAS réalisé par Pablo GIORGELLI présenté dans le cadre de la Semaine de la Critique

CINEFONDATION

Premier Prix

 DER BRIEF (La Lettre) réalisé par Doroteya DROUMEVA

 Deuxième Prix

 DRARI réalisé par Kamal LAZRAQ

 Troisième Prix

 YA-GAN-BI-HANG (Fly by Night) réalisé par Son Tae-gyum

C’est demain soir, déjà, à 19H15, dans le Grand Théâtre Lumière,  que sera délivré le palmarès de ce 64^ème  Festival de Cannes après 11 jours dont je retiens une multitude d’émotions, réelles et cinématographiques, troublantes, indéfinissables, étourdissantes, grisantes qu’il me faudra sans doute plusieurs jours pour rationaliser et donc autant de temps avant que vous en trouviez le récit complet ici, afin également que je trie mes centaines de photos, dizaines de vidéos et milliers de souvenirs et afin de vous donner la juste (dé)mesure de ce que j’ai vécu pendant ces 11 jours particulièrement intenses. Je ferai également un bilan thématique de ce Festival 2011. Laisser le temps au temps sera d’ailleurs plus que jamais le parti pris de ce blog, qui se veut l’anti twitter, l’anti phrase lapidaire, avec pour objectif de privilégier de plus en plus la longueur et la qualité des articles à la fréquence.

L’actualité, elle , n’attend pas et, quoiqu’il arrive , demain, le palmarès de cette édition 2011 sera délivré, une édition dont je peux vous dire qu’elle a entièrement tenu ses promesses, celle d’une sélection particulièrement diversifiée et de très haut niveau, moins sombre que d’habitude (même si certains films, et non des moindres, l’étaient particulièrement) et qui, plus que jamais, a célébré le cinéma, tous les cinémas, sans oublier d’être en phase avec l’actualité (même si celle-ci, cette année, était encore plus cinématographique et invraisemblable que les films projetés pendant le festival au point qu’elle les a même un peu éclipsés).

Mais l’actualité était aussi à Cannes, avec les déclarations pathétiques (un euphémisme, évidemment) de Lars Van Trier qui lui a valu son éviction du festival, mais heureusement pas celle de son film dont je vous ai déjà parlé brièvement ici (et plus longuement bientôt) qui pour moi fait partie de ceux qui mériteraient la palme d’or. Même si le festival a eu l’excellente idée de dissocier l’œuvre du cinéaste de ses propos, le jury pourra-t-il primer la première sans donner l’impression de minimiser les propos de Lars von Trier ? Cela me parait difficile étant donné les résonances politiques du Festival de Cannes.  N’ayant vu que la moitié des films de la compétition mes pronostics seront bien évidemment tronqués mais les films m’ayant laissé les plus fortes impressions et qui, selon moi, mériteraient la palme d’or sont :

-« Tree of life », le vertige sensoriel de Terrence Malick qui fait parfois surgir la grâce

- « Melancholia » de Lars von Trier (habitué du palmarès, palme d’or en 2000 avec « Dancer in the dark »), allégorie éblouissante, audacieuse, pessimiste et cruelle sur la mélancolie d’une beauté, d’une cruauté, d’une lucidité remarquables.

- « The Artist » de Michel Hazanavicius (un cinéaste au parcours et au style très différents des habituels « palmés »), film burlesque, inventif, humain, touchant, déclaration d’amour au cinéma, aux artistes, à leur orgueil et leur fragilité.

- « This must be the place » de Paolo Sorrentino (qui avait reçu le prix du jury en 2008 pour « Il Divo »), déjà lauréat du prix œcuménique, petit bijou de sensibilité et d’humour noir à l’interprétation (bouleversant, singulier et méconnaissable Sean Penn), la BO et la mise en scène remarquables. Un des rares films à m’avoir profondément émue.

 « The Artist » serait sans doute le plus improbable pour une palme d’or, les jurys de ces dernières années ayant privilégié des films en résonance avec l’actualité, très différents de ce bel et atypique hommage au cinéma et aux artistes qui a réjoui les festivaliers.

-Ajout du dimanche 22 mai après avoir vu "Habemus Papam" de Moretti en séance de rattrapage, un film irrésistible qui présente le Vatican comme une sorte de théâtre absurde avec le pape le plus humain qui ait (ou plutôt qui n'ait pas ) existé. Un sérieux prétendant au grand prix ou au prix du scénario selon moi (davantage qu'au prix d'interprétation, Piccolo ayant une rude concurrence dans cette catégorie et la force du film étant avant tout son scénario, et sa mise en scène, davantage que son interprétation).

La critique internationale, avec le prix Fipresci, a choisi de récompenser la fable sociale de Kaurismäki (le jury œcuménique lui a également attribué une mention spéciale) qui, si elle dégage un charme indéniable, ne m’a pas émue, charmée, impressionnée comme les films précédemment cités. Ce film entre davantage dans la lignée des palmes à caractère « social »remises ces dernières années.

« Le Gamin au vélo » des frères Dardenne a été unanimement bien accueilli par les festivaliers mais, à mon avis, ne devrait pas valoir une troisième palme d’or aux Dardenne, étant selon moi en-deçà de leurs précédents films, et certes plus « grand public ».

Tilda Swinton revient souvent citée parmi les prétendantes au nom de meilleure actrice d’ailleurs moins nombreuses que les prétendants au titre de meilleur acteur (Sean Penn qui, une nouvelle fois,  m’a époustouflée,-pourra-t-il recevoir – à nouveau le prix d’interprétation ? Pourquoi pas Michel Piccoli dans le film de Morretti que j’essaierai de voir tout à l’heure ? Pourquoi pas Vincent Lindon ET Alain Cavalier pour leur travail d’improvisation ? ).

Les prix ex-aquo ou collectifs sont également à la mode, pourquoi pas deux prix d’interprétation masculine pour deux films très différents : Sean Penn et l’acteur de « Michael » (Michael Fuith) ? Michel Piccoli et Jean Dujardin ? Alain Cavalier et Vincent Lindon donc (manière de récompenser aussi le travail du cinéaste et le parti pris de son film ?  Ou un acteur moins attendu au jeu délibérément théâtral : André Wilms (dans « Le Havre ») ?

La sélection française a d’ailleurs déjà gagné à l’applaudimètre qu’il s’agisse de « Polisse », « Pater » (que j’ai malheureusement manqué), ou « The Artist » (dont je vous ai raconté l’accueil exceptionnel lors de la séance officielle).

La maîtrise d’Almodovar dans ce film qui a déstabilisé ses inconditionnels, « La Piel que habito » mais qui n’en est pas moins aussi « horrible » que fascinant ne devrait pas être celui qui lui permettra enfin de décrocher cette palme d’or qu’il convoite toujours malgré ses nombreuses récompenses cannoises mais pourrait lui valoir un grand prix, un prix d’interprétation féminine pour Elena Anaya, ou masculine pour Antonio Banderas. Il mériterait en tout cas, encore une fois, une place au palmarès.

Je verrais bien « Michael » recevoir le prix du jury ou de la caméra d’or, étonnant premier film, qui dissèque presque cliniquement la vie d’un pédophile, en parvenant avec beaucoup de talent, à ne jamais le rendre sympathique. Un film comme « Footnote », injustement méprisé par les festivaliers, pourrait également recevoir ce prix.

« Polisse » est souvent cité comme susceptible de recevoir le Grand prix. Il pourrait également recevoir le prix scénario pour le travail réalisé en amont. Ou pourquoi pas « The Artist » pour  Le Grand prix  avec, comme palme d’or, un film plus âpre ou pessimiste, mettant ainsi en valeur la diversité du festival ? Pour ma part, comme pour « Polisse », je lui décernerais plutôt le prix du scénario.

Je précise encore une fois que je n’ai vu que la moitié des films en compétition… d’où le caractère approximatif de ces pronostics et commentaires.

Réponse demain soir pour savoir quel film aura choisi le jury de Robert De Niro comme successeur d’ « Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures »d’Apichatpong Weerasethakul.

Voici les prix qui seront décernés demain soir (exception faîte d’éventuels prix spéciaux). Vous retrouverez bien entendu ici le palmarès détaillé dès demain soir et, mercredi ou jeudi, mon bilan détaillé de ce festival 2011, avec de nombreuses photos à l’appui.

Palme d'Or

Grand Prix

Prix de la mise en scène

Prix du Jury

Prix d'interprétation masculine

Prix d'interprétation féminine

Prix du scénario

COURTS METRAGES EN COMPETITION

Palme d'Or

Prix du Jury

CAMERA D'OR

Le jury de la Fédération Internationale de la Presse Cinématographique, FIPRESCI, a, comme chaque année, remis ses prix dans les différentes sélections du 64ème festival de Cannes.
En Compétition : "Le Havre" de Aki Kaurismaki

Un Certain Regard : "L'exercice de l'Etat" de pierre Schoeller

Autres sections parallèles : "Take Shelter" de Jeff Nichols

Le jury œcuménique était cette année composé de :

Le critique de cinéma suisse et ancien pasteur Daniel Grivel, la Française Françoise Lods, le prêtre argentin Martin Bernal Alonso , le pasteur et docteur en théologie suédois Mikaël, de Christiane Hofmann, responsable française de ciné-clubs, , le critique de cinéma italien Gianluca Arnone .

Pour ces derniers, Paolo Sorrentino "donne à suivre le voyage intérieur et l'odyssée d'un homme à la recherche de ses racines juives, de la maturité, de la réconciliation et de l'espérance ». C'est la raison pour laquelle ils lui ont attribué ce prix du jury oecuménique.

Une mention spéciale a été attribuée à Le Havre de Aki Kaurismaki et à «  Et maintenant, on va où ? » de Nadine Labaki.

Retrouvez bientôt ma critique de "This must be the place" de Paolo Sorrentino (un de mes favoris pour la palme d'or).

Cette année, parce que, comme tous les ans, il fallait bien faire des choix, je n'ai vu qu'un film de cette sélection, celui d'André Téchiné, un cinéaste dont je suis pourtant habituellement une inconditionnelle mais qui, en l'occurrence, m'a déçue. (Là encore, j'y reviendrai). En attendant, voici le palmarès:

Label Europa Cinemas
ATMEN de Karl Markovics

Art Cinema Award
LES GEANTS de Bouli Lanners

Prix SACD
LES GEANTS de Bouli Lanners

Séance "Coup de coeur"
PLAY de Ruben Östlund

Ce soir, dans le cadre du théâtre Debussy, était délivré le palmarès Un Certain Regard de ce Festival de Cannes 2011, une soirée toujours moins informelle que la remise de prix de la compétition officielle, le tout présenté par un Thierry Frémaux toujours aussi enthousiaste même après 11 jours de festival et qui partage avec Gilles Jacob , outre la passion du cinéma, un véritable sens de l'humour.  C'est Kusturica, réalisateur présentant la particularité d'avoir deux fois reçu la palme d'or à Cannes qui, le premier, a pris la parole évoquant avec humour ses 25 ans de Festival de Cannes sans jamais y voir un seul film: "Depuis 25 ans que je viens ici, je n'ai jamais vu un seul film", "Un Certain Regard est vraiment une bonne section", a-t-il ajouté. Le jury a remis cette année dux prix Ex-aquo pour le prix Un Certain Regard, à Andreas Dresen et à Kim Ki Duk qui a chanté une chanson du film pour l'occasion (sous le regard interloqué de Kusturica). Mohammad Rasoulof a reçu le prix de la mise en scène.

Le film d'Andrey Zvyagintsev, Elena, récompensé d'un prix spécial était projeté en clôture

, en voici le synopsis:

Synopsis : Elena et Vladimir forment un couple d’un certain âge. Ils sont issus de milieux sociaux différents. Vladimir est un homme riche et froid, Elena une femme modeste et docile. Ils se sont rencontrés tard dans la vie et chacun a un enfant d’un précédent mariage.
Le fils d’Elena, au chômage, ne parvient pas à subvenir aux besoins de sa propre famille et demande sans cesse de l’argent à sa mère. La fille de Vladimir est une jeune femme négligente, un peu bohème, qui maintient son père à distance.
Suite à un malaise cardiaque, Vladimir est hospitalisé. A la clinique, il réalise qu’il pourrait mourir prochainement. Un moment bref mais tendre, partagé avec sa fille le conduit à une décision importante : c’est elle qui héritera de toute sa fortune. De retour à la maison, Vladimir l’annonce à Elena. Celle-ci voit soudain s’effondrer tout espoir d’aider financièrement son fils.
La femme au foyer timide et soumise élabore alors un plan pour offrir à son fils et ses petits-enfants une vraie chance dans la vie.Un Certain Regard 2011 a proposé 21 films réalisés par 22 réalisateurs venus de 19 pays différents. Deux d’entre eux sont des premiers films.

Je vous reparlerai de ce film d'une rigueur mélancolique aussi bien dans le fond que dans la forme qui obéissent à la même logique froide, implacable, mais reflètant aussi un regard d'une profonde humanité.

Présidé par Emir KUSTURICA (Réalisateur, acteur et musicien - Serbie), le Jury était composé de : Elodie BOUCHEZ (Actrice - France), Peter BRADSHAW (Critique-The Guardian - Royaume Uni), Geoffrey GILMORE (Directeur artistique-Tribeca Enterprises - Etats-Unis), Daniela MICHEL (Directrice du Festival de Morelia - Mexique).

PRIX UN CERTAIN REGARD Ex-æquo

ARIRANG de KIM Ki-Duk

HALT AUF FREIER STRECKE (Arrêt en pleine voie) d’Andreas DRESEN

PRIX SPECIAL DU JURY

ELENA d’Andrey ZVYAGINTSEV

PRIX DE LA MISE EN SCENE

BÉ OMID É DIDAR (Au revoir) de Mohammad RASOULOF

Le cinéma d’art et d’essai parisien le Reflet Médicis accueillera les films de la Sélection officielle 2011 sélectionnés à Un Certain Regard du mercredi 25 mai au mardi 31 mai 2011.

Drive est l'adaptation du livre éponyme écrit par James Sallis ; c’est  le scénariste Hossein Amini qui a  transformé le roman en scénario.

 C’est l’histoire d’un jeune homme solitaire, "The Driver" (Ryan Gosling),  qui conduit le jour à Hollywood pour le cinéma en tant que cascadeur et la nuit pour des truands. Il a pour « principe » de ne participer aux crimes de ses employeurs qu’en conduisant et de n’être jamais armé. Sa  route croise celle d’Irene (Carey Mulligan) et de son jeune fils, ses voisins, et il succombe rapidement au charme de l’un et l’autre, et réciproquement. Lorsque le mari d’Irene sort de prison et se retrouve enrôlé de force dans un braquage pour s’acquitter d’une dette, il décide pourtant de lui venir en aide. L’expédition tourne mal… Doublé par ses commanditaires, et obsédé par les risques qui pèsent sur Irene, il n’a dès lors pas d’autre alternative que de les traquer un à un…

Cela commence sur les chapeaux de roue : une mise en scène époustouflante, flamboyante et crépusculaire, qui nous fait ressentir les sensations trépidantes, périlleuses et vertigineuses de ce chauffeur hors pair et  mutique, au sourire retenu, dans une ville de Los Angeles tentaculaire, éblouissante et menaçante. Mais « The Driver » porte un masque, au propre comme au figuré (symbolisme un peu simpliste pour nous dire de nous méfier des apparences qui ne reflètent pas la réalité et pour symboliser la fragile frontière entre cinéma et réalité) et derrière ce chauffeur mutique d’allure plutôt sympathique va se révéler un vengeur impitoyable, sournois et trompeur comme le scorpion qu'il arbore sur sa veste, prêt à tous les excès pour protéger ceux qu’il « aime ».

 La violence psychologique s’annonce palpitante : pris dans un étau, il n’a d’autre solution que de commettre un méfait pour le mari d’Irène, pour sauver celle-ci … malheureusement ce qui dans la première partie s’annonçait comme un film à suspense se transforme en règlement de compte sanguinolent dans lequel l’intrigue devient inexistante et simple prétexte à une suite de scènes sanglantes, invraisemblables et vaines sans parler du personnage féminin totalement velléitaire.

 Là où un cinéaste comme James Gray -même si la mise en scène de Nicolas Winding Refn lorgne plus du côté de celle de Michael Mann- sublime une ville, en l’occurrence New York, et traite lui aussi de vengeance et d’amour, mais sans jamais mettre le scénario de côté, ou sans qu’un de ces aspects prennent le pas sur les autres, Nicolas Winding Refn se laisse entraîner par une sorte de fascination pour la violence (me rappelant ainsi la phrase de Coppola lors de sa master class deauvillaise « Montrer la guerre c’est déjà faire l’éloge de la guerre »), montrant pourtant le temps d’un meurtre sur la plage qu’il savait très bien filmer la mort, avec une force prenante, sans que cela tourne à la boucherie ridicule.

Ryan Gosling est certes époustouflant (et il a confirmé dans "Crazy, stupid love," la large palette de son jeu et sa capacité à tourner son image en dérision, au passage comédie romantique qui détourne puis respecte habilement les codes du genre) et derrière sa gueule d’ange dissimule une violence froide, se transformant en un vengeur impitoyable qu’il est pourtant difficile de prendre en sympathie ou même en empathie alors que tout au début s'y prêtait pourtant.

Dommage car la première partie était jubilatoire, réellement, de par la mise en scène qui nous fait éprouver ses sensations de vitesse et de mélancolie vertigineuses (sombre et belle alliance) mais aussi de par les contradictions du personnage principal et des conflits que cela annonçait. Dommage encore car la première partie était particulièrement prometteuse  avec des scènes plus calmes d’une beauté saisissante  comme ce face-à-face entre Irène et The Driver, dans l’appartement d’Irène, scène dans laquelle le temps est suspendu et dans laquelle les échanges évasifs de regards et les silences d’une douce sensualité en disent tellement. Sans parler évidemment d’une bo remarquable qui contribue fortement au caractère jubilatoire de la première partie.

Un film à l'opposé de celui d'Almodovar (qui a brillamment raconté une histoire cruelle, terrible, effroyable où toute la finesse de la mise en scène réside justement dans ce qui n’est pas montré et qui n’en a que plus de force) mais qui pourrait être un sérieux concurrent pour le prix de la mise en scène.

A voir néanmoins pour les amateurs de séries B auxquelles le film rend hommage, pour ceux pour qui la virtuosité de la mise en scène prédomine sur un scénario bancal, voire vide (dans la deuxième partie), ce qui n’enlève certes rien à la force de l’univers visuel de Nicolas Winding Refn mais ce qui pour moi a gâché tout le plaisir engendré par la première partie. La violence absurde et les excès du personnage principal (qui promettait là aussi d'être d'une complexité passionnante), sans parler des réactions invraisemblablement vélléitaires du personnage féminin, le manichéisme des méchants du film, l’ont emporté ainsi sur une première partie prometteuse comme rarement avec des images et une musique qui, encore maintenant, me restent en tête. Un magnifique clip, à défaut du grand film que la première partie annonçait pourtant. Surtout, un beau gâchis.

C’est une des bizarreries cannoises : alors que pour la conférence de presse de « Pirate des Caraïbes » il était impossible d’entrer (c’est le cas, la plupart du temps, des conférences de presse de films américains), pour celle de « Pater » et alors que je venais simplement attendre pour la conférence suivante (celle de « La Conquête » que je vous raconterai ultérieurement), et alors que celle de « Pater » était déjà commencé, on m’a fait entrer dans la salle ...car quasiment vide et c’est bien dommage car cette conférence était réellement passionnante, et n’a fait qu’accroître mon envie de découvrir le film d’Alain Cavalier. Vincent Lindon s’est révélé passionné, engagé même en parlant du film, mais aussi touchant, drôle, sincère, à fleur de peau.

Vincent Lindon a notamment parlé d’économie du cinéma, un sujet qui le passionne, rappelant que la qualité d’une scène ou d’un film n’était pas affaire de budget prenant pour exemple la scène d’ « Itinéraire d’un enfant gâté » dont tout le monde se souvient, celle du face-à-face  entre Belmondo et Anconina dans une chambre de bonne et au cours de laquelle il lui apprend à ne pas être surpris, ou celle de Titanic « avec la buée sur la vitre », des films qui ont coûté très chers et dont les scènes les plus mémorables sont les moins coûteuses.

Vincent Lindon a déclaré que c’était la première fois qu’il voyait le film sur grand écran : « Tous les gens attendaient un OVNI. On confond bizarre avec chiant » a-t-il dit.

« On ne faisait qu’une prise et si elle ne fonctionnait pas, elle n’était pas dans le film ».

Cavalier : « On prenait la caméra et on continuait une sorte de conversation. »

Vincent Lindon a également révélé avoir été très touché par l’accueil dans le Grand Théâtre Lumière (le film le plus applaudi de cette sélection 2011 ) : « Cela faisait 25 ans que j’attendais ce moment, ce n’était pas un bon accueil mais un accueil incroyable. » « Je l’aurai en souvenir toute ma vie. » « On prenait la caméra et on continuait une sorte de conversation. »  « J’adore qu’on m’aime, j’adore qu’on aime ce que je fais quand j’aime autant ce que je fais. » Quant à Cavalier : « Le fait d’être aimé régulièrement dans la vie n’est pas mon problème. » Concernant les artistes, d’après Cavalier : « On ne s’aime pas tellement que ça et on s’abrite derrière ce qu’on fait. »

Pour Cavalier, concernant les citations du film se rapprochant de citations réelles : « Je sais tout sur ceux qui ont le pouvoir mais c’est moi qui avais le pouvoir. Les citations étaient inconscientes. »

Pour Vincent Lindon : « On passe son temps à vouloir plaire ou déplaire à son papa ou sa maman, toujours en réaction ».

Pour lui ce film a changé son regard sur son métier : «  Je crois que, Alain, est en train de m’influencer sur une chose et une idée est en train de naitre » se déclarant las de tout ce qui précède habituellement le tournage (attente, maquillage, répétitions…), ce qui n’était pas le cas pour « Pater ». « Je pense que j’arrêterai ce métier plus tôt que prévu car je n’ai pas envie de devenir un vieil acteur. C’est ça qui a changé chez moi, je ne prends rien au sérieux, tout au tragique ».

Sur ces paroles péremptoires et finalement très justes me rappelant la devise crétoise « tout est grave, rien n’est sérieux », je vous laisse pour partir vers de nouvelles aventures …un peu frustrée de ne pas avoir le temps de vous en raconter davantage…

Sean Penn interprète Cheyenne ici, 50 ans, une ancienne star du rock.  Il vit de ses rentes à Dublin où il traine sa mélancolie et son ennui. La mort de son père avec qui il a coupé les ponts depuis des années le décide à partir pour New York. Là, il découvre que son père pourchassait un ancien criminel de guerre nazi, un bourreau d’Auschwitz qui l’avait humilié. Cheyenne va poursuivre la vengeance de son père et, pour l’accomplir, va traverser les Etats-Unis…

En voyant « This must be the place », j’ai pensé à l’écriture de Françoise Sagan. A sa fameuse petite musique des mots qui fait que, au-delà de l’histoire qu’elle nous raconte, le caractère jubilatoire de la forme happe notre attention et nous donne envie de dévorer notre lecture. C’est le cas aussi de la mise en scène de Sorrentino qui nous ensorcelle avec sa « petite musique » des images (des mots d’ailleurs aussi avec, en voix off, parfois le texte du père de Cheyenne). La comparaison n’est d’ailleurs pas aussi absurde, Cheyenne aurait ainsi pu dire telle la Cécile de « Bonjour tristesse » : « Sur ce sentiment inconnu dont l’ennui, la douceur m’obsèdent, j’hésite à apposer le nom, le beau nom grave de tristesse. »

Cheyenne, c’est donc Sean Penn, allure gothique et dégingandée, dos courbé, démarche lente et irrésolue, voix traînante,  visage maquillé à la Robert Smith et rire triste et improbable. Pour entrer dans le film, il faut évidemment adhérer à son personnage d’enfant capricieux sur les épaules duquel semblent peser tous les malheurs du monde (en tout cas ceux de son histoire et de l’Histoire, rien que ça). Ses gestes, son regard, son phrasé : tout nous fait oublier l’acteur pour construire ce personnage de grand enfant innocent, malicieux, capricieux,  ce chanteur de rock déchu, à la fois pathétique, touchant, ridicule, flamboyant, décalé. Face à lui, Jane (Frances McDormand), sa femme, aussi forte, présente, décidé qu’il est faible, absent, velléitaire. Leur couple est d’ailleurs symbolique de ce film tout en contradictions et judicieux décalages.

"Paolo réalise des films rapides sur des gens lents et des films drôles sur des gens tristes", a déclaré Sean Penn.  Sorrentino recourt en effet à la légèreté pour évoquer le poids de l’existence que Cheyenne semble porter, mais aussi le poids de la tragédie. Contradictions encore avec ce père absent et omniprésent.  Entre ce personnage enfantin, sa fragilité apparente et sa terrible, et souvent irrésistible, lucidité (Au départ on se dit « Ce sera ça ma vie » puis « C’est ça la vie » déclare-t-il ainsi). Entre la gravité du sujet et la tendresse loufoque pour l’aborder. Entre les grands espaces américains et la mélancolie irlandaise. Entre le visage fardé et ce qu’il dissimule. Entre la mort omniprésente et la vie absente d’un Cheyenne qui s’ennuie. Contradictions entre la fantaisie parfois dérisoire et son objectif qui est tout sauf dérisoire. Entre l’inoffensivité apparente d’un homme et les crimes qu’il a commis.

Sorrentino semble prendre autant de plaisir à sublimer cette Amérique que Cheyenne traverse qu’à en souligner les ridicules excès, entre les images d’Epinal de l’American dream, les paysages qui ressemblent à des peintures de Hopper avec ses motels, ses stations service, ses vastes étendues d’une beauté vertigineuse et ses excès (ou contradictions à nouveau) qu’il tourne en dérision : d’un armurier à la plus grande pistache du monde, en passant par une bouteille géante qui entrave sa route. Il nous en montre aussi la diversité des visages et des paysages comme un enfant curieux, celui qu’est encore Cheyenne, qui découvre Le Nouveau Monde, un nouveau monde, un enfant qui s’émerveille et croise des personnages (un Indien silencieux, une oie, un bison…) qui semblent tout droit sortie d’un conte. Les moments de fantaisie poétique sont encore sublimés par la musique comme dans cette scène avec cette chanson interprétée par David Byrne, le chanteur des Talking heads qui a composé la musique du film (pas une première puisqu’il a reçu l’Oscar de la meilleure musique pour la BO du Dernier Empereur de Bertolucci).

« This must be the place », c’est un parcours initiatique: l’histoire d’un masque qui tombe, d’un enfant qui grandit, d’un homme qui se relève. D’un artiste enfantin qui devient un homme et fume sa première cigarette.  Un film inclassable qui mélange habilement les genres, un road movie qui déroute et enchante, ou nous glace par sa lucidité. Un film envoûtant grâce à la musique de David Byrne, la  virtuosité de la mise en scène de Sorrentino et de l’interprétation de Sean Penn qui  nous plongent dans une atmosphère poétique, onirique et fantaisiste qui dissimule un visage grave et lucide. Un bel hommage à « Paris, Texas » de Wim Wenders, et à « Into the wild » de Sean Penn, aussi.  Un personnage et un film qui  vous restent dans la tête comme une petite musique. Celle des mots de Sagan. Ou une grande. Celle des Talkings Heads.  « Il faut choisir, dans l'existence, un moment, un seul, où la peur disparaît »  nous dit-on dans le film.  Ce périple en fait partie. Un périple réjouissant et bouleversant, grave et léger, mélancolique et enchanteur, fardé et sincère. Qui donne envie de regarder la vérité derrière le masque. Celle de l’abjection (le bourreau nazi) ou de l’humanité (Cheyenne) qui se mettent à nu (au propre comme au figuré ici). Leur rencontre improbable donne ce grand film construit sur de brillants contrastes.